Our meals are very convivial. The sound of dishes, conversations, but also colours and shapes enliven the Japanese table. Glazed earthenware cups, lacquer bowls, porcelain plates, wooden chopsticks, and glass...glasses; the materials and colours are as varied as the number of containers and utensils. In my country, each member of the family has his or her own cup, his or her own bowl; grandfather's or mother's. It is allowed to carry the dishes with you.&nbsp; It is allowed to carry the dishes in the hand, to stick the mouth on them. This is why the size of the dishes is important and specific to each person. You have one of each kind and use it for many years.&nbsp; So the Japanese take care of their dishes. Even if it is broken, it is not thrown away and continues to be used. For this reason, techniques have been developed to repair them.&nbsp;

La convivialité règne lors de nos repas. Le bruit de la vaisselle, les conversations, mais également les couleurs et les formes animent la table des Japonais. Des tasses en terre cuite émaillée, des bols en laque, des assiettes en porcelaine, des baguettes en bois, et des verres…en verre&nbsp;; les matières et les couleurs sont aussi variées que le nombre de contenants et d’ustensiles. Dans mon pays, chaque membre de la famille possède sa propre tasse, son propre bol&nbsp;; celle de grand-père ou celui de maman.&nbsp; Il est autorisé de porter la vaisselle à la main, d’y coller la bouche. C’est pourquoi sa taille est importante et spécifique à chacun. On en possède une de chaque sorte et on l’utilise pendant plusieurs années.&nbsp; Ainsi, les Japonais prennent soin de leur vaisselle. Même si cette dernière se casse, elle n’est pas jetée et continue à servir. Pour cela, des techniques permettant de la réparer ont été développées.

One of them is the kintsugi method. Kintsugi is a restoration technique that consists of gluing the breakage back together with lacquer that is covered with golden powder. The important thing is not to camouflage the breakage but, on the contrary, to give it a new aesthetic by honouring its history. This practice has emerged within the tea culture where beauty can be imperfect, where lack can be filled. Imperfection must be accepted with reverence. Tea masters have always regarded a broken bowl as the natural course of its history. The key is to give it a harmonious rebirth.&nbsp;&nbsp; The adhesive used in kintsugi is lacquer, a resin from shrubs in the Anacardiaceae family. In its natural state, it is the colour of coffee milk and becomes as dark as dark chocolate when stirred. A woody scent characterises its enigmatic odour, which I have smelled in the past. I search my memory and remember a newborn baby. A mixture of the smell of vernix and mother's milk. The resin heals the damaged tree, just like the blood that irrigates the human body with antibodies. As mother's milk is secreted by the mother's blood, it is perhaps no coincidence that the smell of the lacquer is similar to that of the newborn.&nbsp;

L’une d’elle est la méthode du kintsugi. Le kintsugi est une technique de restauration consistant à recoller les brisures avec de la laque que l’on recouvre de poudre dorée. L’important n’est pas de camoufler la casse mais, bien au contraire, de lui apporter une esthétique inédite en honorant son histoire. Cette pratique est apparue au sein de la culture du thé où la beauté peut être imparfaite, où le manque peut être comblé. L’imperfection doit être acceptée avec révérence. Les maîtres de thé ont toujours considéré un bol cassé comme le cours naturel de son histoire. L’essentiel est de lui procurer une renaissance harmonieuse.&nbsp;&nbsp; L’adhésif qui sert au kintsugi est la laque, une résine d’arbustes de la famille des Anacardiacées. À l’état naturel, elle est couleur café au lait et devient aussi foncée que du chocolat noir à force d’être remuée. Un parfum boisé caractérise son odeur énigmatique que j’ai déjà sentie par le passé. Je fouille dans ma mémoire et me rappelle un nouveau-né. Un mélange d’odeur de vernix et de lait maternel.&nbsp;La résine soigne l’arbre abîmé, tout comme le sang qui irrigue le corps humain d’anticorps. Le lait maternel étant sécrété par le sang de la mère, ce n’est peut-être pas un hasard si l’odeur de la laque se rapproche de celle du nouveau-né.&nbsp;

I mix red ochre with dark chocolate lacquer and obtain a substance with a bloody shade close to raspberry. I dip a fine brush into it and carefully draw lines on the break lines. It is a moment of recollection when one faces the breakage. As I pick up the broken dishes, I remember the first time I held my baby in my arms, so fragile and defenceless. I also remember the feeling of emptiness in my body, damaged by the ordeal of childbirth.&nbsp; After the lacquer, I apply the golden powder, obtained from a mixture of gold leaf and silk. Under the repeated caress of the brush, the gilding gains in brightness. It receives the light of the room and shines tenderly.&nbsp; The repaired tableware is left to dry for a week. A wound takes time to heal and leaves its mark forever. My crockery has lived and I find it very beautiful like this.&nbsp;&nbsp; The break is the mark of a break that reveals a new contour. Each wound brings a new expression and our horizon expands with each experience. Knowing one's own pain teaches us about the pain of others. This person who is dear to me and yet laughs in front of me is broken somewhere deep inside. To spot the pain of our loved ones, and not to forget it. What new life will this repaired dish embody?&nbsp;&nbsp;

Je mélange de l’ocre rouge à la laque couleur chocolat noir et j’obtiens une substance d’une nuance sanguine proche de la framboise. J’y trempe un pinceau fin et trace soigneusement des traits sur les lignes de bris. C’est un moment de recueillement où l’on fait face à la cassure. En prenant en main cette vaisselle brisée, je me rappelle la première fois où j’ai pris mon bébé dans les bras, si fragile et sans défense. Me réapparaît également cette sensation de vide dans mon corps abîmé par l’épreuve de l’accouchement.&nbsp; Après la laque, j’appose la poudre dorée, obtenue à partir d’un mélange de feuille d’or et de soie. Sous la caresse répétée du pinceau, la dorure gagne en éclat. Elle reçoit la lumière de la pièce et brille tendrement.&nbsp; La vaisselle ainsi réparée repose durant une semaine, le temps que la laque sèche. Une blessure prend du temps pour se soigner et marque à jamais son porteur. Ma vaisselle a vécu et je la trouve très belle ainsi. &nbsp; La brisure est la marque d’une cassure qui fait apparaître un nouveau contour. Chaque blessure apporte une nouvelle expression et notre horizon s’élargit à mesure de nos expériences. Connaître sa douleur nous apprend celle des autres. Cette personne qui m’est chère et qui rit pourtant devant moi est brisée quelque part au fond d’elle. Repérer la douleur de nos proches, et ne pas l’oublier. Quelle nouvelle vie incarnera cette vaisselle réparée&nbsp;? &nbsp;&nbsp;

