J’avais observé avant de savoir le nommer ce que j’allais apprendre être un tomason, qui plus est, un tomason de type «&nbsp;explosion atomique&nbsp;». Je photographiais ces étranges silhouettes, ombres, traces, lignes au «&nbsp;profil&nbsp;» de certains immeubles dans Kyōto, jusqu’au jour où j’apprends que ce sont des tomason et, que du tomason, Akasegawa Genpei (1937-2014) avait été le facétieux inventeur de ce terme.&nbsp;Je comprends rapidement en me documentant qu’il existe une typologie du tomason, une grande famille de tomason, et me mets en quête de ces «&nbsp;performances urbaines&nbsp;» dont les descriptions figurent dans les livres que j’ai rassemblés. J’arpente la ville pour le vérifier de mes propres yeux, et c’est ainsi que germe peu à peu l’idée de composer une&nbsp;anthologie de textes d’Akasegawa Genpei consacrés à la notion de tomason et à ses enjeux afin d’en informer mes contemporains. Ce livre a paru au printemps 2024 aux éditions Les Presses du réel. Il s’agit du premier ouvrage accessible en langue française sur cette question d’intérêt publique (1). C’est la première fois dans ma carrière de traducteur que je traduis en marchant&nbsp;: jusqu’où peut aller se loger la conscience professionnel !&nbsp;Ce sont 30 de ces photographies prises dans Kyōto durant ce travail qui seront présentées à la Galerie Chapitre XII　lors du Photobrussels Festival qui se tient à Bruxelles du 23 janvier au 23 février 2025.<a href="https://www.photobrusselsfestival.com/locations-25/chapitrexii-pbf-2025" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.photobrusselsfestival.com/locations-25/chapitrexii-pbf-2025</a>

Akasegawa Genpei Akasegawa Genpei, de son vrai nom Akasegawa Katsuhiko, est un personnage aux multiples talents. Largement méconnu hors du Japon, il a laissé une empreinte indélébile dans le paysage artistique japonais. Lui qui se destinait à la peinture, est happé par l’avant-garde japonaise des années 1960, tendance neo-dada anti-art. Il est tour à tour performeur, illustrateur, typographe, mangaka, écrivain (prix Akutagawa en 1981 sous le pseudonyme de Otsuji Katsuhiko, et auteur d’un best-seller sur le pouvoir de la vieillesse), et jusqu’à&nbsp;homme-sandwich durant les périodes de disettes. La justice le condamne à trois mois de prison avec sursis pour avoir imité – et non pas contrefait – un billet de 1&nbsp;000 yens,. Ce mauvais procès, dit "procès du billet de 1&nbsp;000 yens&nbsp;», contribue à sa notoriété au Japon. Cette affaire qui soulève quelques grandes questions philosophiques concernant l’art, oblige également Akasegawa à réfléchir au sens de sa pratique artistique.&nbsp;L'art est-il imitation ? Création ? Qu’en est-il du statut de la reproduction mécanique d’un original ? En quoi l’imitation d’un billet de 1&nbsp;000 yens peut-il être compris comme un acte artistique&nbsp;? Akasegawa poursuit ainsi une réflexion originale et décalée sur l’art, l’intentionalité et le regard qui le conduit à la notion d’hyperart-tomason.

L’escalier de Yotsuya Tout commence avec un curieux escalier découvert le 17 mars 1972 sur les coups de midi, à Tōkyō dans le quartier de Yotsuya. Akasegawa est à la recherche d’un endroit où déjeuner quand il passe devant cet escalier dont l’usage lui apparaît rapidement incertain&nbsp;: un escalier ne servant qu’à monter et à descendre, un escalier pur, « en soi et pour soi&nbsp;». «&nbsp;L’escalier pour l’escalier&nbsp;»&nbsp;?&nbsp;La porte qui donnait sur le palier a été remplacée par une série de fenêtres. Un escalier inutile donc, ayant perdu sa fonction d’escalier, un escalier ne menant nulle part. Un escalier inutile semblant néanmoins faire l’objet d’un entretien puisqu’un morceau de la rampe, constate-t-il, a été remplacé.&nbsp;Cet ensemble de caractéristiques, inutilité et conservation en l’état, auxquelles on ajoutera une troisième, à savoir l’émotion (l’étrangeté) que cet escalier ne manque pas de provoquer, rapproche curieusement cet escalier de ce que nous avons coutume de nommer une «&nbsp;œuvre d’art&nbsp;». Ce qui l’en différencie toutefois, est d’être dépourvu d’auteur et partant, de n’exprimer aucune intention.&nbsp;L’absence d’artiste-auteur situant cet escalier «&nbsp;au-delà de l’art&nbsp;», Akasegawa crée le néologisme chō-geijutsu pour en rendre compte&nbsp;:&nbsp;chō signifiant «&nbsp;au-delà&nbsp;», «&nbsp;ce qui transcende&nbsp;» ou «&nbsp;dépasse&nbsp;», et geijutsu, «&nbsp;l’art&nbsp;», chō-geijutsu = hyperart. La découverte dans la ville d’objets présentant des similitudes permet au concept de gagner en finesse et à la typologie de s’étoffer au fil des ans.Quant à l’appellation tomason qui vient compléter quelques années plus tard le néologisme chōgeijutsu, elle est un hommage facétieux au joueur de base-ball américain Gary Thomasson dont les non-performances illustrent la définition d’un hyperart : «&nbsp;Objet de dimension conséquente sans plus d’usage mais joliment conservé, le plus souvent attenant à une construction immobilière&nbsp;».&nbsp;Escaliers ne servant qu’à monter ou à descendre, portes murées, ponts et tunnels inutiles, portes en hauteur s’ouvrant sur le vide, auvents ne protégeant rien, tomason de type explosion atomique ou Abe Sada, la typologie rassemble bientôt une vingtaine de cas, ayant en commun d’exhiber leur inutilité tout en témoignant d’un souci de conservation. La perte de fonction conférant une intensité existentielle à ces objets urbains, elle les dote d’une valeur esthétique inédite et proche de l’œuvre d’art. La différence, essentielle et subversive, les en distinguant, est de ne pas avoir d’auteur et d’être dépourvus d’intention. Car si certains agents ont pu concourir à l’apparition d’un tomason, ce dernier ne se connaît pas d’artiste, il n’est que création du regard… et de la parole.&nbsp;Ce concept initialement destiné à se moquer gentiment des productions de ces nouveaux artistes «&nbsp;contemporains&nbsp;» émergeant dans les années 70 au Japon (Gutai, Mono-ha) dont on trouve des «&nbsp;copies&nbsp;» involontaires de leurs œuvres sur les chantiers ou en d’autres lieux de l’espace ordinaire (autrement dit loin du musée et de la galerie), prend avec le temps une dimension plus profonde.

Tomason et «&nbsp;esthétique&nbsp;» japonaise Akasegawa doutait que les Occidentaux soient en mesure d’accorder une valeur esthétique à un tomason, tant les ressorts de la «&nbsp;conscience du beau&nbsp;» (biishiki) au Japon lui semble incompréhensible à un esprit non-japonais.&nbsp;L’idée même de tomason pouvait-elle germer ailleurs qu’au Japon&nbsp;?, se demande-t-il dans certains textes.Akasegawa exagère mais justifie cette opinion par plusieurs expériences malheureuses. Il remarque en effet que les photographies de tomason projetées lors de diaporamas devant un auditoire non-japonais provoquent certes une réaction émotionnelle forte auprès du public, essentiellement des éclats de rire, mais force est-il de constater&nbsp;que cet enjouement ne trouve aucun prolongement dans la discussion. Il en conclut que les Japonais sont mieux préparés à s’extasier devant ces objets de hasard car l'esthétique japonaise offre, avec des concepts tels que mujō, mono no aware, wabi-sabi ou mitate, une « palette de sensibilités » permettant d'apprécier la richesse d'un hyperart-tomason sans se limiter strictement à sa conformité à la définition. Le regard analytique (le tomason stimule l'esprit) se mêle à une perception esthétique (le tomason touche les émotions). Selon Akasegawa, les Japonais possèdent déjà ce vocabulaire et cette sensibilité. L’idée, par exemple, que la beauté puisse être associée à sa propre disparition reste peu courante en Occident.　Passons les rapidement en revue.&nbsp;Le terme mujō (無常) désigne l'impermanence et la nature transitoire de toutes choses. L’état d’abandon dans lequel est plongé un tomason évoque cette impermanence et la fragilité de l'existence, à l’image de la chute des pétales de la fleur de cerisier parvenue à son acmée. Il témoigne du passage du temps et de la dissolution inévitable des choses.&nbsp;La formule mono no aware　(物の哀れ), attribuée à Motoori Norinaga (1730-1801), exprime une empathie envers les choses (mono) en lien avec la conviction de leur impermanence et de leur anéantissement prochain. La floraison des cerisiers engendre une joie mélancolique car elle symbolise à la fois le signe d’un renouveau charmant et celui d’une inquiétude pesante face à la transitoire beauté de la fleur et à la légèreté de sa chute. La notion n’est pas sans rappeler le lacrimae rerum de Virgile (70-19 av J-C). «&nbsp;Sunt lacrimae rerum et mentem mortalia tangunt&nbsp;» (Toutes les choses ont leurs larmes qui émeuvent le cœur des mortels, Énéide, I, 462).&nbsp;La philosophie wabi-sabi (侘寂) qui célèbre la simplicité et l’élégance nées du raffinement de cette simplicité, émerge au XVIe siècle autour la pratique de la cérémonie du thé (chanoyu), et offre une nouvelle clé pour apprécier un tomason. Goûter aux charmes de cette esthétique, c’est éprouver une émotion devant les marques d’une imperfection, d’un délitement, d’un détissage. L’hyperart-tomason relève de l’esthétique wabi-sabi en ce qu’il témoigne d’un déclassement, exprimant l’état d’absurdité radicale dans lequel l’a plongé le passage du temps, pointant l’absurdité du rationalisme ostentatoire des surenchères urbaines... Cette esthétique de l’écoulement des choses est le versant expressif d’une sagesse liée à la volonté ou à la nécessité de se déprendre d’un monde illusoire et trompeur. Le temps, notait enfin Akasegawa,&nbsp;est le seul élément capable de gommer radicalement l’intentionalité humaine et de confèrer un caractère wabi à un objet.Mitate (見立て) est la forme substantive du verbe mitateru signifiant littéralement «&nbsp;voir et dresser&nbsp;». En d’autre termes, c’est «&nbsp;estimer par le regard&nbsp;», porter un diagnostic. De «&nbsp;choisir une prostituée&nbsp;» à «&nbsp;estimer la qualité d’une récolte de riz&nbsp;», l’emploi du terme recouvre un large éventail sémantique. Mitateru consiste à voir et à réinterpréter un objet dans un nouveau contexte, en lui attribuant une valeur différente de son utilisation première. Dans le cas d’un tomason, il s'agit de lui donner un nouveau sens, souvent doté d’une connotation ironique ou poétique, qui dépasse sa fonction initiale ou sa forme d’origine. C’est un procédé de réévaluation esthétique jouant sur la métaphore et le transfert d’images en vue de créer une nouvelle réalité à partir de l’observation. Mitateru encourage des expériences de pensée et des jeux de langage. Cette capacité à discerner au-delà de ce qui est visible suppose de la part de l’observateur une aptitude à conceptualiser et à verbaliser ce qu’il voit, ou ne voit pas. Mitateru consiste à détourner ou à citer pour s’approprier ce que le regard a capté. Prétexte au jeu d’esprit, mitate distille une puissance critique et évocatrice remarquable.&nbsp;

Au-delà de la parodie Si le tomason en étant « au-delà de l’art » n’appartient pas à l’art au sens strict, il en renouvelle la question fondamentale. Qu’est-ce que l’art&nbsp;? Qu’est-ce qu’une œuvre d’art&nbsp;? Si le destin finale d’un œuvre d’art est d’alimenter&nbsp;le marché de l’art, de la publicité, du divertissement ou design, l’hyperart transporte le spectateur vers des dimensions plus fines, au-delà de la simple critique ou de la parodie.&nbsp;L’observation d’objets inattendus et facétieux révèle l’existence d’une altérité radicale, plus créative (ou destructrice ?) que toute intention humaine. L’artiste se retire ici comme force créatrice (jiriki), mettant en avant une puissance diffuse et englobante (tariki) transcendant les individualités. Akasegawa parle de «&nbsp;puissance de la nature » (shizen no chikara) pour désigner cette force agissant au cœur de l’artifice dont le tomason est l’incarnation, en l’opposant à la régulation humaine.&nbsp;Akasegawa l’exprime parfaitement dans le passage suivant：&nbsp;«&nbsp;Un jour, lors d’un diaporama au cours duquel je présentais divers tomason, quelqu’un s’est exclamé : ”Le tomason, une pensée survenant de l’Autre (tariki shisō) ! Non pas une pensée survenant de ou par soi-même (jiriki shisō) mais une pensée causée par Autre que soi&nbsp;!“ J’ai réfléchi longuement à la déclaration de cette personne. Elle avait tout à fait raison. Le tomason est un objet qui se laisse uniquement découvrir. Il ne se fait pas. Je sentais d’ailleurs le tomason doté d’un pouvoir de séduction plus fort que les choses simplement fabriquées et au sujet desquelles il est impossible de ne pas percevoir une intention, une finalité ou un but. Or, cet objet-là diffère de l’objet «&nbsp;artistiquement&nbsp;» confectionné. L’objet manufacturé te tombe dessus, il se colle à toi. Il est dépourvu de cette qualité propre au tomason de survenir brusquement, de surgir de manière totalement inattendue. Voilà la raison pour laquelle la réflexion de cet interlocuteur évoquant une pensée survenant de l’Autre m’est apparue tout à fait pertinente et même évidente. L’époque n’avait pourtant à la bouche que des mots évoquant des valeurs associées à l’«&nbsp;autonomie&nbsp;» ou l’«&nbsp;indépendance&nbsp;». Une pensée survenant de l’Autre. Personne ne manifestait le moindre intérêt pour une idée pareille&nbsp;! Cette idée me permettait pourtant de considérer l’existence du tomason sous un autre aspect et de sentir s’approfondir en moi l’intérêt qu’il convenait de lui porter. Tariki shisō est, semble-t-il, une formule bouddhiste, permettant de disserter sur la nature de l’esprit humain, dissertation obscure lorsqu’elle se résume à raisonner au moyen des seuls termes tariki et jiriki mais qui prend un tour concret et lumineux dès que l’on songe au tomason. Le regard s’éveille à la signification que recèle le tomason. Le regard permet d’indiquer et d’apercevoir la beauté non consciente et non intentionnelle, la beauté de hasard. Un regard très proche de celui que pratiquaient déjà les maîtres de thé à l’époque Azuchi Momoyama et qu’ils exprimaient par les notions de wabi-sabi. Il s’agissait déjà d’une forme de pensée survenant de l’Autre (tariki shisō), de beauté sans usage, produite par le hasard. Les maîtres de thé voulaient y apercevoir une forme de beauté surgissant au terme d’un processus artificiel et contingent.&nbsp;» (2)&nbsp;Akasegawa privilégie ainsi l’observation d’objets imprévus et rieurs témoignant d’une extériorité radicale plus créatrice (ou dévastatrice&nbsp;?) que n’importe quelle puissance intentionnelle, fut-ce celle d’un artiste. Il privilégie la limpidité du contact s’établissant avec soi-même lors de la découverte d’un tomason et vante ainsi les mérites de l’observation urbaine. La «&nbsp;chasse au tomason&nbsp;» affine et développe la sensiblité. Elle aiguise le regard. La rencontre d’un tomason est riche en sensations. L’analyse de l’émoi s’emparant du flâneur devant un hyperart-tomason permet en outre de se familiariser avec certaines notions de l’esthétique japonaise et, plus largement, d’entamer une réflexion sur l’art, sur le regard et sur soi-même&nbsp;!La grande idée d’Akasegawa est probablement qu’à l’instar d’un tomason, l’art ne subsiste en définitive que dans le regard porté sur les choses, et que ce regard est déterminé par une «&nbsp;autre force&nbsp;» (tariki) que soi (jiriki).&nbsp;