金継ぎ　―傷あとから生まれる景色 日本の食卓はにぎやかだ。会話や食器が触れあう音にもまして、にぎやかなのはその見た目だ。陶器の茶碗、漆の汁椀、ガラスのコップ、磁器の皿、木製の箸――。素材や色の異なる食器がずらりと並ぶ。大きさもさまざまだ。日本の食卓では、家族一人ひとりが専用の器をもつ。「これはおじいちゃんの湯呑み」「これはお母さんの茶碗」というふうに、それぞれ所有者が決まっている。 器は直接手に持ったり口をつけたりして使う。だから一人ひとりの体の大きさに合ったものが望ましい。それぞれが自分専用の器をもち、何年もそれを使い続ける。 そんなふうに日本の人々は器を大切に扱ってきた。器が割れてしまっても、捨てずになんとか使い続ける術を編み出してきた。そのひとつに金継ぎがある。 金継ぎとは、割れた器を漆で継ぐ日本古来の修復技法だ。割れたり欠けたりした部分を漆でつなぎ、その痕に金粉を施す。傷をなかったことにするのではなく、壊れたことも大切な歴史と捉え、美しさを見出す。 金継ぎは茶の湯の文化のなかで育まれてきた。茶の湯には、不足の美や不完全の美という考え方がある。完全な物事などないということを、畏敬の念をもって受け入れるという考えだ。当時の茶人たちは、器が壊れることを自然なこととして受け入れ、継ぐことによって新たな調和を生み出した。 金継ぎの接着剤となる漆は、ウルシ科の木から採取した樹液だ。カフェオレのような色をしていて、へらで少し混ぜるとミルクチョコレートのような色になる。さらに練り上げていくうちに、ダークチョコレートのような深い色へと変化していく。 あたりには甘ったるいウッディな香りが漂う。体温が乗ったような不思議な香り。聞けばこれが漆の香りだという。どこかで嗅いだことのある香りだと思った。記憶のなかを探しまわり、思い当たったのが新生児の匂いだった。生まれたばかりの赤ん坊の、胎脂と母乳が混ざったような何とも表現しがたい匂い。木の命脈である樹液は、人間の体でいうと血液のようなものだ。一方の母乳も、母親の血液からできている。漆の香りと赤子の匂いが似ているのは、あながち偶然ではないのかもしれない。 ダークチョコレート色の漆液に、ベンガラという赤い顔料を混ぜる。漆が濃いラズベリーのような、血痕のような色に変わっていく。細い筆にとり、器のひび割れをなぞる。一筆ずつ漆を運び、慎重に傷口を覆っていく。静かに傷と向き合う時間。器を手にしながら、我が子をはじめて抱いたときのことを思い出した。あの繊細で壊れそうな新生児の感触。そして出産後の我が身を、傷だらけでがらんどうの器のように感じたことを思い返した。 傷口を完全に覆ったら、いよいよ金粉をのせていく。やわらかい真綿に金粉を含ませる。ふわりと傷口にのせ、傷痕をやさしく磨く。金粉の粉っぽい質感が徐々につやを帯びていく。室内の明かりを受け、やわらかく光る。 完成した器は一週間かけてゆっくり乾燥させる。傷が治癒するには時間がかかる。治癒したところで元通りになるわけではない。それでもいい、と思う。 壊れることには傷がともなう。しかしそこから新たな景色が見えてくる。傷つくたび、自分自身を彩る表情が増えていく。見える世界も広がっていく。 自分の痛みを知ることは、他者の痛みを知ることだ。目の前で笑っている大切な人が、奥で抱えているかもしれない苦しみに気づくこと。これから大切になるかもしれない人の痛みを敏感に察し、ひととき思いを馳せること。 新たに命をつないだ器に、なにを入れようか。

Kintsugi, a landscape born from a wound

Le kintsugi, ce paysage qui naît d’une cassure

C'est officiel, Hitonari Tsuji sera en concert à l'Olympia le 29 mai 2023! La nouvelle est en une sur le site de la salle mythique. Foncez!! <a style="color:#666666;background-color:#ffffff" href="https://www.olympiahall.com/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.olympiahall.com/</a>

La billetterie ouvrira ce 23 novembre à minuit. Pour l'instant, vous pouvez admirer le compte à rebours! <a style="color:#666666;background-color:#ffffff" href="https://www.olympiahall.com/evenements/tsuji/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.olympiahall.com/evenements/tsuji/</a>

La production est assurée par Bertrand Torbedo de la société Overlook. "Tsuji a franchi une nouvelle étape dans sa carrière artistique" Comptons sur l'artiste pour que l'évènement soit un succès!

速報です。 パリ在住のミュージシャンで作家の辻仁成が２０２３年５月２９日（月曜日、祝日）に、パリの歴史的ミュージックホール、オランピア劇場にて単独公演を行うことが発表されました。 本日、オランピア劇場の公式サイト、トップページに、辻仁成のライブ告知が登場しています。 こちらが、その公式ページになります。 https://www.olympiahall.com/ そして、オランピア劇場が同日発表したのは、辻仁成の公式ポスターとなります。 チケット発売までのカウントダウンがすでに始まっており、緊迫感が伝わってきます。 こちらのリンクをクリックください。カウントダウン中！ https://www.olympiahall.com/evenements/tsuji/ プロモーターのフランス大手コンサート運営会社、オーバールック社のプロモーター、ﾍﾞﾙﾄﾗﾝ・ﾄﾛﾍﾟﾄﾞ氏から、 「歴史的な第一歩を辻は踏んだ」 とメッセージが届いてます。 チケットの発売は、フランス時間、１１月２３日、１２時（日本時間２０時）からとなります。目が離せない今後の展開に期待いたしましょう。

Hitonari Tsuji, en concert à l'Olympia!

Le yabusamé est un art martial de tir à l’arc pratiqué à cheval. Il signifie littéralement&nbsp;pointe coulante et cheval. L’archer parcourt à cheval une distance de deux cents mètres et, en une vingtaine de secondes, il tire des flèches sifflantes sur trois cibles successives. Il est à la croisée de deux disciplines à part entière, le kyudo (la voie de l’arc) et l’équitation.&nbsp;

La première démonstration d’une telle prouesse remonterait au milieu du VIème siècle. Lorsque l’empereur Kinmei nomme le meilleur archer à cheval, il lui ordonne de tirer sur trois cibles. À travers cette prestation, l’empereur honore ses ancêtres et espère la paix sociale ainsi que la fertilité des terres. Depuis cette époque jusqu’à la fin de l’ère Heian en 1185, cette discipline était pratiquée au sein de la noblesse pour des motifs cérémoniels. Elle revêtait alors largement une fonction rituelle, lors de commémoration, de dates importantes ou de divertissements d’invités importants.&nbsp; Lorsque le shogunat prend le pouvoir à l’ère Kamakura qui suit, le yabusamé est inculqué aux soldats pour des fins d’entraînement. Requérant une agilité parfaitement maîtrisée à la fois en tir à l’arc et en équitation, il prépare les guerriers pour les combats dans une période où les conflits militaires étaient quasi permanents. Par la suite, depuis l’époque d’Edo jusqu’à aujourd’hui, cette discipline est pratiquée dans un but de développement personnel. L’influence du zen y est pour beaucoup car le maniement de l’arc sur un cheval galopant demande concentration spirituelle et constance du souffle. Le buste doit rester immobile, les genoux dirigent le cheval, un bras tient l’arc quand l’autre va chercher la flèche puis la cible. La piste est longue de deux cents mètres et les cibles sont situées à cinq mètres de l’archer à deux mètres de hauteur.&nbsp;

Il existe deux grandes écoles nées de la scission d’une seule et même famille en l’an 900. Elles représentent encore aujourd’hui les deux principales représentantes de la discipline, faisant perdurer la pratique lors de festivités ou cérémonies et en formant les archers. L’entraînement est long et demande une ascèse à toute épreuve. Le yabusamé n’étant pas professionnalisé, les pratiquants exercent un autre métier et seuls les meilleurs assurent le transfert de la technique. Les démonstrations sont assurées par des bénévoles.&nbsp;

Dans de nombreux temples de toutes les régions du Japon, les visiteurs peuvent admirer la précision et la vitesse du tandem formé par un homme, ou une femme, et son cheval. Tôt le matin, les matériels sont bénis par le prêtre shinto. L’archer reçoit arc et flèches puis se rend à cheval vers la piste. Avant de s’élancer, il vise le Ciel puis la Terre.&nbsp;Ainsi, le yabusamé revêt une pratique hautement symbolique dont l’intérêt tient largement à la ritualité de la société japonaise. &nbsp;&nbsp;

Le yabusamé, l'art de la précision et de la vitesse

Parmi les nombreux rites qui bercent la vie des enfants japonais, le Shichi-go-san est fêté le 15 novembre. Il concerne les garçons de trois et cinq ans et les filles de trois et sept ans.Signifiant littéralement les chiffres 7-5-3, ce rite de passage célèbre la vie des enfants avec l’espoir de longévité. Auprès des temples shinto et bouddhiste, les enfants se présentent, rendent grâce et font le vœu de grandir en bonne santé.