Notes&nbsp;(1) AKASEGAWA Genpei, Anatomie du tomason, textes réunis, traduits du japonais, annotés et présentés par Sylvain Cardonnel, éditions Les presses du réel, 268 pages, 2024.&nbsp;(2) Akasegawa Genpei, tomason to ha nanika, in tomason dai zuhan, mu no maku, éditions Chikuma Bunko, Tōkyō, 1996, p. 7-21. («&nbsp;Qu’est-ce qu’un tomason ?&nbsp;», in Grande encyclopédie du tomason, le livre du néant) traduction française dans AKASEGAWA Genpei, Anatomie du tomason, texte 1. Bibliographie en langues occidentalesAkasegawa Genpei, Hyperart&nbsp;: Thomasson, New York, Kaya Press, 2010.<a href="https://kaya.com/books/hyperart-thomasson/" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://kaya.com/books/hyperart-thomasson/</a>Akasegawa Genpei, Anatomie du tomason, textes réunis, traduits et présentés par Sylvain Cardonnel, éditions Les presses du réel, 2024.<a href="https://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=10241&amp;menu=0" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=10241&amp;menu=0</a>

Des photos & un livre, Kyōto par monts et tomason d’après l’œuvre d’Akasegawa Genpei

Mes peintures seront exposées à partir du 4 octobre dans une galerie d’art parisienne du quartier du Marais. Alors que mon excitation vécue lors de l’exposition de Tokyo n’est pas encore retombée, je m’affaire sans relâche aux préparatifs. C’est dans moins de deux mois. Mes tableaux sont achevés mais lorsque je les revois alignés dans mon atelier, ils me paraissent lacunaires. J’étais pourtant si confiant car tout s’est bien passé à Tokyo. Le succès a été à un niveau auquel je ne m’attendais pas. Comme il a été décidé qu’une nouvelle exposition aurait lieu l’année prochaine, j’étais convaincu que tout se passait bien. Or là, dans mon antre de la création, je suis tiraillé par l’incertitude. Je me sens comme un sélectionneur d’une équipe sportive. Je pensais avoir choisi les tableaux concernés par la série «&nbsp;Les invisibles&nbsp;» mais cette dernière me semble désormais incomplète. L’essentiel de la collection concerne des portraits en pied de Bouddha.&nbsp;

Contrairement à Tokyo où j’ai présenté des toiles représentant la Normandie ou Paris, je souhaite que celles exposées à Paris soient plus saisissantes. À cet égard,&nbsp;il manque une pièce. C’est pourquoi j’ai commencé à peindre une grande toile. Alors qu’il ne me reste que quarante-cinq jours. Une peinture à l’huile nécessite un an de séchage. La situation est désespérante car, de surcroît, je peins des couches épaisses. Seulement, je suis insatiable&nbsp;; je dois prendre le pinceau. En priant, en espérant, comme si je m’étais transformé en sokushinbutsu (corps momifié résultant d’une ascèse extrême d’un moine) je me consacre à ma toile. J’étais emporté par l’inspiration, contemporaine à l’actualité mondiale marquée par les guerres. &nbsp;

Tokyo compte beaucoup pour moi mais je tenais également à convaincre Paris où je vis depuis vingt-trois ans. La décision n’a pas été aisée. C’est Florian Métral, docteur en histoire de l’art, qui m’a encouragé. Il m’a mis en contact avec une galerie du Marais et sera le commissaire d’exposition. C’est lui, ainsi que l’équipe de la galerie, que je veux surprendre. &nbsp; En 1999, j’ai reçu un prix littéraire pour «&nbsp;Le Bouddha blanc&nbsp;». Je peignais un tableau au même moment, comme une note picturale. C’était une pratique à l’époque inhabituelle me concernant. Le dessin, qui représentait un Bouddha blanc, a disparu depuis mais je me rappelle clairement à quoi il ressemblait. Un ami prénommé Bruno, sans renier la religion, m’avait déconseillé d’introduire mes croyances dans l’art. Soit. Il ne m’a pas été facile de lui expliquer que je n’étais pas croyant, que ce Bouddha n’émanait pas du bouddhisme mais de mon intériorité en tant que Japonais. Je vis certes entre Paris et la Normandie mais je n’ai pas l’attention de me blanchir la peau. Où que je vive, le Japon reste ma terre natale et je souhaite que mes peintures reflètent ma sensibilité qui trouve sa source à travers ces deux pays. C’est pourquoi, parfois, Bouddha m’apparaît soudainement en Normandie. «&nbsp;Bruno, ce n’est pas rationnel. Ce qui compte pour moi, c’est ce que ressentent les personnes qui regardent mes tableaux. C’est ce qui m’inspire qui me pousse à peindre. Je veux juste peindre.&nbsp;» Serai-je en mesure d’organiser une exposition qui me ressemble&nbsp;? C’est un défi pour moi en tant qu’artiste. Plongé dans l’écriture de romans dans ma trentaine et ma quarantaine, j’étais guidé par la logique et la pensée. Désormais, je suis animé par ma sensibilité. Face à ma toile, une matrice s’active dans les profondeurs de mon cerveau, les circuits neuronaux s’agitent. Ma concentration atteint son apogée. Quelles formes vont figurer les couleurs, les lignes et les points&nbsp;? Je suis porté par ces invisibles.

Par un grand hasard, l’exposition commence le jour de mes soixante-cinq ans. Laurent, le galeriste, a décidé des dates. «&nbsp;Ce sera entre le 4 et le 12 octobre&nbsp;». À cet âge-là, on est censé prendre sa retraite. Pourtant, je n’ai jamais été aussi ardent. Je n’ai que faire de la gloire ou de l’argent, des pensions de retraite ou de mes vieux jours. L’énergie qui se dégage de mes mains grave sur la toile. Je brûle de vitalité, je suis incandescent. Je veux faire vibrer les visiteurs. Folles de création, toutes les cellules de mon corps investissent la toile.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

EXPOSITION "LES INVISIBLES" DU 4 AU 12 OCTOBRE 2024 GALERIE 20 THORIGNY 20 rue de Thorigny 75003 Paris

Exposition Hitonari TSUJI

C’est une longue histoire et courte à la fois. J’ai rencontré Bashō à Tokyo / à Nihombashi plus précisément . Où ma famille est venue ( à vélo ) voir ma dernière exposition au Japon. D’abord Chigusa puis sa mère qui vivent près de la rivière Sumida.

On a parlé des ancêtres et les derniers venus se sont rencontrés à cette occasion puisqu’ils ne se connaissaient pas tous encore. Cela m’a beaucoup amusé de voir qu’une petite exposition de dessin puisse réunir le clan à nouveau.

Je n’ai même pas eu à lui demander puisqu’il exposait déjà comme moi à l’adresse la plus japonaise du coin. Chez Satomi et Stan. Quelques coups de pinceaux plus loin voilà ce que ça donne :

Reste à savoir qui sera le troisième pinceaux... (Sans x prdon)

一、二、三、Pitsu !

Chef-d'œuvre d’Eiko Hanamura, pionnière du shojo manga Exposition à l’occasion de la publication de l'édition française d ‘Autant en emporte la brume&nbsp;

Autant en emporte la brume est un drame familial novateur, décrivant la vie amoureuse des parents du protagoniste à une époque où les histoires romantiques étaient inexistantes dans le manga pour filles. Il fut publié en série dans Shûkan Margaret (éd. Shueisha) durant 30 numéros en 1966. En 1975, il fit l'objet d'un feuilleton télévisé sous le titre Secret de famille. À cette époque où les mangas étaient perçus comme étant « pour les enfants » et les adaptations en prises de vue réelles basées sur des mangas étaient toutes des sports et des comédies pour adolescents, la diffusion du drama pour adultes fut même critiquée par certains acteurs de l'industrie. Cependant, avec les vedettes Kumiko Akiyoshi et Kimiko Ikegami dans les rôles principaux, et la chanson générique Ano hi ni kaeritai (Je veux retourner à ce jour) chantée par Yumi Matsutoya (Yumi Arai à l'époque, autrice-interprète des génériques de films d’animation Kiki la petite sorcière et Le vent se lève de Hayao Miyazaki), ce drama devint un énorme succès et le précurseur des récentes adaptations de shojo manga en prises de vue réelles. Parallèlement au feuilleton, une version romanesque du manga, Secret de famille (écrite par Eiko Hanamura), et un manga d'autoremake, Shiroi bojô (éd. Shogakukan), qui s'inspire du feuilleton télévisé et augmente l'âge du personnage principal, furent publiées.&nbsp;

Autant en emporte la brume, édition française aux éditions AKATA (Collection Héritages) Sortie le 12 octobre 2023 Natsuko est une enfant heureuse. Grâce à son père, travaillant pour l’industrie du lait, elle vit loin du besoin et de la misère. Mais quand un jour, à l’occasion d’un voyage à Hokkaido, elle croise la route d'une mystérieuse jeune fille dans la brume, elle pourrait bien découvrir certains secrets de famille dont elle ignorait tout. Quel impact aura cette rencontre sur sa vie ? Quels sont les drames qui ont chamboulé le passé de sa mère ? Au fil des mois qui s'écoulent, Natsuko devra grandir bien plus vite qu’elle ne l’aurait cru...&nbsp; <a style="color:#0000ff" href="https://www.akata.fr/publications/autant-en-emporte-la-brume" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.akata.fr/publications/autant-en-emporte-la-brume</a>&nbsp;

Exposition à Art Shopping Paris 2023 pour célébrer la publication Des impressions giclées de haute qualité reproduisant le plus fidèlement possible les couleurs vives et les coups de pinceau réalistes des illustrations d’Eiko Hanamura seront exposées et vendues. Des planches du manga Autant en emporte la brume seront également présentées sous forme de giclée. ART SHOP PING PARIS – 20 au 22 octobre 2023 Carrousel du LOUVRE 99, rue de Rivoli 75001 Paris Vendredi 20 octobre : 19h -22h (uniquement sur invitation) Samedi 21 octobre : 11h-20h Dimanche 22 octobre : 11h-19h (dernières entrées à 18h30) Vernissage : vendredi 20 octobre 2023, à 19h00 <a href="https://www.artshopping-expo.com/&nbsp;" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.artshopping-expo.com/&nbsp;</a>

Eiko Hanamura (9 novembre 1929 - 3 décembre 2020) Née à Saitama, dans une famille de commerçants. Après sa naissance, ses parents divorcent. Avec sa mère, peu présente à la maison, la jeune Hanamura est surtout élevée par sa grand-mère. Elle fréquente le lycée pour filles de Kawagoe, mais perd hélas sa grand-mère avant la fin de la guerre. Appréciant particulièrement le travail de l’illustrateur Jun'ichi Nakahara, elle intègre l’université d’art et de design de&nbsp;Joshibi, mais elle arrête ses études avant la fin. Elle quitte son foyer avec l’homme qui deviendra son mari, qu’elle rencontre grâce à son amour pour le théâtre.A deux, ils s’installent à Osaka. C’est là que, sous l’impulsion de Toshihiko Fujiwara, propriétaire d’une petite librairie de location, qu’elle participe à la revue de prêt («&nbsp;kashibon&nbsp;»)&nbsp;Niji.&nbsp;Sa première histoire courte, intitulée&nbsp;Murasaki no Yousei&nbsp;(Lit.: "la fée violette") est ainsi publiée en 1959.Pendant des années, elle dessinera des récits pour ces revues de prêt. Elle rencontre à cette époque de nombreux auteurs devenus cultes aujourd’hui, tels que Umezz, Takao Saito.Remarquée par des éditeurs de manga, elle finit par être courtisée par Kodansha. C’est finalement en 1964 qu’elle fait ses débuts officiels dans le monde du shôjo manga en publiant dans&nbsp;Nakayoshi&nbsp;l’histoire&nbsp;Shiroi Hana ni tsuzuku michi.&nbsp;Par la suite, tous les éditeurs la contactent et elle publie dans de très nombreuses revues.En 1975, son manga&nbsp;Autant en emporte la brume&nbsp;(Kiri no naka no shojo) devient le premier shôjo manga à être adapté en série TV (sous le titre «&nbsp;Katei no himitsu&nbsp;»), sur la chaine TBS.En 1989, elle reçoit le 18e prix d’excellence de la Japan Castroonists Association.En 1997, son adaptation en manga du&nbsp;Dit d’Ochikubo&nbsp;remporte le Grand Prix Manga du 1er Japan Media Arts Festival.En 2007, elle est sélectionnée pour représenter le Japon à l’association des Beaux-Arts de France au Musée du Louvre.En 2017, elle reçoit un prix d’honneur de la part de la Société nationale des beaux-arts français.Elle s’éteint le 3 décembre 2020.On peut dire aujourd'hui qu'elle fait partie, sans l’ombre d’un doute, des pionnières méconnues du manga féminin. S’émancipant des codes graphiques imposés par les hommes - et cela dès l’époque où elle dessinait pour des magazines de prêt - elle est connue pour l’esthétisme fleuri et lyrique de ses oeuvres. On reconnait ses personnages à sa manière de dessiner leurs cils inférieurs. Elle a été parmi les premières à introduire des thématiques adultes dans les&nbsp;shôjo&nbsp;mangas pour adolescentes et n’a cessé de travailler pendant toute sa vie. Autant illustratrice qu’autrice de mangas, elle s’est attaquée à des genres aussi variées que la romance, la comédie, le suspens ou le récit historique. Femme humble et toujours souriante, au-delà de son impact chez les lecteurs, elle était aussi particulièrement appréciée par les collègues mangakas. Elle a sans aucun doute marqué le coeur de tous ceux qui ont eu la chance de la rencontrer…

Autant en emporte la brume : Chef-d'œuvre d'Eiko Hanamura, pionière de shojo manga

Toku est une figure emblématique de la scène Jazz aux Etats-Unis et au Japon.&nbsp;C'est dans ce dernier pays qu'il vit et fait vivre le jazz passionnément.&nbsp;Il a collaboré avec les plus grands:&nbsp;de Kenny Barron, à Ron Carter, en passant par Chris Cheek ou Lew Soloff, rien n'est trop beau pour ce trompettiste, bugliste et chanteur à la voix suave et soulfull.&nbsp; En Janvier 2020, Toku sortait l'album Toku In Paris, fruit d'une collaboration entre Sony Jazz Japan et Jazz Eleven.&nbsp;L'album, enregistré à Paris en juillet 2019 est le premier que Toku enregistre en Europe et le 12ème enregistré sur le label Sony Jazz Japan.&nbsp;L'artiste Japonais s'est entouré pour l'occasion des meilleurs musiciens de la scène jazz Française:&nbsp;Pierrick Pedron au saxophone, Giovanni Mirabassi au piano, Laurent Vernerey et Thomas Bramerie à la contrebasse, André Ceccarelli et Lukmil Perez à la batterie..&nbsp;Après un album et une tournée "All Stars" pour faire découvrir cet artiste hors normes en février 2020, le covid a mis un coup d'arrêt provisoire à ce beau projet... ainsi, nous avons pris notre mal en patience pendant 2 ans!&nbsp;Mais les frontières sont ouvertes désormais, et c'est avec un immense plaisir que nous allons enfin retrouver Toku pour une nouvelle tournée européenne à l'Automne 2023!

Avant le concert de Toku, retrouvez notre équipe au bar de l'Espace Carpeaux où vous pourrez vous imprégner de l'ambiance cabaret : manger, boire un verre avec en avant scène Carlos Miguel Hernandez Trio.&nbsp; Rendez-vous donc à partir de 19h30 : réservez votre planche à déguster + une coupe de champagne à 16€ en cliquant&nbsp;<a style="color:#69e19b" href="https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLScK0xQLrdOjiivgYlEL0_GgEcQc9HePdO7zB7cBQb6pciY3Mg/viewform?usp=pp_url" target="_blank" rel="noopener noreferrer">ICI</a>. Et pour les retardataires Happy Hour jusqu'à minuit.&nbsp;

  Espace Carpeaux

TOKU, le 25 Septembre 2023 à 21h00 !

Some of the most popular summer activities include beach bathing, watermelon and ice-cream snacks, fighting mosquitoes and, above all, firework displays. This year I was able to admire the one in Bordeaux. I love the grandeur of the fireworks bursting into the starry sky, but I'm particularly fond of the senkouhanabi, the tiny hand-held fireworks that are typically Japanese. Wise and unadorned, they represent for me the soul of my compatriots. When I was a child, with my brother and some friends, we used to have fun making these thin rods last as long as possible, at the end of which a glowing ball projected sparks.

Parmi les activités emblématiques de l’été, il y a les bains de plage, les goûters à la pastèque ou à la glace à l’eau, la bataille contre les moustiques, mais aussi et surtout les spectacles de feux d’artifice. J’ai pu admirer cette année celui de Bordeaux. J’aime beaucoup la grandeur des feux jaillissant dans le ciel étoilé mais j’affectionne tout particulièrement les senkouhanabi, ces tout petits feux d’artifice que l’on tient à la main et qui sont typiquement japonais. Sage et sans fioritures, ils représentent pour moi l’âme de mes compatriotes. Quand j’étais enfant, avec mon frère et des amis, nous nous amusions à faire tenir le plus longtemps possible ces minces tiges au bout desquels une boule incandescente projetait des étincelles.

Since I've been living in France, I haven't had many opportunities to go to Japan in summer. I'd love to be able to smell that special aroma again, and see that little ball of fire moving up the sprig. It is said that there are five stages in the senkouhanabi process. At the beginning, a small ball forms, like a flower bud, then it grows with energy like a peony and its sparks are projected further away like pine needles to live out its last hours like a willow. Finally, it fades like falling chrysanthemum petals. The Japanese see this evolution as a metaphor for human life, and it's not for nothing that hana-bi literally means "flower of flame". Fireworks alone express the Japanese aesthetic of the transience of life, the spirit of mononoaraware.&nbsp;&nbsp; I have vivid memories of these little flowers of flame.

Depuis que je vis en France, je n’ai pas beaucoup eu l’occasion d’aller au Japon en été. J’aimerais sentir à nouveau cette odeur si particulière, contempler cette petite boule de feu qui remonte le brin. On dit qu’il y a cinq étapes dans le senkouhanabi. Au départ, une petite boule se forme, tel un bouton de fleur, puis elle grossit avec énergie comme une pivoine et ses étincelles sont projetées plus loin telle des aiguilles de pin pour vivre ses dernières heures tel un saule. Enfin, elle s’éteint comme des pétales de chrysanthèmes qui tombent. Les Japonais voient dans cette évolution une métaphore de la vie humaine et ce n’est pas pour rien que hana-bi signifie littéralement «&nbsp;fleur de flamme&nbsp;». Le feu d’artifice traduit à lui seul l’esthétique japonaise de la fugacité de la vie, l’esprit du mononoaraware. &nbsp; Je me rappelle avec clarté mes souvenirs liés à ces petites fleurs de flamme.&nbsp;

<blockquote>「線香花火の薫り」 夏の風物詩といえば、海水浴、スイカ、かき氷、団扇に蚊取り線香、そして花火ですね。先日のパリ祭での花火は、ボルドーでも盛大に行われました。 打ち上げ花火の迫力も好きですが、やはり夏の日本の心といえば、純国産の線香花火。 小さい頃に弟や友人たちと、誰が一番最後まで線香花火を咲かせられるかを競争したものです。ここ最近は随分とご無沙汰。懐かしくて、携帯のカメラに残っていないか探したほどです。 国産の線香花火は一時期、安い中国産が増えてしまい、絶滅したことがありますが、幸いなことに復活。フランスに移住してから夏に帰省する機会が少なく、来年の夏こそは線香花火をしながら、その薫りとその変化してゆく姿を眺めたいものです。線香花火の変化は５段階あると言われています。初めに火がつき、その形が小さな火の玉。まるで花の蕾に見えることから「蕾」、そして力強く火花が燃えることから「牡丹」、さらに火花が四方八方に激しく飛び出し、その姿が直線的で密集することから「松葉」、やがて火花の勢いは衰え、細くやや垂れ下がることから、枝垂れ柳のように「柳」の姿へ。最後は消える直前が、菊の花びらがひとひらずつ消えてゆくように「散り菊」と表現され、その線香花火の姿は、人の人生そのものに例えられています。まさしく日本の美意識と言われている「儚さ」や「もののあわれ」が凝縮されているようですね。 線香花火の記憶は今でも鮮明に、心に彩られています。</blockquote>

Calligraphy

Calligraphie

書道

The scent of senkouhanabi

Le parfum du senkouhanabi

Nanbutekki cast-iron teapots are all the rage. Extremely hard-wearing, they can be passed down from generation to generation, since with careful use and simple but regular maintenance, they can have a lifespan of a hundred years. If they become too damaged, they can be melted down and recycled. In this way, their durability adds to their effectiveness. They retain heat well and add roundness to the texture of the water. Their well-groomed appearance adds an authentic touch to tea service. Let's take a closer look at the history of Nabutekki teapots and how they are made, to get a better understanding of their qualities.

Les théières Nanbutekki en fonte ont le vent en poupe. Ultra résistantes, elles peuvent se transmettre de génération en génération puisque moyennant une utilisation soignée et un entretien simple mais régulier, elles peuvent avoir une durée de vie de cent ans. Si elles sont trop abîmées, elles peuvent être fondues et recyclées. Leur durabilité s’ajoute ainsi à son efficacité. Elles conservent bien la chaleur et apportent une rondeur à la texture de l’eau. Leur apparence est soignée et apporte un cachet authentique au service du thé. Étudions de plus près son histoire et son mode de fabrication pour mieux comprendre les qualités des théières Nanbutekki.&nbsp;

In the second half of the Heian era, the founder of the Hiraizumi dynasty, which ruled northern Japan, brought foundrymen from Shiga. They followed their main client wherever he went on political business. They made weapons for him, as well as accessories such as meditation bowls for temples. After the death of their benefactor, the factories turned their attention to making everyday objects, such as kettles, teapots and racks, and settled permanently in the Iwate region, where iron filings were abundant and charcoal, clay and sand were of the highest quality. The foundry grew and its craftsmen gradually became a vital part of local life. During the Second World War, natural resources were devoted to the war effort and foundries were only allowed to produce military equipment, which drastically reduced the number of activities. After the war, aluminium gained ground and the use of iron declined. Nevertheless, the added value of iron for its slow, gentle firing and thermal performance once again attracted consumers, and the growing demand from tea masters gave Nanbutekki a new aura.

Dans la seconde moitié de l’ère Heian, le fondateur de la dynastie Hiraizumi qui règne sur le nord du Japon fait venir des fondeurs depuis Shiga. Ces derniers suivront leur principal client au gré de ses déplacements politiques. Ils lui fabriquaient des armes, mais également des accessoires, tels que des bols de méditation, pour les temples. Au décès de leur bienfaiteur, les manufactures se consacrent à la réalisation des objets du quotidien, tels que bouilloires, théières et crémaillères, et s’établissent définitivement dans la région d’Iwate, où la limaille de fer est abondante et le charbon de bois, ainsi que l’argile et le sable, d’une grande qualité. La fonderie se développe et ses artisans deviennent peu à peu une existence incontournable à la vie locale. Durant la seconde guerre mondiale, les ressources naturelles sont consacrées à l’effort de guerre et les fondeurs ne sont autorisés qu’à produire des équipements militaires, ce qui fait baisser drastiquement le nombre d’activité. Après la guerre, l’aluminium gagne du terrain et l’usage du fer recule. Néanmoins, la valeur ajoutée du fer pour son mode de cuisson lente et douce et pour sa performance thermique attire à nouveau les consommateurs et la demande croissante des maîtres du thé apporte une nouvelle aura au Nanbutekki.&nbsp;

The cast-iron teapots we're interested in here originally came from two distinct schools, although the manufacturing methods are very similar. Nanbutekki, which literally means "southern iron container", is now the equivalent of an appellation. It is the name of an association that brought together the two streams, which were located to the south of the seigneury from which they originated, in 1959.&nbsp;Today, 74 workshops employing 730 craftsmen generate annual sales of 400 million euros. Nanbutekki products were added to the list of traditional crafts in 1975.&nbsp; Today, the workshops are renewing their range. Among the items produced are kettles, saucepans, trivets, candlesticks, fuurin (bells), frying pans and croque-mr machines! Because cast iron is an alloy made up mainly of iron, objects made from it can be very sensitive to corrosion, especially if they are repeatedly in contact with water and air. The passivation of the irons obtained by firing at 900 degrees forms a membrane that resists the appearance of rust, and is a surface treatment that plays a major part in the success of Nanbutekki.

Les théières en fonte qui nous intéressent ici ont à l’origine deux écoles distinctes, bien que les méthodes de fabrication soient très similaires. Signifiant littéralement «&nbsp;contenant de fer de la partie Sud&nbsp;», Nanbutekki est aujourd’hui l’équivalent d’une appellation. Elle est le nom d’une association ayant réuni les deux courants, qui se situaient au sud de la seigneurie dont ils étaient issus, en 1959.&nbsp;L’activité est aujourd’hui assurée par 74 ateliers regroupant 730 artisans qui réalisent un chiffre d’affaires annuel de 400 millions d’euros. En 1975, les produits Nanbutekki rejoignent la liste des produits d’artisanat traditionnel. Aujourd’hui, les ateliers renouvellent leur offre. Parmi les objets fabriqués&nbsp;figurent des bouilloires, des casseroles, des dessous-de-plat, des bougeoires, des fuurin (des clochettes), des poêles, des appareils à croque-monsieur&nbsp;! La fonte étant un alliage constitué principalement de fer, les objets qui en sont issus peuvent être très sensibles à la corrosion, d’autant plus s’ils sont au contact de l’eau et de l’air de manière répétée. Or la passivation des fers obtenue par une cuisson à 900 degrés forme une membrane résistant à l’apparition de la rouille et constitue un traitement de surface participant largement au succès des&nbsp;Nanbutekki.&nbsp;

First, the craftsman makes a life-size drawing of the silhouette and designs that will appear in the boss. He then cuts a thin iron board in the shape of a symmetrical half of the future piece. In the past, this piece was made of wood, so the name kigata literally means wooden form. This is centred in the centre of a brick box that is gradually filled with sand mixed with clay. By turning this tool around the pivot, the teapot will gradually take on its shape. This first mould is made with three specific types of grain. The outer surface is coarsely ground to make it easy to give the shape, then finer to consolidate it, and finally the last layer is so smooth that it has a texture similar to silk (which gives it its name, kinumane, silk clay). Before this final layer of clay dries, stamps and brushes are used to decorate the surface of the teapot. Once completely dry, the mould is fired at 1200 degrees. Next, a mould matching the inner surface of the teapot is placed in the outer mould mentioned above. Also made of sand and clay, it is not fired but only dried and is considerably smaller than the first mould. It is coated with an ash so that it can be removed once the piece has been fired. Molten iron, reaching a temperature of 15,000 degrees, is poured between this gap. The teapot, removed from its two moulds, is then fired at 800 degrees. It is at this point that the heat treatment provides protection against rust.&nbsp; Finally, the finishing touches are applied. The details of the decoration are sanded to perfection, then the work is heated to 300 degrees to apply a coat of lacquer using a brush. The colouring is done with a liquid of iron acetate mixed with an infusion of tea, the level of which will shade the colour between black and brown.

Etapes de fabrication &nbsp;Dans la fabrication des Nanbutekki, la confection des moules est la plus cruciale. Elle ouvrage la forme de la théière et le relief qui orne sa surface. C’est aussi le moment qui prend le plus de temps car elle demande un travail à la main très minutieux et une cuisson. Premièrement, l’artisan dessine en taille réelle la silhouette et les dessins qui apparaîtront en bossage. Il découpe alors une mince planche en fer qui a la forme d’une moitié symétrique de la future pièce. Autrefois, cet outil était en bois, si bien que kigata, son nom, signifie littéralement forme en bois. Celle-ci sera axée au centre d’un caisson en brique qui sera rempli au fur et à mesure de sable mélangé à de l’argile. En tournant cet outil autour du pivot, la théière prendra peu à peu sa forme. Ce premier moule est réalisé avec trois types de grains spécifiques. La mouture est grossière pour la surface extérieure afin de donner aisément la forme puis plus fine pour la consolider, enfin, la dernière est si lisse qu’elle a une texture semblable à de la soie (ce qui a donné son nom, kinumane, argile de soie). Avant que cette dernière couche d’argile ne sèche, des tampons et des pinceaux sont maniés pour décorer la surface de la théière. Une fois parfaitement sèche, le moule passe au four à 1200 degrés. Ensuite, un moule épousant la surface intérieure de la théière est posé dans le moule extérieur cité plus haut. Constitué lui aussi de sable et d’argile, il n’est pas cuit mais seulement séché et sensiblement plus petit que le premier moule. Il est enduit d’une cendre qui permettra son extraction une fois que la pièce sera cuite. Le fer fondu et égalant une température de 15000 degrés est coulé entre cet interstice. La théière, démise de ses deux moules, est cuite ensuite à 800 degrés. C’est à ce moment que le traitement thermique apporte la protection contre la rouille. Enfin, les finitions sont apportées. Le ponçage parfait les détails du décor puis l’ouvrage est chauffé à 300 degrés pour y déposer une couche de laque au pinceau. La coloration est réalisée par un liquide d’acétate de fer mélangé à une infusion de thé, dont le taux nuancera la couleur entre le noir et le marron.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

These cast-iron teapots are so popular that imitations have invaded the market. If the colours are too bright, don't hesitate to check where they come from. They should be stamped Nanbutekki de Iwate. Watch out for fakes!