Cette cérémonie remonterait à l’ère Heian (795-1185). La mortalité infantile était alors encore importante, à telle point que les enfants étaient considérés comme appartenant à Dieu, qui pouvait les rappeler à lui à tout moment. L’origine de la date du 15 novembre&nbsp;est moins certaine. Selon le calendrier traditionnel et la numérologie chinoise, cette date correspondrait à un jour de bon augure. Le mois de novembre correspond à la fin de la récolte, symbolisant ainsi la croissance des plantes et celle des enfants. Pour ces raisons, en 1685, le cinquième Shogun de la dynastie des Tokugawa aurait arrêté cette date afin d’organiser une cérémonie pour son héritier.&nbsp;

Les âges célébrés correspondent aux rites de passage des enfants.&nbsp;À partir de l’âge de trois ans, on cessait de raser les cheveux des enfants, à cinq, les garçons commençaient à porter le hakama, un pantalon large et plissé, et à sept ans, les filles remplaçaient un simple cordage qui fermait leur kimono par un obi, une ceinture plus large portée par les femmes. Ces âges coïncident également avec le développement de l’enfant. La parole est acquise à trois ans, l’âge de raison commence à cinq ans et à sept ans, les premières dents de lait tombent.&nbsp;

La date du 15 novembre demeure symbolique et la cérémonie peut se dérouler un autre jour proche, pendant un week-end ou un jour férié. La journée des enfants (et des parents) est alors très remplie. Même s’il n’est pas de rigueur, le kimono est largement plébiscité pour célébrer ce jour et le vêtir&nbsp;demande du temps et un savoir-faire qui se perd. Il faut alors s’être procuré un kimono, avoir fait appel à une habilleuse, coiffer les enfants. Après cette préparation, et non des moindres, certaines familles se rendent à un sanctuaire shinto pour y recevoir la bénédiction des dieux, tandis que d’autres se retrouvent dans un temple bouddhiste pour faire part aux ancêtres de la santé des enfants. S’ensuivent séance photo et repas de célébration.&nbsp;&nbsp;&nbsp;Depuis qu’un confiseur du quartier populaire Asakusa de Tokyo a vendu le Tchitose-ame (littéralement bonbon de mille ans) pour bénéficier de l’afflux des pèlerins, chaque enfant en reçoit. Ce sont deux bâtonnets de sucre d’orge rouge et blanc, symbolisant respectivement joie et commencement.&nbsp;Là aussi, on aperçoit l’espoir de bonheur et de longévité.

Le kimono, porté aujourd’hui lors d’événements solennels, contraste du quotidien et incarne la festivité. En novembre, saison morose, les Japonais se rappellent pourtant que la vie est précieuse. Célébrer les enfants, c’est aussi célébrer l’avenir. Voir des petits d’homme dans leur tenue colorée procure espoir et un retour à l’innocence.&nbsp;&nbsp;

En novembre, célébrons la vie!

Mino ceramics originate from Tajimi in Gifu Prefecture. Its birth dates back more than 1300 years and today it is the most prolific Japanese pottery.&nbsp; The Koubei kiln is one of the most famous potteries in Mino. It was founded in 1804 by Koubei Kato in Ichinokura-go at the end of the Edo period (1604-1868), and soon became the official supplier to Edo Castle. While the second generation distinguished itself by the finesse and aesthetics of its ceramic painting, its successor became passionate about the study of Chinese ceramics, deepening his knowledge and techniques. The fifth generation (1893-1982) inherited the virtuosity of their predecessor and created pieces of extreme beauty by mastering to perfection the wide range of Chinese ceramic glazing techniques. The Koubei pottery has built its foundations, generation after generation, with the creation of many masterpieces. &nbsp;After years of research, Takuo Kato, the sixth in line (1917-2005), reconstructed the techniques of Persian ceramics and polychrome glaze. He brought his creativity to life by producing pieces based on these methods, combining blue glaze, metallic lustre glazes and sancai. For these achievements, he has been recognised as a living national treasure of Japan.

La céramique Mino est originaire de Tajimi dans la préfecture de Gifu. Sa naissance remonte à plus de 1300 ans et représente aujourd’hui la fabrication&nbsp;la plus prolifique en poterie japonaise.&nbsp; Le four de Koubei est l’une des plus célèbres poteries de Mino. Il a été fondé en 1804 par Koubei Kato à Ichinokura-go à la fin de la période Edo (1604-1868), et il est rapidement devenu le fournisseur officiel du château d'Edo. Alors que le deuxième du nom s’est distingué par la finesse et l’esthétique de sa peinture sur céramique, son successeur s’est passionné dans l’étude de la céramique chinoise en approfondissant connaissances et techniques. La cinquième génération (1893-1982) a hérité de la virtuosité de son prédécesseur et a créé des pièces d’une extrême beauté en maîtrisant à la perfection le large éventail de techniques céramiques chinoises de glaçure. La poterie Koubei a bâti ainsi ses fondations, génération après génération, au rythme des créations de nombreux chefs-d’œuvres. &nbsp;Après des années de recherche, Takuo Kato, sixième de son nom (1917-2005), a reconstitué les techniques de la céramique persane et de la glaçure polychrome. Il a donné vie à sa créativité en produisant des pièces issues de ces méthodes en mêlant glaçure bleue, émaux à lustre métallique et sancai. Pour ces réalisations, il a été reconnu comme trésor national vivant du Japon.

Today, the Koubei Pottery is run by both Koubei Kato, the seventh generation, and Ryotaro Kato, the eighth generation. They are both ceramic artists and are surrounded by more than twenty skilled craftsmen. The workshop produces mainly tableware. In addition, the area around the gallery where the ceramics are displayed has been awarded two stars by the Michelin Green Guide of Japan.&nbsp;&nbsp; Ryotaro mainly creates ceramics for tea. He carries on the ceramic tradition of Mino Momoyama. During the Azuchi-Momoyama period, Mino ceramics produced excellent tea ceramics such as Kizeto, Setoguro, Shino and Oribe, known as Momoyama pottery, which are now recognised as "national treasures" and "important cultural properties".

Aujourd’hui, la poterie Koubei est dirigée à la fois par Koubei Kato, septième du nom et par Ryotaro Kato représentant la huitième génération. Ils sont tous deux artistes céramistes et sont entourés de plus de vingt artisans qualifiés. L’atelier produit principalement de la vaisselle. Par ailleurs, les environs de la galerie qui expose les céramiques ont été décorés de deux étoiles par le Guide vert Michelin du Japon. &nbsp; Ryotaro crée principalement des céramiques pour le thé. Il reprend le flambeau de la tradition céramique de Mino Momoyama. Au cours de la période Azuchi-Momoyama, la céramique Mino a produit d'excellentes céramiques à thé telles que Kizeto, Setoguro, Shino et Oribe, connues sous le nom de poterie Momoyama, qui sont aujourd'hui reconnues comme des «&nbsp;trésors nationaux&nbsp;» et «&nbsp;des biens culturels importants&nbsp;».

For a long time, Chinese ceramics were particularly appreciated and embodied elegance in the field. Subsequently, Mino ceramics pioneered a uniquely Japanese pottery aesthetic, contributing to wabi-sabi, and greatly facilitated the popularisation of the tea ceremony. Ryotaro admires Mino Momoyama pottery, but he is constantly exploring the fundamentals of tea ceremony ware to bring them up to date. For him, flame is an energy of nature and pottery is an art form that combines nature and artifice. "My work only exists before the firing. What follows is the work of the flame. Through the fire, something new is born, a unique piece that is beyond mankind. This is my joy, and I believe that this is what touches people. He heats his wood-fired kiln to 1300°C over five days, then lets it cool for a week. This slow firing gives him a soft, bouncy surface and a colour that is both soft and vibrant.

Pendant longtemps, la céramique chinoise était particulièrement appréciée et incarnait l’élégance dans le domaine. Par la suite, la céramique Mino a été la pionnière de l’esthétique potière exclusivement japonaise, contribuant ainsi au wabi-sabi, et a largement favorisé la popularisation de la cérémonie du thé. Ryotaro est certes admiratif de la poterie Mino Momoyama mais il ne cesse d’explorer les fondements de la vaisselle réservée à la cérémonie du thé afin de les remettre au goût du jour. Pour lui, la flamme est une énergie de la nature et la poterie est une forme d'art qui combine nature et artifice. «&nbsp;Mon ouvrage n'existe qu’avant la cuisson. La suite est l'œuvre de la flamme. A travers le feu naît l’inédit, une pièce unique qui se situe au-delà des hommes. C'est ma joie, et je crois que c'est ce qui touche les gens.&nbsp;» Il fait chauffer son four à bois jusqu’à 1300°C sur cinq jours, puis le laisse refroidir durant une semaine. Cette cuisson lente lui permet d'obtenir une surface tendre et rebondie et une couleur à la fois douce et vive.

From another anagama, heated to 1200 degrees, Ryotaro takes out tea bowls. This rapid cooling allows the black colour to be sublimated. He tries many techniques and mixes glazes to obtain, among others, turquoise blue or Seto black.&nbsp; After the firings, the ceramist regularly organises tea ceremonies. He is also a passionate calligrapher. Ryotaro Kato not only reproduces the ceramics of Mino Momoyama, which ceased to exist during the Edo period, but also draws an extension of them into the present and beyond. To this end, he organises solo and group exhibitions abroad, including in the UK, Italy and China, and makes Mino Momoyama's ceramics known around the world. Thus, Ryotaro is a representative ceramic artist of the next generation. For this, he was awarded the Gifu Prefecture Art and Culture Encouragement Prize in 2021. <a href="http://www.koubei-gama.co.jp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">http://www.koubei-gama.co.jp/</a> （English version available.)

D’un autre anagama, chauffé quant à lui à 1200 degrés, Ryotaro sort des bols à thé. Ce refroidissement rapide permet à la couleur noire d’être sublimée. Il s’essaie à de nombreuses techniques et procède à de multiples mélanges de glaçure afin d’obtenir, entre autres, le bleu turquoise ou le noir de Seto.&nbsp; A l’issue des cuissons, le céramiste organise régulièrement des cérémonies du thé. Il est également un calligraphe passionné. Ryotaro Kato ne se contente pas de reproduire les céramiques de Mino Momoyama, qui ont cessé d'exister pendant la période Edo, mais il en dessine une extension dans le présent et au-delà. Pour cela, il organise des expositions individuelles et collectives à l'étranger, notamment au Royaume-Uni, en Italie et en Chine et fait connaître les céramiques de Mino Momoyama dans le monde. Ainsi, Ryotaro est un artiste céramiste représentatif de la génération à venir. Pour cela, il a reçu en 2021 le prix d'encouragement à l'art et à la culture de la préfecture de Gifu. <a href="http://www.koubei-gama.co.jp/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">http://www.koubei-gama.co.jp/</a> （Version anglaise disponible.)

Mino ceramics

La céramique Mino

"Nuit Blanche-Kyoto" is a contemporary art event in whose production I have been participating since 2019. Organised by the Kansai French Institute and the city of Kyoto, this event has been held every year in Kyoto since 2011. It opens on the same day as the Paris edition where the concept was conceived, allowing visitors to enjoy free art events for a whole day, until late at night, one of the longest of the year. One of the highlights of this year's event is artist Tadashi Kawamata's "Floating Bridge of Dreams (yume-ukihashi) work in progess, 2022", a full-scale model of which is set up in front of the entrance to the Kyocera Museum in Kyoto.

"Nuit Blanche-Kyoto" est un événement d'art contemporain à la production duquel je participe depuis 2019. Organisé par l'Institut Français Kansai et la ville de Kyoto, cet événement se tient chaque année à Kyoto depuis 2011. Il s’ouvre le même jour que l’édition de Paris où le concept en a été imaginé, permettant aux visiteurs de profiter gratuitement de manifestations artistiques durant toute une journée, jusqu’à tard dans la nuit, l’une des plus longues de l’année. Un des points forts de l’édition présente est le projet de l’artiste Tadashi Kawamata, le "Pont flottant des rêves (yume-ukihashi) work in progess, 2022 ", dont une maquette à taille réelle est dressée devant l'entrée du Musée Kyocera de Kyoto. Intitié il y a trois ans, ce projet d’un pont éphémère sur la rivière Kamo revisite une histoire ancienne, celle d’une&nbsp;«&nbsp;idée&nbsp;» émise en 1988 entre le président français de l'époque et le maire de Kyoto d’un «&nbsp;Pont des Arts&nbsp;» sur la rivière traversant la ville. L’idée dût être finalement abandonnée devant l’opposition farouche des résidents locaux – "Kyoto n'a pas besoin d'un pont étranger" entendait-on, et cet échec a montré le pouvoir des habitants du quartier. Cet épisode a intéressé Tadashi Kawamata, l'artiste parisien de renommée internationale dont le travail s’inscrit dans une tradition d’art exposé dans l’espace public (Public Art), et c’est ainsi que je me suis lancée avec lui dans la production de ce projet. L’objectif est de revisiter une nouvelle fois le concept d’un pont symbolisant l'amitié entre la France et le Japon, en lançant sur le site où il aurait dû être construit, un pont de rondins de bois assemblés ayant recours aux techniques de construction traditionnelle des échafaudages. Ce pont serait présenté lors d’une prochaine édition de la Nuit Blanche-Kyoto.&nbsp;

Initiated three years ago, this project for a temporary bridge over the Kamo River revisits an old story, that of an "idea" put forward in 1988 between the then French president and the mayor of Kyoto for a "Bridge of Arts" over the river crossing the city. The idea was eventually abandoned in the face of fierce opposition from local residents - "Kyoto doesn't need a foreign bridge" was heard, and this failure showed the power of the local residents. This episode interested Tadashi Kawamata, the internationally renowned Parisian artist whose work is part of a tradition of art exhibited in public space (Public Art), and so I embarked with him on producing this project. The aim is to revisit the concept of a bridge symbolising the friendship between France and Japan, by launching a bridge of assembled logs on the site where it should have been built, using traditional scaffolding construction techniques. This bridge would be presented at a future edition of the Nuit Blanche-Kyoto.&nbsp;