Ces théières en fonte sont si populaires que des imitations ont envahi le marché. Si les couleurs sont trop vives, n’hésitez pas à regarder leur provenance. Elles doivent être estampillés Nanbutekki de Iwate. Gare aux contre-façons&nbsp;!&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Les arts, les rites et les mots du quotidien...

芸術、儀式、言葉

La théière en fonte Nanbutekki pourrait vous survivre!

The function of the lacquer is to apply shiny coating some objects or to adhere elements together. In addition to its shiny, coloured appearance, which adds aesthetic value, its waterproof and rot-proof properties, as well as its resistance to use and longevity, make it a quality material that has left a strong mark on Asian, and later European, craftsmanship. Even today, industrial lacquers fail to fulfil all these properties simultaneously. As for lacquer, it refers to all objects coated with its feminine namesake. It covers a wide range of craft products, from crockery to furniture, but also prints, basketry and sculpture.

La laque est extraite du laquier. Cette résine a pour fonction de vernir certains objets ou de faire adhérer des éléments entre eux. Outre son aspect brillant et coloré qui ajoute une valeur esthétique, ses caractères imperméable et imputrescible, ainsi que sa résistance à l’usage et sa longévité en font un matériau de qualité qui a fortement marqué l’artisanat asiatique, et plus tard, européen. Les laques industrielles, encore aujourd’hui, ne parviennent pas à remplir simultanément toutes ces propriétés. Quant au laque, il signifie l’ensemble des objets enduits de son homonyme féminin. Il concerne un large éventail de produits artisanaux, allant de la vaisselle à du mobilier, mais également les estampes, la vannerie ou la sculpture.

The use of lacquer appeared in Japan during the long Jômon period, which lasted from 13,000 to 10 BC. Several archaeological sites bear witness to the quality of this varnish, as numerous extremely fine wooden vases, bowls and ewers have been found in humid areas. The oldest piece in the world was discovered on the island of Hokkaido and dates back 9,000 years; it was funerary furniture. Apart from weapons, few objects have survived from the following period (Yayoï -10 to 300 years), but the Kofun era (350-700 years) that followed it was particularly prolific, with relics in lacquered leather or metal as well as coffins. The democratisation of lacquerware began during the Nara period in the 8th century. Lacquerware, until then reserved for the nobility, became more widespread thanks to the dilution of the raw material. Numerous prints, the dry lacquer technique and the art of maki-e, specific to Japan, also appeared. However, it is generally accepted that lacquer was first used as an adhesive. Numerous ancient arrows have been found whose shafts were sealed with lacquer. Much later, in the Edo period, kintsugi was a restoration technique based on lacquer mixed with gold powder.

L’usage de la laque apparaît au Japon durant la longue période Jômon allant de 13000 à 10 ans avant notre ère. Plusieurs sites archéologiques témoignent de la qualité de ce vernis car de nombreux vases, bols et aiguières en bois d’une extrême finesse ont été retrouvés dans des zones humides. La plus ancienne pièce au monde a été découverte sur l’île de Hokkaido et remonterait à 9000 ans&nbsp;; il s’agit d’un mobilier funéraire. Hormis des armes, peu d’objets ont survécu à la période suivante (Yayoï -10 à 300 ans), mais l’ère Kofun (350-700 ans) qui la suit est particulièrement prolifique avec des vestiges en cuir ou en métal laqués ainsi que des cercueils. La démocratisation de la laque démarre pendant la période Nara au VIIIème siècle. La vaisselle en laque, jusqu’alors réservée à la noblesse, se répand grâce à une dilution de la matière première. De nombreuses estampes, la technique de laque sèche ainsi que l’art du maki-e, spécifique au Japon, apparaîssent également. Pourtant, il est communément admis que la laque a d’abord été utilisée en tant qu’adhésif. De nombreuses flèches antiques dont le fer était scellé à la tige avec de la laque ont été retrouvées. Beaucoup plus tard, à l’ère Édo, le kintsugi est la technique de restauration à base de laque mélangée à de la poudre d’or. &nbsp;&nbsp;

Many print artists have used lacquer to add relief and sophistication to their paintings. Over the years, techniques have evolved sufficiently to vary the colours. In addition to the traditional black and red, different shades of brown, vermilion, red ochre, yellow and green complete the palette, thanks to the natural products incorporated, such as iron or sulphur. Lacquer has a repellent effect and resists mould. This is why the privileged families of the aristocracy and military nobility owned lacquered furniture. It is also waterproof and withstands contact with salt, alcohol, fats and alkaline foods. The variety of lacquered tableware is immense, but the most famous are those from Kyoto and Wajima.

De nombreux artistes en estampes ont utilisé la laque pour apporter du relief et un caractère sophistiqué à leurs peintures. Au fil des ans, les techniques ont suffisamment évolué pour varier les couleurs. Au noir et au rouge traditionnels, différentes tonalités de marron, le vermillon, l’ocre rouge, le jaune et le vert viennent compléter la palette, grâce aux produits naturels incorporés, tels que du fer ou du sulfure. La laque a un effet répulsif et résiste à la moisissure. C’est pourquoi les familles privilégiées de l’aristocratie et de la noblesse militaire possédaient du mobilier laqué. Il est par ailleurs imperméable et supporte bien le contact du sel, de l’alcool, des corps gras et des aliments alcalins. Ainsi, la variété de la vaisselle laquée est immense mais les plus fameuses sont celles de Kyoto et de Wajima.

Kyoto lacquerware In constant contact with nobles and merchants, the craftsmen of Kyoto never ceased to refine their style and perfect their skills. Starting with a base of fine wood, a textile membrane made from a mixture of lacquer, starch and linen is applied layer by layer to solidify the container. A mixture of ochre powder and lacquer then forms the silhouette. Finally, layers of lacquer complete the work. These creations were considered to be works of art, and were seen as ostentatious signs of wealth, presented as gifts at business meetings or as a courtesy. In 1976, it was classified as a traditional craft product by the Japanese Ministry of Economy and Industry. Wajima lacquerware Originally from the prefecture of Ishikawa, Wajima lacquer is now part of the Tokyo tradition. The process remains the same, but is distinguished by its ancient history dating back over 6,000 years and by the use of rice glue, which streamlines production. The fact remains, however, that it too is distinguished by the same label as Kyoto lacquer, provided it meets very precise specifications. One of the things these two lacquers have in common is a specifically Japanese technique known as maki-e, which adds great aesthetic value. Simple crockery or small pieces of furniture become unique, artistic objects.

Le laque de Kyoto En contact permanent avec les nobles et les commerçants, les artisans de Kyoto n’ont cessé de raffiner leur style et de perfectionner leur savoir-faire. Partant d’une base en bois fin, une membrane textile obtenue par un mélange de laque, de fécule et de lin est posée couche après couche pour solidifier le contenant. Par la suite, une mixture de poudre d’ocre et de laque vient former la silhouette. Enfin, des couches de laque viennent parfaire l’ouvrage. Ces fabrications sont davantage considérées comme des œuvres d’art, donnant lieu à des signes ostentatoires de richesse en tant que présents lors des rencontres d’affaires ou de courtoisie. Elle sera classée en 1976 en tant que produit artisanal traditionnel par le ministère des économies et de l’industrie japonais. Le laque de Wajima Originaire de la préfecture de Ishikawa, il est issu aujourd’hui de la tradition de Tokyo. Le processus demeure le même mais se distingue par son histoire ancienne remontant à plus de 6000 ans et par l’usage de la colle de riz qui rationnalise la production. Il n’en demeure pas moins qu’il est lui aussi distingué par le même label que le laque de Kyoto à condition de remplir un cahier des charges très précis. Parmi les points communs de ces deux laques, une technique spécifiquement japonaise, le maki-e, apporte une forte valeur esthétique. La simple vaisselle ou le petit mobilier devient alors un objet unique et artistique.

Maki-e&nbsp; This art form dates back to the Heian period, between the 9th and 12th centuries, and became famous during the Edo era. It involves applying gold powder and dried lacquer to a layer of wet lacquer on a wooden core that has been lacquered several layers in advance. The motifs can be neat, shaded or gradated. The whole surface is covered with clear lacquer. Different techniques can be used to obtain a flat or raised surface, by sanding the designs or adding lacquer thickened with wood or charcoal powder. The designs are created with a brush of varying width, using lacquer mixed with powdered gold, silver, platinum, brass, copper, lead, aluminium, tin or their alloys. The variety of textures thus obtained contributes to the beauty and finesse of the work. In addition, mother-of-pearl, ivory or coral elements can be inlaid before the final coat of lacquer dries. The artist can also carve small lacquer elements in advance to complete the painting. This skill is used in conjunction with other techniques, particularly carved lacquer.

Le maki-e Cet art remonte à l’époque Heian, entre le IXème et le XIIème siècle et acquiert sa notoriété à l’ère Édo. Il consiste à apposer sur une âme en bois, préalablement laquée de plusieurs épaisseurs, de la poudre d’or et de la laque séchée sur une couche de laque humide. Les motifs peuvent être nets, nuancés ou dégradés. L’ensemble est recouvert de laque claire. Différentes techniques permettent d’obtenir une surface plane ou en relief, par ponçage des dessins ou par l’ajout de laque épaissie par de la poudre de bois ou de charbon. Les dessins sont réalisés au pinceau plus ou moins large avec de la laque mélangée à de l’or, de l’argent, du platine, du laiton, du cuivre, du plomb, de l’aluminium, de l’étain, ou de leur alliage, réduits en poudre. La variété des textures ainsi obtenues participent à la beauté et à la finesse des réalisations. En outre, avant que la dernière couche de laque ne sèche, des éléments de nacre, d’ivoire ou de corail peuvent être incrustés. L’artiste peut également sculpter par avance de petits éléments en laque et compléter le tableau. Ce savoir-faire est conjointement utilisé avec d’autres techniques, notamment avec le laque sculpté.

Carved lacquer This technique originated in China in the 7th century and is called guri in Japanese. It consists of carving a wooden work coated with several layers of lacquer, up to twenty. The surface is adorned with arabesques and motifs in relief, and different colours, resulting from layers of lacquer of varying colours, appear on objects made in this way.&nbsp; Lacquered wood sculptures and dry lacquering These two techniques are emblematic of Buddhist art and have enabled sculptures to endure through the centuries. Some are made of wood and covered with several layers of lacquer. Others are made using a more sophisticated technique, such as dry lacquer. First, modelled clay covers a wooden frame. The whole thing is then covered with superimposed layers of hemp soaked in lacquer, the process being punctuated by a systematic drying period. The clay is then removed and the remaining shell of lacquered hemp and wooden frame is sewn back together and covered with a final layer of lacquer and clay. The sculpture is finished off with wires wrapped in hemp cord and modelled using a mixture of sawdust and lacquer to add detail.

Le laque sculpté Il naît en Chine au VIIème siècle et s’appelle guri en japonais. Il consiste à sculpter un ouvrage en bois enduit de plusieurs épaisseurs de laque, pouvant aller jusqu’à une vingtaine. Des arabesques et des motifs en relief ornent la surface et de différentes couleurs étagées, résultant des couches de laques de couleurs variées, apparaissent sur des objets ainsi réalisés. Les sculptures en bois laqué et le laque sec Ces deux techniques sont emblématiques de l’art bouddhique et ont permis aux sculptures de perdurer à travers les siècles. Certaines sont en bois et recouvertes de plusieurs couches de laque. D’autres sont issues d’une technique plus sophistiquée, comme celles en laque sèche. Dans un premier temps, de l’argile modelée recouvre une armature en bois. Puis l’ensemble est recouvert de superposition de couches de chanvre imbibé de laque, le processus étant ponctué par un temps de séchage systématique. Par la suite, l’argile est retiré et l’ensemble restant constitué par la coque en chanvre laqué et l’ossature en bois est recousu puis recouvert d’une dernière couche de laque et d’argile. Des finitions sont réalisées par des fils de fer entourés de cordelettes de chanvre et modelés grâce à un mélange de sciure de bois et de laque pour apporter des détails à la sculpture. &nbsp;

The aesthetic quality of lacquer has given rise to works of art and craft products, and its durable properties have enabled them to survive the test of time. The fact that lacquer has been around for so long is testament to the variety of skills that have gone into it, as well as to its inexhaustible success. The combined value of beauty and preservation appealed to European dignitaries and merchants, who began importing works in the 16th century. Today, lacquer is passed on to the West, but we won't go into that in this diary...

Ainsi, la qualité esthétique de la laque a donné naissance à des œuvres d’art et à des produits artisanaux et ses propriétés durables leur ont permis de survivre au temps. Son ancienneté est le témoignage de savoir-faire variés et sans cesse renouvelés, ainsi que de son succès intarissable. La valeur associée de la beauté et de la préservation a séduit les dignitaires et les commerçants européens qui ont commencé à importer des ouvrages au XVIème siècle. La laque est transmise aujourd’hui en Occident mais nous n’en parlerons pas dans ce journal…&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

Je vous invite à lire le très bel article de Shiori Kishi concernant le kintsugi <a href="https://japanstories.fr/article/oow4jkarw9" target="_blank" rel="noopener noreferrer">ici</a>, ainsi que de consulter de très belles photos disponibles sur le web concernant le maki-e et les sculpture en laque sèche!

Lacquer

La laque et le laque

It happened a few days ago in my studio, just before I started my last calligraphy class of the season. My students brought champagne and we all toasted the occasion. I don't usually drink when I'm writing, but exceptionally I let myself be tempted by a glass. It was hot and humid at the time, and the freshness of the crystalline beverage was a delight. It was then that I remembered the work of Wang Xizhi. Produced in 353, the Preface to the Collection of the Orchid Pavilion is the best-known text in the history of calligraphy. According to one interpretation, this master of calligraphy wrote the poem that would become one of the most famous in the field during a very special festivity. One day, when he invited family and friends, he organised a meandering stream party during which the participants, seated on the banks of a stream, had to compose a poem before a cup of rice alcohol reached them. The production certainly merited a few technical corrections in line with the conventions of the time, but Wang Xizhy never considered that he had equalled the raw harmony of his initial work. It is the version of The Master in a drunken stupor that has come down to us and is considered to be his major work. I would have loved to have seen him achieve this feat in such a state.