Intitié il y a trois ans, ce projet d’un pont éphémère sur la rivière Kamo revisite une histoire ancienne, celle d’une&nbsp;«&nbsp;idée&nbsp;» émise en 1988 entre le président français de l'époque et le maire de Kyoto d’un «&nbsp;Pont des Arts&nbsp;» sur la rivière traversant la ville. L’idée dût être finalement abandonnée devant l’opposition farouche des résidents locaux – "Kyoto n'a pas besoin d'un pont étranger" entendait-on, et cet échec a montré le pouvoir des habitants du quartier. Cet épisode a intéressé Tadashi Kawamata, l'artiste parisien de renommée internationale dont le travail s’inscrit dans une tradition d’art exposé dans l’espace public (Public Art), et c’est ainsi que je me suis lancée avec lui dans la production de ce projet. L’objectif est de revisiter une nouvelle fois le concept d’un pont symbolisant l'amitié entre la France et le Japon, en lançant sur le site où il aurait dû être construit, un pont de rondins de bois assemblés ayant recours aux techniques de construction traditionnelle des échafaudages. Ce pont serait présenté lors d’une prochaine édition de la Nuit Blanche-Kyoto.&nbsp;

In the first year, a small model was discreetly displayed in the Kyoto Art Center. In the second year, a full-scale model of the main girders was erected in the car park of the Shoeido incense shop overlooking Karasuma Avenue. This year, the third year of the project, we had planned to build the span of the bridge in the square in front of Kyoto City Hall, but due to the current construction there, we finally erected it in front of the Kyocera Museum, taking advantage of the depression created by the new entrance two years ago, imagining a river flowing. This "Floating Bridge of Dreams" connects the upper part where the historical entrance was and the lower part through which one now enters the building. The bridge is also installed at the foot of the huge portico (torii) opening the way to the Heian Shrine, the symbol of Okazaki Park. I am confident that this bridge will really be launched on the Kamo River within a few years and that it will be the founding act of a new tradition, paving the way for other artists to create "artistic" and ephemeral bridges on the Kamo River.

La première année, une petite maquette a été discrètement exposée dans les locaux du Kyoto Art Center. La deuxième année, c’est une maquette à taille réelle des poutres principales qui est dressée sur le parking du magasin d’encens Shoeido donnant sur l’avenue Karasuma. Cette année, troisième année du projet, nous avions envisagé de construire la portée du pont sur la place devant l'hôtel de ville de Kyoto mais en raison des travaux qui y ont lieu actuellement, nous l’avons finalement dressé devant le Musée Kyocera, tirant partie de la dépression créée par le nouvel aménagement de l’entrée il y a deux ans, en imaginant que coule une rivière. Ce «Pont flottant des rêves&nbsp;» relie ainsi la partie haute où se trouvait l’entrée historique et la partie basse par laquelle on pénètre désormais dans le bâtiment. Le pont se trouve par ailleurs installé au pied de l'énorme portique (torii) ouvrant le chemin en direction du sanctuaire Heian, symbole du parc d'Okazaki. J’ai confiance que ce pont sera réellement lancé sur la rivière Kamo d’ici quelques années et qu’il sera l’acte fondateur d’une nouvelle tradition, ouvrant la voie à d’autres d’artistes de créer des ponts «&nbsp;artistiques&nbsp;» et éphémères sur la rivière Kamo.

Official website of the Nuit Blanche KYOTO <a href="https://nuitblanche.jp" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://nuitblanche.jp</a> Come, card in hand, to the contemporary art festivals taking place all over the city! Map <a href="https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf</a> Free evening opening: 1 Oct (Sat) (Several exhibitions continue until the end of October).

Site officiel de la Nuit Blanche KYOTO <a href="https://nuitblanche.jp" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://nuitblanche.jp</a> Venez, carte en main, aux festivals d'art contemporain qui se déroulent dans toute la ville ! Carte <a href="https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf</a> Ouverture gratuite des lieux en soirée : 1 oct (sam) (Plusieurs expositions se poursuivent jusqu'à la fin du mois d'octobre).

現代アートの熱い夜、ニュイ・ブランシュKYOTO&nbsp; 2019年から私がプロデュースを手がけている現代美術のイベント「ニュイ・ブランシュKYOTO」。アンスティチュ・フランセ関西と京都市の主催で、秋の夜長に朝まで無料でアートを楽しめるパリ発祥のイベントを京都でも2011年から毎年開催している。今年の目玉の一つである川俣正 「夢浮橋 ワーク・イン・プログレス 2022」は京都市京セラ美術館のエントランス前に原寸大の橋の模型が出現するプログラムである。実際に鴨川に期間限定のアートの橋を建てることを目的に、3年前から少しずつ進めているプロジェクトである。というのも京都では1998年に当時のフランス大統領と京都市長の間で、鴨川にパリの芸術橋を作るという話が浮かび上がった。「京都に外国の橋は要りません」というスローガンの元、地元住民の猛反対を受けたことでこの構想は頓挫し、京都の町衆たちの強い意志とパワーを見せつけられる機会となった。そのようなエピソードを聞き興味をもってくれた世界的に活躍するパリ在住の美術家の川俣正氏と共に、丸太と番線の足場の技術を使って、その橋の建設予定地だった場所に「ニュイ・ブランシュKYOTO」の機会に再度日仏友好の橋をかけるプロジェクトをスタートさせた。1年目はおとなしく小さな模型の展示（京都芸術センター）、2年目は香老舗松栄堂の烏丸通に面した駐車場を提供してもらい原寸大の橋脚の模型を作った。3年目の今年は橋桁部分を作ってみようと、京都市役所前広場で話を進めていたが、市庁舎の工事の影響で、京都市京セラ美術館前ですることとなった。2年前に建物自体が過去と現代を上下に結ぶような構造に生まれ変わった京都市京セラ美術館のエントランス前の窪みを川に見立て、岡崎公園のシンボルである平安神宮の巨大な赤い鳥居の足元の歩道から、元の入り口だった美術館の扉に向けて橋が架けられた。数年後には実際に鴨川にかけ、その後、新しい伝統として定期的にアーティストが鴨川に期間限定のアートの橋を作るプロジェクトとして定着させたいと考えている。 「ニュイ・ブランシュKYOTO」公式ウェブサイト<a href="https://nuitblanche.jp" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://nuitblanche.jp</a> 市内各所で繰り広げられる現代アートの祭典に地図を片手に繰り出そう！地図<a href="https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.institutfrancais.jp/kansai/files/2022/09/NBK2022-Programme_FINAL.pdf</a> 各会場の夜間無料オープン：10月1日（土）（10月末まで開催される展覧会もいくつかあります）

"Nuit Blanche KYOTO", a night for contemporary art 

"Nuit Blanche KYOTO", une nuit pour l'art contemporain 

I had friends when I was a student who shared a machiya and I envied them very much. I was studying Japanese painting (nihonga) in the art department of Kyōto University of Education at the time. The kyo-machiya (literally "capital city house") are the traditional dwellings of Kyōto. Their facade is often narrow. They consist of three tatami-covered rooms, arranged in a row from the street to the inner garden at the far end, bordered on one side by a space called a doma, originally made of clay, located at street level and sheltered under a wide roof. With the three rooms separated by movable partitions, a machiya provides a rare depth of space not found in modern houses. Such a space is precious for the distance it allows to paint large paintings. This was a luxury difficult to obtain outside the studio provided by the university.&nbsp;&nbsp;

J’avais des amis lorsque j’étais étudiante qui partageaient une machiya et je les enviais beaucoup. J’étudiais alors la peinture japonaise (nihonga) dans le département d’art de l’Université des Sciences de l’éducation de Kyōto. Les kyo-machiya (littéralement «&nbsp;maison de ville de la capitale&nbsp;») sont les habitations traditionnelles de Kyōto. Leur façade est souvent étroit. Elles se composent de trois pièces couvertes de tatami, disposées en enfilade depuis la rue jusqu’au jardin intérieur, tout au fond, bordées sur un côté par un espace appelé doma, originellement en terre battue, situé à hauteur de la rue et abrité sous un large toit. Les trois pièces étant séparées par des cloisons amovibles, une machiya offre un espace d’une profondeur rare, inexistante dans les maisons modernes. Un tel espace est précieux pour le recul qu’il permet à qui peint des tableaux de grands formats. C’était un luxe difficile à obtenir hors de l’atelier mis à disposition par l’université. &nbsp;