Cela s’est passé il y a quelques jours dans mon atelier, juste avant de commencer mon dernier cours de calligraphie de la saison. Mes élèves ont apporté du champagne et nous avons tous trinqué pour l’occasion. Je n’ai pas l’habitude de boire quand j’écris mais exceptionnellement, je me suis laissé tenter par un verre. Il faisait alors chaud et humide, la fraîcheur du breuvage cristallin était un délice. C’est alors que je me suis rappelé le travail de Wang Xizhi. Réalisé en 353, la Préface au recueil du pavillon des orchidées est le texte le plus connu de l’histoire de la calligraphie. Selon une interprétation, ce maître de calligraphie aurait écrit lors d’une festivité très particulière le poème qui deviendra l’un des plus fameux dans le domaine. Un jour où il a invité parents et amis, il a organisé une fête de ruisseau sinueux pendant laquelle les participants, installés au bord d’un cours d’eau, doivent composer un poème avant qu’une coupe d’alcool de riz n’arrive à leur niveau. Sa réalisation méritait certes quelques corrections techniques selon les conventions de l’époque, mais jamais Wang Xizhy n’a considéré avoir égalé l’harmonie brute de son œuvre initiale. C’est la version du maître sous ivresse qui nous est parvenue et qui est considérée comme sa pièce majeure. J’aurais bien aimé le voir réaliser cet exploit dans un pareil état.

Many artists draw inspiration from the effects of alcohol, and photos of musicians drinking from the neck of a whisky bottle have always made a strong impression on me. I can understand the creativity and daring that whisky can inspire. Although I don't feel the need to drink to write, since I draw my inspiration from the sobriety of everyday life, I do appreciate the magic of intoxication, as well as the drinks I indulge in after a piece of work or during a vernissage.&nbsp; The ancient spelling of "alcohol" represents the shape of a jar. Today, I've imagined a wine barrel for my work. On this day of the solstice, I wonder if I won't soon be organising an event based on drunken calligraphy.

Beaucoup d’artistes puisent l’inspiration grâce à l’effet de l’alcool, les photos de musiciens qui boivent au goulot d’une bouteille de whisky m’ont toujours beaucoup marqué. Je conçois tout à fait la créativité et l’audace que cette boisson peut induire. Si je ne ressens pas le besoin de boire pour écrire puisque je m’inspire de la sobriété du quotidien, j’apprécie la magie de l’enivrement ainsi que les verres que je m’accorde après une réalisation ou lors d’un vernissage.&nbsp; La graphie antique d’&nbsp;«&nbsp;alcool&nbsp;» représente la forme d’une jarre. Aujourd’hui, j’ai imaginé un tonneau de vin pour mon travail. En ce jour de solstice, je me demande si je ne vais pas bientôt organiser un évènement autour de la calligraphie dans l’ivresse.&nbsp;

「酔筆のお話」 先日のアトリエでの出来事。 参加者のマダムがちょうど今季のアトリエの最終日だったので、シャンパンをアトリエにグラスと共に持参いただき、アトリエの開始前に乾杯になりました。通常、お酒を飲んで作品を書くことはないのですが、勢い余って、１杯いただきました。この日のボルドーは蒸し暑く、冷えたシャンパンが本当に美味しかったです。１杯程度でしたら、酔いませんが、いつも以上に氣分も上がってきました。この日はみんなで「祭」を元氣いっぱいに書くことができました。 そんな時に頭に過ったのは、書聖と称えられ、書の神様と言われている王羲之の蘭亭序のストーリー。３５３年の３月３日。庭園に一族や名士を招いて宴をしたお話。諸説ありますが、曲水の宴と言われる行事で、盃が自分の前に流れ着くまでに詩を作って遊ぶ宴会で、酔いながら書いたその作品は、訂正箇所もありながらも名作で、のちに清書をしても最初に書いたその下書きを超えられず、その酔っ払って書いた作品が、歴史に残る代表作になったというお話です。王羲之が酔って書いていたその姿を是非見たかったものです。 とある音楽家が楽屋でウイスキーをラッパ呑みしている写真や、お酒による酩酊が生み出すインスピレーションや芸術の形があることも知っていますが、私は素面で日々のインスピレーションを形にする制作スタイルなので、お酒は必要ありません。お酒で更に陽氣で楽しくなる魔法や、何よりも良い作品が描けた後のご褒美のシャンパン、ベルニサージュでの祝杯が大好きです。 「酒」の古代文字は酒壺の形をしています。古代中国の酒器やワインの樽を想像しながら書きました。ちょうど夏至も過ぎたので暑気払いで、この際「酔筆の会」を近々開催しようかな？と思う夏至の朝です。

Calligraphy and drunkenness

Calligraphie et ivresse

On 16 June, at the Alliance Française theatre in Paris, a Nô play was performed in French for the first time. The auditorium was packed.&nbsp; Nô is a traditional Japanese theatrical art form that was declared an Intangible Cultural Heritage of Humanity by UNESCO in 2008. The most important prop is the mask. The set is simple and unadorned. The costumes are kimonos. The result is a stage that emanates an atmosphere that is both noble and spiritual, true to the philosophy and aesthetics of Nô.

Le 16 juin, au théâtre de l’Alliance française à Paris, a eu lieu pour la première fois une pièce de Nô jouée en langue française. La salle était comble.&nbsp; Élevé au rang de patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’Unesco en 2008, le Nô est un art de théâtre traditionnel du Japon. L’accessoire le plus important est le masque. Le décor, lui, est épuré et sans fioriture. Les costumes sont des kimonos. De la scène ainsi composée émane une atmosphère à la fois noble et spirituelle, fidèle à la philosophie et à l’esthétique du Nô.

Seneca's tragedy Medea was adapted today. The Roman play, performed by the Nô, captured the audience's attention with its original staging. The characters of Jason, the governess and the messenger were played by French actors. In this living art form, the lines resonate like a melody. The sounds created by the lexicon and rhythm of the French language bathed the auditorium in an unprecedented aura, while respecting the rule of balance between silence and movement.&nbsp;&nbsp; On this day, the audience was instantly immersed in a world reputed to be hermetic. The appearance of the main character, played by Nô master Masato Matsuura, captured the audience's attention. Matsuura teaches Nô and sword techniques in France. A master of dance and martial arts, the typical movement of the foot was sublimated by his gesture, rehearsed and perfected over and over again.&nbsp; The mask intrigues, catches the eye and inspires a moment of transcendence. There is a Japanese expression, "an inexpressive face like a Noh mask". Yet depending on how it is tilted, it expresses joy or sadness. The wearer of the mask sometimes seems full of life and smiling, at other times downcast or in tears. The uniqueness of the Nô mask lies in its emotional versatility. The force of the character's mood swings throughout the play captures the audience's imagination and gets them involved.&nbsp; The performance was a great success. The hour and a half passed quickly. It presented this dramatic art in a new light and revealed a beautiful harmony between the language of Molière and the rhythm of Nô.

C’est la tragédie de Sénèque, «&nbsp;Médée&nbsp;», qui a été adaptée ce jour. La pièce romaine, interprétée par le Nô, a su capter l’attention des spectateurs par sa mise en scène inédite. Les personnages de Jason, de la gouvernante et du messager ont été joués par des comédiens français. Dans cet art vivant, les répliques résonnent telle une mélodie. Les sonorités composées par le lexique et le rythme du français ont baigné la salle d’une aura inédite, dans le respect de la règle d’équilibre entre le silence et le mouvement. &nbsp; Ce jour, le public a instantanément plongé dans cet univers réputé hermétique. L’apparition du personnage principal, joué par le maître de Nô Masato Matsuura, a capté l’attention de l’auditoire. Ce dernier transmet les techniques du Nô et du sabre en France. Maîtrisant la danse et l’art martial, le mouvement typique du pied a été sublimé par son geste maintes fois répété et perfectionné.&nbsp; Le masque intrigue, attire le regard et attise un moment de transcendance. Il existe une expression japonaise, «&nbsp;un visage inexpressif tel un masque de Nô&nbsp;». Pourtant, en fonction de son inclinaison, il exprime la joie ou la tristesse. Le porteur du masque semble tantôt plein de vie et souriant, d’autres fois abattu ou en pleurs. C’est dans cette polyvalence émotive que réside la singularité du masque de Nô. Par sa force, les mouvements d’humeur du personnage tout au long de la pièce suscitent l’imagination du spectateur et provoque son implication.&nbsp; Cette représentation a été un vif succès. L’heure et demie est passée vite. Elle a proposé cet art dramatique sous un nouveau jour et a révélé une belle harmonie entre la langue de Molière et la rythmique du Nô.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

I discovered Nihonga at the age of eighteen. It is an artistic movement founded in opposition to Western painting (Nihonga literally means "Japanese painting", translator's note) at the initiative of Kenshin Okakura and Ernest Fenollosa. I was particularly attracted by the works of Gyoshu Hayami. Nevertheless, my first discovery of Japanese painting goes back earlier. Having lived in Belgium for five years until I was eight, my mother took me to museums and churches all over Europe and I eventually got tired of oil paintings. I soon became bored with canvases with thick pigment that built up to form clumps. This is why, at the age of nineteen, when I was thinking about my artistic future, which I wanted to be both international and specific to my oriental origins, it seemed obvious to me to work with natural mineral paint. I had decided to dedicate myself to Japanese painting, even though the term "Japanese" made me uncomfortable.

J’ai découvert le Nihonga à l’âge de dix-huit ans. Il s’agit d’un courant artistique fondé en opposition à la peinture occidentale (Nihonga signifie, littéralement, «&nbsp;peinture japonaise&nbsp;», note de la traductrice) à l’initiative de Kenshin Okakura et d’Ernest Fenollosa. J’étais particulièrement attiré par les œuvres de Gyoshu Hayami. Néanmoins, ma première découverte de la peinture japonaise remonte plus tôt. Ayant vécu en Belgique durant cinq années jusqu’à mes huit ans, ma mère m’emmenait aux musées et dans des églises dans toute l’Europe et j’ai fini par me lasser des peintures à l’huile. J’ai vite été rassasié des toiles au pigment épais qui s’accumule pour former des amas. C’est pourquoi, à dix-neuf ans, lors de mes réflexions concernant mon avenir artistique que je voulais à la fois international et propre à mes origines orientales, il m’a paru évident de travailler avec de la peinture minérale naturelle. J’avais décidé de me destiner à la peinture japonaise, quand bien même la qualification de «&nbsp;japonaise&nbsp;» me gênait dans son acception. &nbsp;&nbsp;&nbsp;

Afterwards, while deepening my favourite subjects, I wanted to tackle the theme of light. Is it possible to represent on a fixed plane such as the canvas the diffusion of particles crossed by the waves of the spectrum? It was both a personal challenge and an attempt to respond to a problem common to many painters. It seemed to me that the artistic expression of light was an unavoidable issue.

Par la suite, tout en approfondissant mes sujets de prédilection, j’ai souhaité aborder le thème de la lumière. Est-il possible de représenter sur un plan fixe qu’est la toile la diffusion des particules traversées par les ondes du spectre&nbsp;? C’était à la fois un défi personnel mais également une tentative de répondre à une problématique commune à de nombreux peintres. Il me semblait que l’expression artistique de la lumière était un enjeu incontournable.&nbsp;

I then decided to transpose the radiation to the process of creation itself in order to express the appearance of light in the darkness. To do this, I painted layer after layer of Indian ink and then, in the same way, white paint made from crushed oyster shells. As I did this, I was inspired more by the formless universe preceding the light brought by God than by the luminous moment. Lao-tzu conceptualised this precedent of creation, still unnamed and devoid of any binary opposition such as heaven and earth, man and nature, subject and object, as the foundations of the East.

J’ai alors décidé de transposer le rayonnement au processus-même de création afin d’exprimer l’apparition de la lumière dans les ténèbres. Pour cela, j’ai peint couche après couche de l’encre de chine puis, de la même manière, de la peinture blanche à base de coquilles d’huîtres concassées. Au fur et à mesure de cette démarche, j’ai plus été inspiré par l’univers informe précédent la lumière apportée par Dieu que par l’instant lumineux. Lao-Tseu a conceptualisé ce précédent de la création, encore innommé et dénué de toute opposition binaire telle que le ciel et la terre, l’homme et la nature, le sujet et l’objet, comme les fondements de l’Orient.

Eight years ago, I was moved by a landscape I saw on the border between Switzerland and Italy. The cliffs, partially covered with snow, showed their harshness and seemed to evoke primitive times. It was as if I had been transported to another planet, lost in my bearings.&nbsp;Shapes and colours blended together in a chaos where all things were still incoherent and the process of creation was finally about to begin. In the relief of the slopes above me, I could see valleys carved out by torrents; it was a real staging of the beginning. My contemplation reminded me of the 13th century work, The Waterfall of Nachi. This vertical painting, anonymous and full of mystery, represents a waterfall sheltering a kami (deity). I immediately wanted to paint a scene representing only the rocks without the waterfall, i.e. a world without God in the sense of Nietzsche. By allowing the beginnings of a waterfall, or, on the contrary, its relic, to underlie it, I suggest a non-existence surrounded by existence. In a timeless landscape and a dimension prior to dichotomy, I question our contemporaneity and our position in civilization.

Il y a huit ans, j’ai été ébranlé par un paysage aperçu à la frontière entre la Suisse et l’Italie. Les falaises, partiellement enneigées, laissaient apparaître leur rudesse et semblaient évoquer les temps primitifs. J’ai été comme transporté sur une autre planète, perdu dans mes repères.&nbsp;Les formes et les couleurs se mêlaient dans un chaos où toutes choses ne formaient encore qu’incohésion et le processus de création allait commencer enfin. Dans les reliefs des flancs me surplombant, je voyais des vallées creusées par des torrents&nbsp;; c’était une véritable mise en scène du commencement. Ma contemplation m’a rappelé l’œuvre du XIIIème siècle, La cascade de Nachi. Cette peinture verticale, anonyme et pleine de mystères, représente une cascade abritant un kami (divinité, ndt). J’ai tout de suite voulu peindre une scène ne représentant que les rochers sans la cascade, c’est-à-dire un monde sans Dieu au sens de Nietzsche. En laissant ainsi sous-tendre les prémices d’une cascade, ou bien au contraire, sa relique, je suggère une inexistence entourée d’existence. Dans un paysage intemporel et une dimension antérieure à la dichotomie, je remets en question notre contemporanéité et notre positionnement dans la civilisation.&nbsp;

Through the natural scenes of snow-capped mountains, cliffs and rocks that I depict in detail, I would like to elicit an interpretation of non-existence, which for me is far more relevant, and glimpse the absence of man and time. The "ultimate emptiness of intrinsic realities" in Buddhism is not synonymous with "emptiness" but rather with a potential world prior to any materialisation. Perhaps it is the perspective of a newborn life beyond time and death, or the historical conception of the living.

Au travers des scènes naturelles de montagnes enneigées, de falaises et de rochers que je dépeints avec détails, j’aimerais susciter une interprétation de l’inexistence, qui pour moi est bien plus pertinente, et entrevoir l’absence de l’homme et celle du temps. La «&nbsp;vacuité ultime des réalités intrinsèques&nbsp;» dans le bouddhisme n’est pas synonyme de «&nbsp;vide&nbsp;» mais bien celui d’un monde potentiel antérieur à toute matérialisation. Peut-être s’agit-il de la perspective d’une vie naissante par-delà le temps et la mort, ou de la conception historique du vivant.

Gauguin's approach to landscape painting reveals an existential questioning of our origins, our destiny and our identity. It is only by observing death, i.e. absence, that it becomes possible to envisage a future. In my opinion, it is in the questioning of our relationship to the world that art finds its essence. Nihonga is not only "Japanese painting" but, more truly, the expression of a temporal journey into the memories of the world and of humanity.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

La peinture de paysages telle que l’a envisagée Gauguin révèle un questionnement existentiel sur nos origines, notre destinée et notre identité. Ce n’est qu’en observant la mort, c’est-à-dire l’absence, qu’il devient possible d’envisager un avenir. Selon moi, c’est dans le questionnement sur notre rapport au monde que l’art trouve son essence. Le Nihonga n’est pas seulement «&nbsp;la peinture japonaise&nbsp;» mais, plus véritablement, l’expression d’un voyage temporel dans les mémoires du monde et de l’humanité.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

NIHONGA

日本画

Painting existence out of non-existence

Peindre l’existence de la non-existence

Pleasure gardens seem to be a cultural representation of the notion of space and an aesthetic of nature. Botanical knowledge and landscaping techniques allow the staging of an artificial plant world. The laws of composition differ from one country to another.&nbsp; The Japanese garden is loved and respected for its spiritual symbols and aesthetic calm.&nbsp;The inhabitants of the archipelago rest there during a visit to the temple, stroll there after a traditional meal or admire it during a meditation. Present in various places, both private and public, it can be visited in temples, castles, public parks and can be viewed from traditional inns or private homes. This attachment can perhaps be explained by the long history of this man-made plant world.

Les jardins d’agrément semblent refléter une représentation culturelle de la notion d’espace et d’une esthétique de la nature. Les savoirs botaniques et les techniques paysagères permettent une mise en scène d’un univers végétal artificialisé. Les lois de composition diffèrent d’un pays à l’autre, je vous propose aujourd’hui de découvrir celles du Japon.&nbsp; Le jardin japonais est affectionné et respecté pour ses symboles spirituels et son calme esthétique. Les habitants de l’archipel s’y reposent au détour d’une visite au temple, y déambulent après un repas traditionnel ou l’admirent le temps d’un recueillement. Présents dans divers lieux, aussi bien privés que publics, il se visite dans les temples, les châteaux, les parcs publics et se laisse regarder depuis des auberges traditionnels ou des demeures privées. Cet attachement s’explique peut-être par la longue histoire qu’a traversée cet univers végétal façonné par l’homme. &nbsp;

The first outlines of gardens appear in antiquity, during the Jomon period around 300 BC. Gravel and sand were used to delimit sacred spaces from agricultural land. Natural elements such as trees, pebbles or waterfalls were borrowed for religious ceremonies, while rocks sheltered the kami, the deities of nature. It was between the 6th and 8th centuries that the first real gardens appeared. The oldest attested garden, which no longer exists today, dates back to 612. An artificial lake was built around an island on which stands a representation of Mount Meru, a mythical mountain considered as the axis of the world in various oriental mythologies, including Buddhism. A bridge provides access to the lake.

&nbsp;Les premières ébauches de jardin apparaissent dans l’Antiquité, durant la période Jomon vers -300 ans. Les graviers et le sable sont utilisés afin de délimiter les espaces sacrés des terres agricoles. Les éléments naturels tels que les arbres, les galets ou les chutes d’eau sont empruntés pour des cérémonies religieuses, tandis que les rochers abritent les kami, les divinités de la nature. C’est entre le VIème et le VIIIème siècles que les premiers véritables jardins apparaissent. Le plus ancien attesté mais qui n’existe plus aujourd’hui remonte à 612. Un lac artificiel était aménagé autour d’une île sur laquelle se dresse la représentation du Mont Meru, une montagne mythique considérée comme l’axe du monde dans différentes mythologies orientales, dont celle du bouddhisme. Un pont en permet l’accès.&nbsp;

The first Japanese style accompanied the architecture of the imperial residences of the Heian era between 794 and 1185. Strongly influenced by Chinese geomancy (feng-shui), the cardinal points determine the location of the buildings and the spaces surrounding them. To the south of the main building is a sandy courtyard and then a pond around which the components of the garden are organised: an island symbolising the world of the immortals is set up in the centre of the water and a bridge connects it to the land.&nbsp;The gardens of this period are marked by asymmetry, refinement, the melancholy of impermanence, and the Japanese aesthetic and spiritual concept of Mono no Aware, which defines sensitivity to the ephemeral and empathy towards things.

Le premier style japonais accompagne l’architecture des résidences impériales de l’ère Heian entre 794 et 1185. Fortement marqué par la géomancie chinoise (feng-shui), les points cardinaux déterminent l’emplacement des bâtiments et des espaces qui les entourent. Au sud de la bâtisse principale se trouve une cour de sable puis une mare autour de laquelle s’organisent les composants du jardin&nbsp;: une île symbolisant le monde des immortels est dressée au centre du plan d’eau et un pont la relie à la terre. &nbsp;Les jardins de cette époque sont marqués par l’asymétrie, le raffinement, la mélancolie liée à l’impermanence, et le concept esthétique et spirituel japonais de Mono no Aware définissant la sensibilité pour l’éphémère et l’empathie envers les choses. &nbsp;

The following period was marked by the development of Zen Buddhism. The first Zen gardens were designed to develop an atmosphere conducive to calm and meditation. Flowering plants were replaced by evergreen trees and the landscape ambition shifted. Symbolism replaces mimicry, the challenge being to represent the entire universe in the garden through abstraction and metaphor. At first it was the high priests who designed the gardens, but little by little the profession became more professional. With the help of the monks, who were more egalitarian than the rest of society, the gardeners gained real recognition despite their low caste status. Moreover, the progressive ascendancy of the military nobility led to a style opposite to that of the monks. The gardens were considered to be objects of contemplation and were designed for their visual appeal, like paintings. The meditative place was thus transformed into an open-air terrarium.

La période qui suit est marquée par le développement du bouddhisme zen. Les premiers jardins zen sont conçus afin de développer une atmosphère propice au calme et à la méditation. Ainsi, les plantes à fleurs sont remplacées par des arbres persistants et l’ambition paysagère se déplace. Le symbolisme se substitue au mimétisme, l’enjeu étant de représenter l’univers entier dans le jardin grâce à l’abstraction et à la métaphore. Ce sont d’abord les grands prêtres qui dessinent les jardins mais peu à peu, le métier se professionnalise. Aidés par les moines plus égalitaires que le reste de la société, les jardiniers acquièrent une véritable reconnaissance malgré leur appartenance à une basse caste. Par ailleurs, l’ascendance progressive de la noblesse militaire oriente un style opposé à celui des moines. Les jardins sont considérés comme des objets de contemplation et sont conçus pour leur attrait visuel, tels des tableaux. Le lieu méditatif se transforme ainsi en terrarium à ciel ouvert.&nbsp;

Subsequently, the development of the tea ceremony greatly influenced the aesthetics of gardens, which were seen as the transition from the outside world to an enclosed space dedicated to introspection. Indeed, the wabi-sabi movement, which initiated a new codification of the tea ceremony, rejected artifice and emphasised simplicity with the concept of "sober refinement" (sabi). The garden is therefore considered the ideal environment for the meditative aspect of the ceremony.

Par la suite, le développement de la cérémonie du thé influence largement l’esthétique des jardins, lesquels sont considérés comme la transition du&nbsp;monde extérieur à un espace clos dédié à l’introspection. En effet, le mouvement wabi-sabi, qui initie une nouvelle codification de la cérémonie du thé, rejette les artifices et met en valeur la simplicité avec le concept de «&nbsp;raffinement sobre&nbsp;» (sabi). Le jardin est dès lors considéré comme l’environnement idéal pour la dimension méditative de la cérémonie.&nbsp;

The first strolling gardens were built during the Kamakura period (1185-1333) and reached their peak during the Edo period when the feudal lords and all the merchants and craftsmen prospered. The wealthiest had them built on their estates or in their gardens and strolled through reproductions of Chinese or Japanese panoramas. Small gardens, like those for the tea ceremony, also developed in town houses.&nbsp; Finally, from the Meiji era (1868-1912) to the present day, Western motifs are integrated. Japanese and Western forms coexist; open lawns and a wide variety of plants are found in various places: hotels, spas and shopping centres. Public gardens are not left out, with the hanami held every year in the spring during picnics at the foot of the cherry trees.

Les premiers jardins de promenade sont construits pendant l’époque Kamakura (1185-1333) et atteignent leur apogée à l’ère Edo où les seigneurs féodaux et l’ensemble des marchands et des artisans prospèrent. Les plus aisés en font construire sur leur domaine ou leur jardin et flânent à travers les reproductions de panoramas de Chine ou du Japon. De petits jardins, à l’image de ceux de la cérémonie du thé, se développent également dans les maisons de ville. Enfin, depuis l’ère Meiji (1868-1912) jusqu’aujourd’hui, les motifs occidentaux sont intégrés. Les formes japonaises et occidentales coexistent&nbsp;; des pelouses dégagées et une grande variété de plantes parsèment les parcelles végétales de différents lieux: les hôtels, les stations thermales ou encore les centres commerciaux. Les jardins publics ne sont pas en reste, avec le hanami qui s’organise tous les ans au printemps à l’occasion de pique-nique aux pieds des cerisiers. &nbsp;&nbsp;

In order to understand the Japanese garden, it is also necessary to know the means used to integrate a representation of nature in a limited area.&nbsp; First of all, garden architecture was adapted to the Japanese geography. The temperate and humid climate shaped the styles, which were constantly marked by the four distinct seasons, and offered a floral variety that enriched the compositions. The volcanic massifs with their narrow valleys and winding sea coasts have favoured the harmony of gardens with the contours of the land and an aesthetic of asymmetry. The natural landscapes are all motifs.&nbsp; In addition, three main principles govern the scenic composition: the miniaturisation of the universe, symbolism and the capture of landscapes. The first is used to represent nature in the dedicated space, the second recalls the religious function and the last allows the garden to be inserted into the larger setting by blurring the border.&nbsp; Finally, according to the aesthetic rules governing their arrangement, several elements stage motifs inspired by natural landscapes. They are organised around the place from which the garden is intended to be seen. Rocks, trees, water, sand and gravel reproduce mountains, rivers, forests and seas. Paths, borders and decorations such as lanterns, pagodas, statues, bridges and pavilions are also arranged to give more volume. Animals such as koi carp (which also serve to limit aquatic vegetation), waterfowl, turtles and frogs complete the world.

Pour comprendre le jardin japonais, il faut aussi connaître les moyens employés dans le but de représenter la nature dans une superficie limitée. Tout d’abord, l’architecture des jardins s’est adaptée à la géographie japonaise. Le climat tempéré et humide a façonné les styles, sans cesse marqués par les quatre saisons bien distinctes, et a offert une variété florale qui a enrichi les compositions. Les massifs volcaniques parcourus d’étroites vallées et les côtes maritimes sinueuses ont favorisé l’harmonie des jardins au contour du terrain et une esthétique de l’asymétrie. Les paysages naturels sont autant de motifs. Par ailleurs, trois grands principes régissent la composition&nbsp;scénique: la miniaturisation de l’univers, le symbolisme et la capture de paysages. Le premier sert à représenter la nature dans l’espace dédié, le deuxième rappelle la fonction religieuse et le dernier permet d’insérer le décor dans l'environnement naturel en floutant la frontière. Enfin, selon des règles esthétiques qui gouvernent leur agencement, plusieurs éléments mettent en scène les motifs inspirés de paysages naturels. Ils sont organisés autour du lieu depuis lequel le jardin est destiné à être vu. Des rochers, des arbres, de l’eau, du sable et des graviers reproduisent les montagnes, les forêts, les rivières et les mers. Des chemins, des bordures et des décors tels que des lanternes, des pagodes, des statues, des ponts et des pavillons sont disposés également pour donner plus de relief. Des animaux, tels que les carpes koï (qui servent aussi à limiter la végétation aquatique), du gibier d’eau, des tortues et des grenouilles viennent parfaire l’univers du vivant.&nbsp; Ainsi, le jardin japonais propose un monde naturel idéalisé en limitant les artifices.

The Japanese garden, the universe in miniature

Le jardin japonais, l'univers en miniature

I just came back from Japan. Whether in Tokyo or in the countryside, I had the chance to admire beautiful little bamboo shoots as well as their majestic elders. In spring, Japanese cuisine is rich in flavors. One of the most delicate dishes is bamboo shoot. Harvested on the very same morning, it is eaten raw, boiled in a clear soup, grilled, steamed, or fried. It also wonderfully complements rice, with which it is cooked in a pot. During my stay, my brother, who is a chef, prepared some young shoots for me in a very mild crab broth. It was delicious.

Je reviens du Japon. Que ce soit à Tokyo ou en province, j’ai eu la chance d’admirer de jolies petites pousses de bambous ainsi que leurs majestueux aînés.&nbsp; Au printemps, la cuisine japonaise est riche en saveurs. L’un des mets les plus délicats est la pousse de bambou. Récoltée le matin même, on la mage crue, bouillie, dans une soupe claire, grillée, cuite à la vapeur ou frites. Elle agrémente également à merveille le riz avec lequel elle cuit à l’étouffé. Lors de mon séjour, mon frère cuisinier m’a préparé quelques jeunes pousses dans un bouillon de crabe très doux. C’était délicieux.&nbsp;

Bamboo is gladly enjoyed as food, but it is also present in various everyday objects through its representation in patterns. Indeed, it enjoys the best auspices thanks to its attributes. It is sturdy and grows straight towards the sky. Hollow inside, it has nothing to hide. Its leaves are green all year round, and its roots connect it to its peers.

Le bambou se déguste volontiers mais il est présent également dans divers objets du quotidien à travers sa représentation dans les motifs. En effet, il bénéficie des meilleurs auspices grâce à ses attributs. Il est robuste et pousse droit vers le ciel. Creux en son sein, il n’a rien à cacher. Ses feuilles sont vertes toute l’année et ses racines le relient à ses congénères.&nbsp;

Even when I was a student, I enjoyed writing with a bamboo brush. When I see them today in stationery stores, I can't help but get some. Its handle is pleasant to the touch and allows for a stable grip, making calligraphy even more enjoyable to perform. Thus, the beauty of bamboo is appreciated through the senses of taste, sight, and touch.