After graduation, my first wish was to have my first solo exhibition in a machiya. I canvassed for a long time before I stumbled upon a gallery on Sakaimachi Street, not far from where my current office is. I plucked up my courage and pressed the doorbell. I asked to use this space. The gallery is closed," I was told at first. But on insisting, and perhaps overcome by my enthusiasm, I was allowed to exhibit my sketches and paintings that I had made after a stay in the French Pyrenees. I sold everything.&nbsp;

Après avoir obtenu mon diplôme, mon premier souhait a été d’organiser ma première exposition personnelle dans une machiya. J’ai longtemps prospecté avant de tomber par hasard sur une galerie située dans la rue Sakaimachi, non loin de l’emplacement de mon actuel bureau. J’ai pris mon courage à deux mains et j’ai appuyé sur le bouton de la sonnette. J’ai demandé à utiliser cet espace. La galerie est fermée, m’a-t-on d’abord répondu. Mais en insistant, et peut-être vaincu par mon enthousiasme, on m’a autorisée à y exposer mes croquis et les tableaux que j’avais réalisés suite à un séjour dans les Pyrénées françaises. J’ai tout vendu.&nbsp;

It was on my return from France, after a period of study, that the opportunity to live in a machiya arose. The boy who was to become my husband lived in a "townhouse" in the Kamigyo district, north of the Imperial Palace. It is a more spacious house than the ordinary machiya because its facade is wider than those in the city centre. It was built in 1923, the year of the great Kantō earthquake. I began by occupying a room in the house and making it my studio. At that time, I drew during the day and worked at night as a maths teacher at a cram school (juku).&nbsp;

C’est à mon retour de France, après un séjour d’études, que s’est présentée l’opportunité de vivre dans une machiya. Le garçon qui allait devenir mon mari, vivait dans une «&nbsp;maison de ville » du quartier de Kamigyo, au nord du palais impérial. C’est une maison plus spacieuse que les machiya ordinaires car sa façade est plus large que celles en centre-ville. Elle a été construite en 1923, l’année du grand séisme du Kantō. J’ai commencé par occuper une pièce de la demeure dont j’ai fait mon atelier. A l’époque, je dessinais pendant la journée et je travaillais le soir comme professeur de mathématiques dans une école de bachotage (juku).&nbsp;

My husband, Sylvain, had been living in Kyōto since 1990. At the time, he was the editor-in-chief of the French-Japanese cultural magazine Les Voix. He frequently met with artists living at Villa Kujoyama (a sort of Villa Medici in Kyōto) for interviews. This is how he met the writer Jean-Philippe Toussaint, who came back several times to sleep in this house after his residence. The character of Bernard in the novel Faire l'amour is said to be inspired by him, and several scenes take place in this machiya, including one depicting Bernard and the main character moving from the doma to the central tatami room, climbing the two steps separating the two spaces. A photo of the room where Jean-Philippe slept appears on the cover of the Japanese translation of the novel.

Mon mari, Sylvain, était installé à Kyōto depuis 1990. Il était à l’époque le rédacteur en chef du magazine culturel franco-japonais Les Voix. Il rencontrait fréquemment les artistes résidant à la Villa Kujoyama (une sorte de Villa Médicis à Kyōto) pour des interviews. C’est ainsi qu’il fit la connaissance de l’écrivain Jean-Philippe Toussaint, revenu plusieurs fois dormir dans cette maison après sa résidence. Le personnage de Bernard du roman Faire l’amour est, semble-t-il, inspiré de lui, et plusieurs scènes se déroulent dans cette machiya, notamment celle décrivant Bernard et le personnage principal, passant de la doma à la pièce centrale en tatami, montant les deux marches séparant les deux espaces. Une photo de la pièce où dormait Jean-Philippe figure sur la couverture de la traduction japonaise du roman.

"Bernard lived in a traditional Japanese one-story wooden house. Past a courtyard outside, where a bicycle rested against a wall in the half-light of a flower bed, we entered the kitchen, a large room with a concrete floor adjoining the main room. After taking off our shoes, we climbed two steps, still in our coats, lowering our heads to pass the sliding partitions that opened onto the living room, and we progressed in our socks onto the tatami mats, our bodies slightly inclined." (Jean-Philippe Toussaint, Faire l'amour, éditions de Minuit, p.140) Hundreds of machiya are demolished every year in Kyōto. The street we live on was once lined with these townhouses, now only one remains. If nothing is done, Kyōto's charm will disappear. The municipality, aware of the ongoing disaster, did issue a decree requiring owners to notify the city hall of their intention to raze a machiya to prevent further indiscriminate destruction. But given the number of houses demolished each year (about 6000), I wonder if this measure has ever been effective. It is said that a machiya has many disadvantages to live in, especially for the elderly. They are difficult to heat in winter, drafty, there are steps and stairs to climb. In addition, living in a machiya was until recently a source of a complex because to admit it was to say that one was unable to afford a modern environment...&nbsp; In recent years, however, the machiya has become the object of a new craze. Many people are buying and renovating them. Some properties are being reborn for resale or rental. It is often said that foreigners value them more than the Japanese and that they are even the subject of successful real estate transactions on their part. Knowing that all non-Kyōto people are considered foreigners (including people from Tōkyō), I wonder who will protect these facade alignments (machinami) that make the city beautiful in the future?

« Bernard habitait une maison japonaise traditionnelle, en bois, à un étage. Passé une courette extérieure, où un vélo reposait contre un mur dans la pénombre d’une plate-bande, on accédait à la cuisine, vaste pièce au sol en béton attenante à la pièce principale. Après nous être déchaussés, nous montâmes deux marches, toujours en manteau, baissant la tête pour passer les cloisons coulissantes qui s’ouvraient sur le salon, et nous progressâmes en chaussettes sur les tatamis, le corps légèrement incliné.» (Jean-Philippe Toussaint, Faire l’amour, éditions de Minuit, p.140) Des centaines de machiya sont démolies chaque année à Kyōto. La rue dans laquelle nous vivons était autrefois bordée de ces maisons de ville, il n’en reste désormais plus qu’une. Si rien n’est fait, le charme de Kyōto disparaîtra. La municipalité, consciente du désastre en cours, a bien promulgé un décret demandant aux propriétaires de notifier à la mairie leur intention de raser une machiya afin d’éviter que les destructions ne se poursuivent sans discernement. Mais à constater le nombre de maisons démolies chaque année (environ 6000), je me demande si cette mesure n’a jamais eu la moindre efficacité. On dit qu’une machiya présente de nombreux inconvénients à vivre, en particulier pour les personnes âgées. Elles sont difficiles à chauffer en hiver, pleines de courants d’air, il y a des marches et des escaliers à monter. De plus, habiter une machiya était jusqu’à peu la source d’un complexe car le reconnaître, c’était signifier que l’on était incapable de s’offrir un environnement réputé moderne...&nbsp; La machiya fait cependant ces dernières années l’objet d’un engouement inédit. De nombreuses personnes les achètent et les rénovent. Certaines propriétés renaissent ainsi pour être revendues ou mises en location. On entend souvent dire que les étrangers leur accordent plus de valeur que les Japonais et qu’elles font même de leur part l’objet d’opérations immobilières fructueuses. Sachant que tous les individus qui ne sont pas originaires de Kyōto sont considérés comme des étrangers (y compris les gens de Tōkyō), je me demande qui, à l’avenir, protégera ces aligements de façade (machinami) qui font la beauté de la ville ?