Déjà quand j’étais étudiant, j’appréciais écrire au pinceau en bambou. Lorsque j’en vois aujourd’hui dans les papeteries, je ne peux m’empêcher de m’en procurer. Son manche est agréable au toucher et permet une prise en main stable, la calligraphie n’en est que plus agréable à réaliser.&nbsp; Ainsi, la beauté du bambou s’apprécie avec les sens du goût, de la vue et du toucher.&nbsp;&nbsp;&nbsp;

縁起の良い植物「竹」 先日、日本に一時帰国をしていました。 都内でも地方でも散歩中によく、可愛らしい筍や美しい竹林の姿を見る機会に恵まれました。 春の日本で楽しみな絶品ご飯といえば、この時期は日本料理屋さんで必ず出てくる旬の筍。朝堀りの筍のお刺身から、お吸い物、若竹煮、焼き物、蒸し物、天ぷら、〆の筍ご飯などを美味しくいただきました。他の野菜と比べて、これほどの調理法がある野菜も珍しいですよね。 また「竹」は吉祥の文様としても生活に身近なものです。幹が真っ直ぐで天に向かい伸び、堅くしっかりしていて、中は空洞で隠すことがなく、葉も一年を通して常に美しい青い葉をつけ、根を張って群生することから沢山の縁起がつまっています。 学生時代から竹でできた筆で作品を書くことも多く、書道具屋さんで見つけるとついつい購入してしまいます。程よい硬さもあり、筆触も安定しますし、なんとも言えない書き心地の良さ。 春の訪れを感じさせる筍は見た目も味も、そして竹筆は書き心地も最高です。

Bamboo, a plant of good omen

Le bambou, une plante de bon augure

We walk over manholes without paying attention to them. In France, they are discreet and part of the décor. Robust and reliable, they stick to their functional role. Did you know that in Japan there are aficionados of these plates? Domestic and foreign tourists alike stop in the middle of the road to admire some of them. And for good reason, they are so attractive that they catch the eye and are worth a look.

Les bouches d’égout, on les piétine sans y prêter attention. En France, elles sont discrètes et font partie du décor. Robustes et fiables, elles s’en tiennent à leur rôle fonctionnel. Savez-vous qu’au Japon, il existe des aficionados de ces plaques&nbsp;? Les touristes nationaux comme étrangers s’arrêtent au milieu de la route pour en admirer quelques-unes. Et pour cause, elles sont tellement attrayantes qu’elles attirent le regard et méritent le détour.

Today, the oldest sewage outlet still in use is in Hakodate, one of the largest cities in Hokkaido Prefecture. However, the first one to be installed in Japan, in 1885, was in Tokyo. It existed until the 2000s before being replaced for safety reasons.&nbsp;Indeed, with the increase in car traffic and the growth of heavy goods transport, this urban equipment has evolved. Lighter and lighter but increasingly robust, it must now support a weight of twenty-five tonnes and be able to let out the pressure of water and air. It has a life expectancy of fifteen years under heavy use, but the average is thirty years. The plates are manufactured in foundries and ordered by municipalities, prefectures and electricity and gas suppliers. Today there are more than 15 million of them in Japan.

Il existe aujourd’hui à Hakodate, l'une des plus grandes villes de la préfecture de Hokkaido, la plus ancienne bouche d’égout encore utilisée. Néanmoins, la première à avoir été posée au Japon, en 1885, se trouve à Tokyo. Elle a existé jusque dans les années 2000 avant d’être remplacée pour des raisons de sécurité.&nbsp; En effet, avec l’augmentation de la circulation automobile et la croissance des transports de marchandises en poids lourds, cet équipement urbain a évolué. De plus en plus léger mais de plus en plus robuste, il doit supporter aujourd’hui un poids de vingt-cinq tonnes et être en mesure de laisser échapper la pression de l’eau et de l’air. Son espérance de vie est de quinze ans lorsqu’il est fortement sollicité mais sa moyenne est de trente ans. Les plaques sont fabriquées dans des fonderies et commandées par les communes, les préfectures et les fournisseurs d’électricité et de gaz. Aujourd’hui il en existe plus de quinze millions dans tout le Japon.

Since the 1960s, large cities have been putting their coat of arms on manholes. In the 1980s, an official from the Ministry of Construction, wishing to raise public awareness of urban hygiene, began to design the manhole covers. From now on, each municipality will have its own design and will use the manhole cover as a tourist promotion medium. For this purpose, the municipality calls upon the creativity of its officials, subcontractors or directly upon the taxpayers who send in their proposals. Very often, the designs represent the assets of the city; a historical monument, a local speciality, emblematic animals or plants. Sometimes famous mascots adorn the round cast iron. The aesthetic diversity has attracted the attention of the local population and visitors, so that many local institutions, both public and private, have been riding the wave. Trading cards were published and a photo collection was produced. Replaced, sometimes stolen, plates are now on the second-hand market and are being sold at auction.

Depuis les années soixante, les grandes villes apposent leur blason sur les bouches d’égout. C’est dans les années quatre-vingt qu’un responsable du ministère de la Construction, souhaitant sensibiliser le grand public à l’hygiène urbaine, que les bouches d’égout ont commencé à se styliser. Désormais, chaque municipalité aura droit à son propre design et fera de la plaque d’égout un support de promotion touristique. Pour cela, elle fait appel à la créativité de ses agents, à des sous-traitants ou bien directement aux contribuables qui envoient leur proposition. Très souvent, les dessins représentent les atouts de la ville&nbsp;; un monument historique, une spécialité locale, des animaux ou des plantes emblématiques. Parfois, de célèbres mascottes ornent la fonte ronde. La diversité esthétique a su attirer le regard de la population locale et des visiteurs, si bien que de nombreuses institutions locales, publiques et privées ont surfé sur la vague. Des cartes à collectionner ont été éditées et un recueil de photo a été publié. Des plaques remplacées, parfois volées, se retrouvent sur le marché de la seconde main et se vendent aux enchères.&nbsp;

However, there are many technical issues involved in the manufacture of these cast iron "canvases". When cast, they must comply with a set of specifications that must respect numerous regulations in order to ensure the safety of pedestrians and the maintenance of pre-existing infrastructures. The design must not obstruct the grooves for optimal water flow or cause vehicles to skid unexpectedly.

Toutefois, de nombreux enjeux techniques interviennent dans la fabrication de ces «&nbsp;toiles&nbsp;» en fonte. Moulées, elles doivent obéir à un cahier des charges qui doivent respecter de nombreuses réglementations afin d’assurer la sécurité des piétons et le maintien des infrastructures préexistantes. Le design ne doit pas entraver les sillons permettant un écoulement des eaux optimal ou être à l’origine des dérapages inopinés des véhicules. &nbsp;

If you are touring Japan, don't forget to look where you are walking, there may be an artistic surprise under your feet!

Si vous faites un tour au Japon, n’oubliez pas de regarder là où vous marchez, une surprise artistique se trouve peut-être sous vos pieds&nbsp;!&nbsp;

De l'art en fonte... Quand les bouches d'égout font des rues un musée à ciel ouvert

I went to London a few days ago. I hadn't been there for five years. On a street corner, I came across a cherry tree whose blossoms seemed to smile at me.&nbsp; As you know, cherry trees have a special place in the hearts of the Japanese. They are mentioned in Japanese poetry anthologies such as Man'yoshu or Kokin wakashu.

Je suis allé à Londres il y a quelques jours. Cela faisait cinq ans que je ne m’y étais pas rendu. Au coin d’une rue, j’ai croisé un cerisier dont les fleurs épanouies avaient l’air de me lancer un sourire.&nbsp; Comme vous le savez, les cerisiers ont une place toute particulière dans le cœur des Japonais. Ils sont évoqués dans les anthologies de poésies japonaises comme le Man’yoshu ou le Kokin wakashu.

I remembered a waka (Japanese poetry, translator's note) by Ki no Tsurayuki, poet and compiler of the Kokinwakashu, whom I like very much. "Cherry blossom petals still fall in the wind and dot the waterless sky." This poem illustrates the petals of cherry blossoms, carried by the wind, dancing in the sky and compares them to a wave rising in the ocean. The poem depicts the splendour of cherry blossoms and the carpet of petals on the ground. As a child, I did not pay attention to it, but as I grow older, I become more sensitive to this beauty.

Je me suis rappelé un waka (poésie japonaise, note de la traductrice) de Ki no Tsurayuki, poète et compilateur du Kokinwakashu, que j’aime beaucoup. &nbsp; «&nbsp;Le vent qui disperse les fleurs de cerisier a laissé en souvenir ces vagues qui s'élèvent dans un ciel pourtant sans eau&nbsp;» traduction de Michel Vieillard-Baron Ce poème illustre les pétales de fleurs de cerisiers, emportés par le vent, qui dansent dans le ciel et les comparent à une vague qui s’élève dans l’océan. On y lit la splendeur des fleurs de cerisier et le tapis formé au sol par leurs pétales. Enfant, je n’y prêtais pas attention mais avec l’âge, je deviens plus sensible à cette beauté.&nbsp;

Another memory came back to me. I was a student when I went to an ikebana exhibition. I asked the artist what flowers she liked, and she replied, "What is beautiful is the look of a flower that is fading. This struck me.&nbsp; Every year in spring, the theme of my work is the cherry tree. The flowers are in full bloom in my studio. Hanami is spectacular in any season.

Un autre souvenir m’est revenu. J’étais étudiant quand je me suis rendu à une exposition d’ikebana. J’avais demandé à l’artiste quelles fleurs elle aimait, ce à quoi elle m’avait répondu&nbsp;: «&nbsp;Ce qui est beau, c’est l’allure d’une fleur qui se fane.&nbsp;» Cela m’avait percuté.&nbsp; Tous les ans durant le printemps, le thème de mon travail est le cerisier. Les fleurs sont pleinement écloses dans mon atelier. Le hanami est spectaculaire quelle que soit l’époque.&nbsp;

「春の風景」 先日、５年ぶりにロンドンに出掛けてきました。 道端でちょうど笑顔満開に咲いている桜と目が合いました。 ご存知の通り、古今和歌集や万葉集などでも詠まれているほど、古くから日本で愛され続けている花です。 大好きな紀貫之の和歌を思い出しました。 「桜花散りぬる風の名残には水なき空に波ぞたちける」 風に舞い散る桜の花びらが、あたかも大空に波が立っているように見えると、詠まれた歌です。桜の散り際の美しさ、桜の花びらの絨毯。小さい頃は花が散る姿には全然興味がなかったのですが、歳を重ねるとその美しさに惹かれている自分がいます。 大学時代、個展会場に花を生けている女性に、「どんな花が好きですか？」と質問した際、「枯れゆく花の姿が美しいんだよ」と返答されたことが凄く記憶に残っており、そのことも思い出しました。 そして、この時期のアトリエのお題も毎年「桜」です。 教室に飾る参加者さんたちの桜も満開。いつの時代も花見は最高ですね。

Spring landscape

Paysage printanier

Connu en France pour ses romans, Tsuji est aussi un musicien de talent. Pour ce concert exceptionnel à l’Olympia prévu le 29 mai 2023, il sera entouré de musiciens parisiens, amis de longue date. Émotion et poésie sont à prévoir... Chanteur du groupe de&nbsp;rock ECHOES&nbsp;dans les années 80,&nbsp;Tsuji&nbsp;crée ensuite le groupe ZAMZA et sort un album aux États-Unis où il part deux fois en tournée. Aujourd’hui, tel un troubadour, « TSUJI » se produit régulièrement en solo avec des chansons aux textes ciselés ! Tsuji sera accompagné par plusieurs amis musiciens parisiens. Ensemble, ils vont interpréter les tubes du chanteur, ainsi que des standards de la chanson japonaise et française. Un moment de poésie et d’émotion à savourer sans modération pour tous les amateurs de musique nippone.

Interview de TSUJI 👇 <a href="https://www.jame-world.com/fr/article/162639-interview-avec-tsuji.html" target="_blank" rel="noopener noreferrer">https://www.jame-world.com/fr/article/162639-interview-avec-tsuji.html</a>

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TSUJI, LE POÈTE JAPONAIS À L'OLYMPIA LE 29 MAI 2023 ! 

During my high school years, I went every Wednesday evening to Mrs Gyogetsu Akasaka's calligraphy classes. After a year of learning and copying traditional models, my teacher suggested that I paint a kanji that I liked. It is difficult to think of a single ideogram. That's why I chose one of the characters of my first love's name. I couldn't tell my teacher why I chose it, but I remember telling him the etymology. The world of kanji was becoming more and more attractive to me and I would invite my friends over for a calligraphy activity. I enjoyed taking the brush and writing their favourite kanji. During these sessions, I had the impression of getting closer to them by probing their souls; the ice was broken.

Lors de mes années de lycée, je me rendais tous les mercredis soir chez Madame Gyogetsu Akasaka pour ses cours de calligraphie. Au bout d’un an d’apprentissage où je copiais des modèles traditionnels, mon professeur m’a suggéré de peindre un kanji (signe issu des caractères chinnois, ndt) que j’aimais. Il est difficile de penser à un seul idéogramme. C’est pourquoi j’ai choisi l’un des caractères du prénom de mon premier amour. Je n’ai pas pu dire à mon professeur la raison de ce choix mais je me rappelle lui avoir exposé son étymologie. L’univers des kanji me séduisait de plus en plus et j’invitais mes amis à la maison le temps d’une activité calligraphique. Je prenais alors plaisir à prendre le pinceau pour écrire leurs kanji préférés. Lors de ces séances, j’avais l’impression de me rapprocher d’eux en sondant leur âme&nbsp;; la glace était rompue.

For some time now, I have been asked to write 笑, the character of laughter. It is in the top three. "I would like my home to be bathed in laughter", "A drawing that floods with laughter", "A jovial and sunny calligraphy" are recurring commissions, probably related to the moribund current events. I cannot count how many I have painted 笑. The etymology of 笑 is found in the graphic symbol representing a long-haired priestess. Furthermore, the ancient character of "laugh" is identical to "bloom". Thanks to spring, we will have many opportunities to smile every time we admire the blooms. Our smiles will bloom as much as the flowers.&nbsp; This is what I tell myself as I look at the plum blossoms in the hallway.