『京町家に住まう』 学生の頃は、町家をシェアして住んでいる友人たちがいて、それが羨ましかった。私は教育大学の美術科で日本画を学んでいた。京都の町家は間口が狭く、三間続きの和室が典型的な形で、一番手前の店の間から庭の方を見ると現代の一般的な住居ではみられない奥行きのある空間になる。大きな絵を描いている美術系の学生にとっては、大学のアトリエ以外で引きが取れる長い距離のある場所で制作ができるのは大変贅沢であると思っていた。 卒業後、最初の個展は町家で開催したいと思っていた。京都中を探し回り、今の私の事務所がある堺町通りにある画廊に偶然辿り着き、勇気を出して呼び鈴を押し、今は開けてないからと半ば断られそうになったが、是非個展に使わせて欲しいと頼み込んだ。熱意が通じたのか、受けいれてもらい、無事にフランスのピレネー地方で描きためたドローイングと日本画のタブローを展示することができた。作品は完売した。その後、町家に住む機会が訪れる。フランス留学から帰国し、現在の夫の家である上京区の町家に転がり込んだ。大正12年築の“郊外型”町家でゆったりした造りである。居候として一階の一角を占拠し、アトリエとして使い始めた。昼間は絵を描き、夜は学習塾の数学教師として働くという生活であった。夫は1990年から日本に移り住み京都で暮らすフランス人である。 夫シルヴァンは当時、日仏文化雑誌の編集長をしていたことから、京都にあるフランス政府が運営するアーティスト・イン・レジデンス「ヴィラ九条山」の招聘アーティストと交流する機会がよくあった。その中でも小説家ジャン＝フィリップ・トゥーサンは招聘期間が終わっても、何度かうちに滞在し小説を書いていた。「愛しあう」という作品ではベルナールという登場人物がいて、京町家に住まうフランス人の設定で器用に土間に降りたり中の間に上がったりする京都では当たり前の動きを描写しているシーンがある。ベルナールのモデルはもちろん夫である。日本語版の表紙には、彼が畳に座って執筆していた我が家の座敷の写真が使われている。 今日、京都では毎年何百軒もの町家が取り壊されている。私たちの住む通りも以前は町家が数軒並んでいたが、今はうち1軒になってしまった。このままでは京都の街並みが消滅してしまう。これに危機を感じた自治体は条例を設け、無闇に町家を取り壊さないように解体を届け出制にした。しかしそれがどれだけの効果があるのか、毎日毎日取り壊される町家を目にする。町家は隙間風があって寒い、段差がある、などお年寄りには特にデメリットが多いとされ、少し前までは町家に住んでいること自体が、近代化ができていない居住空間にいるとコンプレックスを持っている人も少なくはなかった。 近年は町家ブームもあり多くの人が朽ちかけた町家を入手してリノベーションをするケースも増え、工務店も取り壊して建売にするのではなく、歴史的建造物のテイストを残しながら、おしゃれな空間に生まれ変わらせ、販売や賃貸をしている物件も目にする。日本人よりも外国の人の方が町家を高く評価していて、街中の物件を積極的に買っている人がいると聞く。（京都人にとっては京都以外の地方の人々は東京も含めて皆外国人なのだが）今後、誰の手によってこの街の風景は守られていくのか。

Living in a kyo-machiya

Vivre dans une kyo-machiya

11 March 2011. The magnitude 9 earthquake in the Tohoku region of Japan and the accident at the Fukushima Daiichi nuclear power plant caused severe damage to my hometown of Namie-cho, Fukushima Prefecture. Not only were buildings and other structures damaged by the earthquake, but the entire town became an evacuation zone, making it uninhabitable. At the time, there were more than 20 kilns in the Ohori area of the city that produced the traditional Ohori Soma-yaki craft. The Matsunaga kiln, where I am now the fourth generation, is one of them. But we were all forced to evacuate, leaving behind kilns that had been passed down from generation to generation. The Namie-cho evacuation order was partially lifted six years later, but the Ohori area is still evacuated (in June 2022). Nevertheless, a dozen kilns, including the Matsunaga kiln, have rebuilt their kilns in new locations, with great effort, so as not to extinguish the light of this traditional craft that has endured since the 17th century. By mixing clay and new glazes, they have revived the Ohori Soma products. While the revival of their hometown's traditional craft has become a source of comfort to the people of Namie who have continued to be evacuated, the kilns that were forced to leave the area are now asking, "What is tradition? What is home?" The kilns continued to face difficult questions such as, "What is tradition?

Le 11 mars 2011, un tremblement de terre de magnitude 9 a frappé la région de Tohoku au Japon. Il a causé l'explosion d'une partie de la centrale nucléaire de Fukushima Daiichi et de graves dommages à ma ville natale de Namie. Les bâtiments et autres infrastructures ont été endommagés et toute le ville est devenue inhabitable. La population entière a été évacuée. À l'époque, dans le quartier Obori, il y avait plus de vingt artisans qui fabriquaient de la poterie traditionnelle Obori Soma. La maison Matsunaga, dont je représente la quatrième génération, en fait partie. Contraints de quitter nos terres, nous avons dû abandonner notre principal outil de travail, le four transmis de génération en génération. L'ordre d'évacuation de Namie a été partiellement levé six ans plus tard, mais le quartier d'Obori, en juin 20222, n'est toujours pas accessible. Cependant, une dizaine d'artisans, dont moi-même, ont tenu à se reconstruire dans leur terre d'adoption en créant, au prix de nombreux efforts, leur nouveau four à potier. Propulsés du jour au lendemain loin de nos racines, nous avons dû nous remettre en question, nous interroger sur la tradition et la terre natale. Tout ce que nous savons, c'est que nous souhaitons contribuer à la renaissance de la poterie Soma, travailler de nouveau nos argiles et nos émaux.

Born in the samurai era, Ohori Soma pottery was designated a national traditional craft in 1978. It has been loved by the local people as a common pottery and has the following three main characteristics. The painting of the horse is also called "left horse" because it is always painted looking to the left, which is associated with the meaning "there is nothing to the right" and is considered a sign of good luck. The cracks, caused by the difference in shrinkage between the material and the glaze, extend across the skin of the celadon and form a background pattern known as 'blue cracks'. This is a technique unique to Ohori Soma Ware. The water in the pot does not cool easily and is not hot to the touch. This technique is the result of the ingenuity and resourcefulness of people in their daily lives. However, these styles, which are considered "traditional", have only been established in the last 100 years or so of Ohori Soma-yaki's 300+ year history. This pottery has indeed been through the ages, changing its form over time. The disasters of the Great East Japan Earthquake and the nuclear power plant accident could, from a different perspective, be the driving force behind the birth of a new "tradition". With this in mind, I made the decision to pass on the family business, Ohori Soma-yaki, to the next generation, which I had not previously intended to take over. I now believe that the way of being and the way of life of the people who make the pottery shape the tradition.

Née à l'époque des samouraïs, la poterie Soma a été désignée comme artisanat traditionnel national en 1978. Appréciée par les habitants de la région pour sa simplicité et son accessibilité à la classe populaire, elle est représentée par trois caractéristiques: Le dessin du cheval: En japonais, l'expression " il est sans égal dans le domaine" est traduite par "nul n'apparaît à sa droite". Le cheval se tournant toujours vers la gauche, il est de bonne augure car il symbolise l'excellence. Les fissures: Elles proviennent de la variation de l'indice de réfraction entre l'argile et l'émail. Elle est appelée "fissure bleue" car elle apparaît à la surface céladon de la poterie. La double structure: Il s'agit d'une technique propre à la poterie Soma. Elle permet de ne pas se brûler quand on attrape le récipient, alors que la température du contenu se maintient. Cette technique est le fruit de l'ingéniosité et de l'expérience de nos anciens. Toutefois, ces styles, qui sont considérés comme "traditionnels", n'ont été établis qu'au cours des cent dernières années. Or l'histoire de la poterie Soma remonte à trois cents ans. Les formes se modifient donc au fil du temps, en répondant aux besoins de la vie quotidienne. Avant, je n'avais pas l'intention de succéder à l'artisanat familial mais depuis la catastrophe de Fukushima, j'ai décidé de perpétuer le savoir-faire de notre lignée. Ainsi, le drame que nous avons vécu aura servi de moteur pour une renaissance et une perpétuation des cultures ancestrale. En nous inspirant, comme nos ancêtres, de notre existence et de notre mode de vie, je suis convaincu que nous pouvons donner lieu à de nouvelles traditions. C'est dans cet esprit que je souhaite transmettre la poterie Soma à la génération suivante.

From this perspective, I have been working on the development of the following new productions and expansion of sales channels, and actively disseminating information overseas, making use of my experience from my student days in various business operations abroad. For example, the Croterrace series is a collaboration with the town of Ogatsu in Miyagi Prefecture, which was also affected by the Great East Japan Earthquake. The town's speciality, the famous Ogatsu stone used to make inkstones, is crushed and used as a glaze and applied to Ohori Soma-yaki clay to create a jet-black surface that reflects the food.

Fort de mes expériences professionnelles à l'international dans le secteur de la gestion d'entreprise, j'ai développé de nouveaux canaux de diffusion et de nouveaux produits. Par exemple, la série Croterrace est le fruit d'une collaboration avec la ville d'Ogatsu dans la préfecture de Miyagi, qui a également été touchée par le tremblement de terre. On extrait dans cette région la célèbre pierre d'Ogatsu utilisée pour fabriquer des pierres à encre. Broyée , elle est également utilisée comme glaçure et appliquée à l'argile de Soma pour créer une surface noire de jais qui sublime l'aspect des mets.

Another innovative product that makes use of the double-layer structure is IKKON, a sake vessel with the same outer appearance but a different inner shape. Inspired by the fact that the shape of the glass changes the taste of wine, this product was devised to enjoy the changing taste of sake. Even today, disasters and wars still occur frequently in the world, and many people suddenly lose the living environment they used to take for granted. I would be more than happy if the story of the revival of Ohori Soma-yaki, which was forced to flee its homeland, and my view on traditional crafts, could be a hint to such people when they think about "where their heart is based". For enquiries about Ohori Soma Ware, please contact Gatch inc. info@gatch.co.jp, a trading company specialising in traditional Japanese industry that acts as a sales agent for several kilns, including Matsunaga Kiln. Some products can also be purchased in the online shop.

Ikkon est mon nouveau produit original. Grâce à sa structure à double paroi, ce verre à saké se pare de courbures extérieures et intérieures différentes. Cette idée m'est venue quand j'ai découvert les verres à vin dans lesquels, en fonction de leur forme, le vin exhale des arômes différents. Aujourd'hui encore, les catastrophes et les guerres sont fréquentes dans le monde, et de nombreuses personnes perdent soudainement le cadre de vie qu'elles considéraient comme acquis. Je serais plus qu'heureux si l'histoire de la renaissance de Soma et mon point de vue sur l'artisanat traditionnel pouvaient inspirer de nombreuses personne sur ce qu'est "la terre du coeur". Pour toute demande de renseignements sur la poterie Soma, veuillez contacter la compagnie Gatch dont l'adresse mail est:&nbsp;info@gatch.co.jp Il s'agit d'une société commerciale spécialisée dans l'artisanat traditionnel japonais. Certains produits peuvent être achetés à la boutique en ligne.

2011年3月11日。日本の東北地方を襲ったM9の東日本大震災と福島第一原発事故により、私の故郷である福島県浪江町は大きな被害を受けました。地震による建物などの損壊だけでなく、町全体が避難区域となり、人が住めなくなったのです。当時、町内の大堀地区には、伝統工芸「大堀相馬焼」の窯元が20軒以上ありました。私が現在4代目を務める松永窯もその中のひとつです。でも私たちはみな、代々受け継がれてきた窯を残して避難を余儀なくされました。 浪江町の避難指示は6年後に一部で解除されましたが、大堀地区はいまだ避難が続いています（2022年6月現在）。それでも17世紀から続くこの伝統工芸の灯を消すまいと、松永を含む10軒ほどの窯元が努力の末、それぞれ新天地で窯を再建。新たに土や釉薬を調合することで大堀相馬焼を蘇らせました。 復活した故郷の伝統工芸は、避難を続ける浪江町の人々にとって心の拠り所となる一方、産地を追われた窯元たちは「伝統とはなにか？故郷とはなにか？」という難しい問いに向き合い続けてきました。 古くはサムライの時代に生まれ、1978年に国の伝統的工芸品指定された大堀相馬焼。庶民のための焼き物として地域住民に愛されてきたもので、以下のような三大特徴を有しています。 ・＜馬の絵＞常に左を向いて描かれるため「左馬」とも呼ばれ、「右に出るものがない」という意味につなげて縁起が良いとされています。 ・＜ひび割れ＞素材と釉薬との収縮率の違いから生じるひび割れが青磁色の肌全体に拡がって、「青ひび」と呼ばれる地模様になっています ・＜二重構造＞大堀相馬焼独特の技法です。入れた湯が冷めにくく、手に持っても熱くありません。人々の暮らしのなかで創意工夫が重ねられた結果、生み出された技です。 ただし、「伝統」とされるこれらのスタイルも、実は大堀相馬焼三百余年の歴史のうち過去百年ほどで確立されたものにすぎません。この焼き物は、実際には時代によって姿かたちを変えながら受け継がれてきたのです。 東日本大震災と原発事故という災禍も、見方を変えれば新しい「伝統」の誕生の原動力になるのではないか。そう考えた私は、以前は継ぐつもりのなかった家業、大堀相馬焼を次代へつなぐ決心をしました。そして今では、作る人の「在り方」「生き方」そのものが伝統を形作っていくのだと考えています。\nそのような観点から、私は学生時代から海外で様々な事業運営を手掛けてきた経験を生かし、以下のような新しい作品の開発や販路拡大に取組み、海外への情報発信も積極的に行ってきました。 例えば、クロテラス（Croterrace）シリーズは、同じ東日本大震災の被災地である宮城県雄勝町とのコラボレーションです。同町の特産、硯の原料として有名な雄勝石を砕いて釉薬とし、大堀相馬焼の土に施したもので、料理が映える漆黒の肌合いを実現しています。 また、二重構造を生かした斬新な商品として、外見は同じでも内側の形状が違う酒器IKKONも開発しました。グラスの形状によってワインの味が変わることにヒントを得て、日本酒の味の変化を楽しむために考案したものです。 いまもなお世界では災害や戦争が頻発し、これまで当たり前と思っていた生活環境を突然失う人がたくさんいます。故郷を追われた大堀相馬焼の復活ストーリー、および伝統工芸というものに対する私の考え方が、そんなみなさんにとって「自分の心の拠りどころ」を考える際のヒントになればこれ以上の喜びはありません。 大堀相馬焼に関するお問い合わせは、松永窯を含む数件の窯元の販売代理店を務める日本の伝統産業の専門商社、ガッチ株式会社<a href="mailto:info@gatch.co.jp">info@gatch.co.jp</a>（英語対応可）まで。また、一部の商品はオンラインショップでも購入できます。

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