Depuis quelques temps, on me demande souvent d’écrire 笑, le caractère du rire. Il fait parti du top 3. «&nbsp;J’aimerais que mon foyer soit baigné de rires&nbsp;», «&nbsp;Un dessin qui inonde de rires&nbsp;», «&nbsp;Une calligraphie joviale et solaire&nbsp;» sont des commandes récurrentes, probablement liées à l’actualité moribonde. Je ne saurais compter combien j’ai peint 笑. L’étymologie de 笑 se trouve dans le symbole graphique représentant une prêtresse aux cheveux longs. De plus, le caractère ancien de «&nbsp;rire&nbsp;» est identique à «&nbsp;fleurir&nbsp;». Grâce au printemps, nous aurons maintes occasions à sourire à chaque fois que nous admirerons les floraisons. Nos sourires s’épanouiront autant que les fleurs. C’est ce que je me dis en contemplant les fleurs de prunier qui se trouvent dans l’entrée.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;

「あなたの好きな漢字は何ですか？」 高校時代、書道のお稽古は毎週水曜日の夜に赤塚暁月（Mme.Gyogetsu Akatsuka ）先生のご自宅に通っていました。 通い始めてから、１年くらい経った頃でしょうか、基本の古典の臨書以外に、「あなたの好きな漢字を書いてきなさい」と突然、創作のレッスンが始まりました。いきなり好きな漢字、一字と言われると困りますよね。はじめに書いたその文字はその時に片思いしていた男の子の名前の一文字を書きました。先生には正直にその選んだ理由を言えませんでしたが、その漢字の語源を調べて、正当な理由を伝えていたように思います。それから書の世界に魅せられて、自宅に友人を招いては一緒に書道をしたり、好きな文字を書いてあげる機会が増えました。その人の内面に触れられるその機会は、心の中を覗いてみられるメガネのようなもので、お互いの距離が縮まり、その垣根がなくなる瞬間です。 ここ数年で人氣のリクエストの文字、おそらくベスト3の一つに「笑」があります。自宅に「笑いが欲しい」「笑顔の溢れる一枚」「陽氣で明るい書」が求められる機会が増えております。今まで何枚書いたんだろうか、その「笑」という漢字。 「笑」の語源は髪を長くした若い巫女の象形で、笑うという意味を表します。また「笑う」の古字は花が開く時に使う「咲く」と同じで、これからの季節、花が開花するたびに、花を愛でるたびに、こちらの笑顔も満開になりますね。玄関先に咲く満開の梅の花を眺めながら。

What is your favourite kanji?

Quel est votre kanji préféré ?

It is impossible to talk about France without mentioning holidays, so important are they to its inhabitants. Living in Bordeaux, my companion and I have our own habits on the beaches of the Atlantic Ocean, which are only an hour away. We are also not far from the Basque country, with its gastronomic traditions that are among the most remarkable in Europe, or from Spain. Every year, we also travel to the Mediterranean coast, to Sitges to be precise, where we take pleasure in recharging our batteries. As you can see, we are more sea than mountain.

Il est impossible de parler de la France sans évoquer les vacances, tant elles sont importantes pour ses habitants. Vivant à Bordeaux, mon compagnon et moi avons nos habitudes sur les plages de l’océan Atlantique, situées à une heure de route. Nous ne sommes pas loin non plus du pays basque, avec ses traditions gastronomiques comptant parmi les cuisines remarquables d’Europe, ou de l’Espagne. Tous les ans, nous nous rendons aussi sur la côte méditerranéenne, plus précisément à Sitges, où nous prenons plaisir à nous ressourcer. Vous l’aurez compris, nous sommes plus mer que montagne. &nbsp;

However, this winter we were invited by a cousin to join her in the Pyrenees. This is the first time I have climbed a snow-covered mountain since moving to France. Between the view of the Pic du Midi, the starry sky and the beauty of the dawn, the constant proximity to nature leaves us in contemplation of the most beautiful things. I didn't think it was possible to admire such breathtaking landscapes only three hours away.

Pourtant, cet hiver, nous avons été invités par une cousine à la rejoindre dans les Pyrénées. C’est la première fois pour moi que je gravis une montagne enneigée depuis mon installation en France. Entre la vue sur le pic du Midi, le ciel étoilée et la beauté de l’aurore, la constante proximité avec la nature nous laisse dans la contemplation de ce qu’il y a de plus beau. Je ne pensais pas qu’à trois heures de route seulement, il était possible d’admirer des paysages si époustouflants.

When I see the mountains from our cottage, I am reminded of the ancient syntax of "mountain". This would have taken shape from the silhouette of three mountains lining up. I was lost in my reverie as I imagined the Chinese ancestors looking at the Himalayan peaks. While we were talking as a family about the origin of this character, the sun was setting.

Lorsque je vois les montagnes depuis notre chalet, je me rappelle le sinogramme ancien de «&nbsp;montagne&nbsp;». Ce dernier aurait pris forme à partir de la silhouette de trois monts qui s’alignent. Je me perds ainsi dans mes rêveries en imaginant les ancêtres chinois observant les sommets de l’Himalaya. Tandis que nous échangeons en famille sur l’origine de ce caractère, le soleil se couche...

「ピレネーの山々を眺めながら」 フランスに住めば住むほど実感するバカンスなしにフランスを語れないほど、バカンスはフランス人にとって最重要項目です。私たちはバカンス以外でも週末に時間を見つけては年中、海に行くほどの海派です。ボルドーの自宅から1時間で行ける大西洋。南西ボルドーはスペイン寄りでもあるので、バスク地方も最高。ヨーロッパでも有数の美食の地でもありますね。そして毎年恒例の地中海。バルセロナの近くにあるシッチェスでその自然の美しさを味わいながら深呼吸をしています。 今回はパートナーの従姉妹家族に誘われてピレネーに行ってきました。フランスに住んで初めての雪山の体験でした。車で３時間。想像以上の絶景で、ケーブルカーやピク・デュ・ミディ天文台からの眺めも、満点の星降る夜もドラマチックな朝焼けも、自然がいつも私たちにその美しさを教えてくれます。滞在していた山小屋から見た山々を眺めながら、その姿が漢字の「山」の古代文字と同じであることを思い出しました。山の象形文字は正しく山の形にかたどり、三つ連なってできた様子からできたようです。古代人は、中国大陸からヒマラヤ山脈を見ていたのでは？と、時空を超えて古代人の想いにも重ねながら、見入っていました。そんな話を従姉妹の家族と楽しみながら、夜は更けてゆきました。

View of the Pyrenees

Vue sur les Pyrénées

Twelve years have passed since the great earthquake of 2011. I dedicated my youth to the restoration of the Ohori Soma pottery when I was still a novice. I worked hard and achieved everything I could. I developed sales channels, developed products and recruited staff. Not everything went according to plan, and looking back, I think I had more disappointment than success. Most importantly, I no longer have to worry about the tradition fading away.

Douze années se sont écoulées depuis le grand tremblement de terre de 2011. J'ai consacré ma jeunesse à la restauration de la poterie Ohori Soma alors que je n'étais encore qu'un novice. J'ai travaillé dur en réalisant tout ce dont j'étais capable. J'ai développé des canaux de vente, élaboré des produits et recruté du personnel. Tout ne se passait pas comme prévu, et avec le recul, je pense avoir connu plus de déconvenue que de succès. En tout cas, et c'est le plus important, je n'ai plus à craindre que la tradition s'estompe.

In the end, the work paid off. The temporary workshop has been renovated and young craftsmen have been recruited. We are now self-sufficient, especially since product development and marketing have been well structured. Despite the economic turmoil caused by the covid crisis, profits have continued to rise.&nbsp; Of course, there are still many challenges for Matsunaga Pottery to overcome. However, looking at the production of all the potters of Ohori soma yaki, I feel that the cataclysm caused by the earthquake and then by covid has been contained. Thanks to the mobilisation of volunteer craftsmen in the framework of regional reconstruction, the kilns have become dynamic again. Like the young Naohiro Yoshida, the next generation is assured and we can count on them to pass on the local know-how.&nbsp; And now, what remains to be done?

Au final, le travail paie. L'atelier provisoire a été rénové et de jeunes artisans ont été recrutés. Nous sommes maintenant autonomes, d'autant plus que le développement et le marketing de produits ont été bien structurés. Malgré les bouleversements économiques liés à la crise du covid, les bénéfices n'ont cessé d'augmenter. Certes il reste de nombreux enjeux à surmonter pour la poterie Matsunaga. Cependant, face à la production réalisée par l'ensemble des potiers de Ohori soma yaki, j'ai le sentiment que le cataclysme occasionné par le séisme puis par le covid a été endigué. Grâce à la mobilisation des artisans volontaires dans le cadre de la reconstruction régionale, les fours ont retrouvé leur dynamisme. Comme le jeune Naohiro Yoshida, la relève est assurée et nous pouvons compter sur la nouvelle génération, qui à son tour, transmettra le savoir-faire local. Et maintenant, que reste-t-il à faire ? Surmonter la catastrophe du séisme m'a poussé à travailler d'arrache-pied, au point où j'ai vécu un burn-out. Cependant, la crise sanitaire a été pour moi un mal pour un bien car j'ai eu l'occasion de me remettre en question, de prendre mon temps pour trouver des réponses, en somme, de réaliser une introspection fructueuse. Néanmoins, je ne me suis pas contenté de m'interroger. J'ai également relevé des défis et je souhaite vous présenter lesquels.

1.&nbsp;Launch of Rokuro-so The idea of a co-working space on the second floor and a guest house on the third floor has always been in the back of my mind. I wanted the trainees to be able to stay at their workplace. I also needed a workspace with an office, so I built it myself. Now that the sanitary measures are becoming more flexible, I would be happy to host artists and potters in residence.

1. Lancement de Rokuro-so L'idée d'un espace de co-working au deuxième étage et d'une maison d'hôtes au troisième a toujours germé dans ma tête. Je souhaitais que les stagiaires en formation puissent loger sur leur lieu de travail. J'avais également besoin d'un espace de travail muni d'un bureau alors je l'ai construit moi-même. Maintenant que les mesures sanitaires s'assouplissent, je serais ravi d'accueillir en résidence des artistes et des potiers.

2.&nbsp;A social support project for people with disabilities In the village of Nishigo where the workshop is located, there are several employment support structures. I have used them many times to carry out some of the manufacturing processes. Among my acquaintances, there are several who run them, and I had the opportunity to meet one who lives in Sendai and whom I have known for ten years. After our exchange, we concluded that joining this particular workforce with traditional crafts would be a real asset. Some people with disabilities are meticulous in carrying out tedious and unglamorous tasks, while others have a remarkable artistic sensitivity.&nbsp; I am convinced that this collaboration has great potential.

2. Un projet d'aide sociale aux personnes en situation d'handicap Dans le village de Nishigo où se trouve l'atelier, il y a plusieurs structures d'aide à l'emploi. J'ai eu recours à elles à maintes reprises pour assurer certains processus de fabrication. Parmi mes connaissances, plusieurs en dirigent et j'ai eu l'occasion d'en rencontrer une vivant à Sendai et que je connais depuis dix ans. A l'issue de notre échange, nous avons conclu que joindre cette force de travail si particulière à l'artisanat traditionnel serait un véritable atout. Certaines personnes en situation d'handicap réalisent avec minutie des tâches ingrates et fastidieuses tandis que d'autres font preuve d'une remarquable sensibilité artistique. Je suis convaincu que cette collaboration a un potentiel considérable.

3.&nbsp;Support for mergers and acquisitions of creative activities After the earthquake, the recovery of Ohori Soma pottery could not have been achieved without the digital platform. The digital platform has enabled the continuity of sales and product development. Moreover, since the covid pandemic, the internet has become the main engine for promotion and trade in handicrafts. I am now more involved in marketing than in making pottery, and to be honest, I feel more comfortable doing it.

3. Le soutien aux fusions et acquisitions des activités de création Après le séisme, le redressement des poteries Ohori Soma n'aurait pu se réaliser sans la plateforme numérique. Cette dernière a permis la continuité des ventes et des développement de produits. Par ailleurs, depuis la pandémie du covid, Internet est devenu le principal moteur de promotion et de commerce concernant les objets artisanaux. Aujourd'hui, je suis davantage occupé à assurer ce travail de marketing plutôt que la fabrication de poterie, et pour tout avouer, je m'y sens plus à l'aise.

Japan is facing a serious shortage of successors for small and medium-sized enterprises and for individual entrepreneurs. The ageing population and rural depopulation are the main reasons for this.&nbsp; In this context, the Matsunaga Pottery, a family business, is in the middle of a succession.&nbsp;I'm getting to know the legal status and tax regulations as best I can. Compared to other workshops, the Matsunaga kiln has managed to hold its own. Indeed, too many competent potters cannot find successors and the know-how is being lost. Due to a lack of skilled labour, successful pieces are often relegated to oblivion, which disappoints buyers who can no longer obtain them. Too many workshops in all sectors of the craft industry have to close down.&nbsp;&nbsp; That's why I want to contribute to a revival of workshops, so that they in turn become fully-fledged businesses with a more commercial dimension. Because of their traditional character, they do not always position themselves on the M&amp;A market. I therefore hope to be able to support them to ensure the transmission of traditional techniques and local crafts.&nbsp; I have always been in the business of creating objects, and I am now driven by a desire to be an entrepreneur.

Le Japon est confronté à une grave insuffisance de successeurs pour les petites et moyennes entreprises et pour les entrepreneurs individuels. Le vieillissement de la population et le dépeuplement rural en sont les origines principales. Dans ce contexte, la poterie Matsunaga, entreprise familiale, est en pleine succession. Je me familiarise tant bien que mal avec les statuts juridiques et les réglementations fiscales. En comparaison avec d'autres ateliers, le four Matsunaga a su tirer son épingle du jeu. En effet, trop de potiers compétents ne trouvent pas de successeurs et les savoir-faire se perdent. Faute de main d’œuvre&nbsp;qualifiée, des pièces à succès sont souvent relégués aux oubliettes, ce qui déçoit les acheteurs qui ne peuvent plus se les procurer. Trop d'ateliers doivent mettre la clé sous la porte, dans tous les secteurs artisanaux. C'est pourquoi je souhaite contribuer à un renouveau des ateliers, afin qu'ils deviennent à leur tour des entreprises à part entière, avec une dimension plus commerciale. En raison de leur caractère traditionnel, ils ne se positionnent pas toujours sur le marché des fusion-acquisitions. J'espère dès lors être en mesure de les soutenir afin d'assurer la transmission des techniques traditionnelles et de l'artisanat local. J'ai toujours été dans la création d'objets, je suis aujourd'hui animé par un désir d'entreprendre.

震災から12年を経て もう伝統が途絶える心配はしばらくなくなったーー 東日本大震災から12年経過しようとしている、自分の貴重な20代をかけ素人から大堀相馬焼の復興にかけてきた。とにかくがむしゃらに販路開拓、商品開発、採用活動などやれることは全部実施した。すべて上手くいったことはなく、思えば失敗したことの方が多かったように思える。 無我夢中にやり続けた結果、仮設だった工房もリニューアルされ、懸念だった担い手不足の危機も若手も採用、商品開発や営業活動も属人的にならない方法で仕組み化していていきた。業績もコロナ禍にも関わらず、増収増益を続けている。 松永窯としての課題はまだまだある。まだまだやれることは多いが「大堀相馬焼」という産地をみるとゼロになるという危機はひとまず去ったように感じる。地域おこし協力隊として入ってきた、吉田直弘くんをはじめとした若手は必ずや大堀相馬焼の産地を背負う存在になると思うし、彼らもまた下の世代を育てていくことになるだろう。 大きな危機をがひとまず去った今、自分は何を目標に行動するばいいのかーーーー そんな大きな危機を去った後、自分なりに自問自答したり、燃え尽き症候群になったりした。ただ幸か不幸かコロナ禍になり、人と会う機会もかなり減ったので内省する時間は十分にあった。 内省する中でも何もしなかったわけではなく、新しいことをは挑戦してきた。 いくつかの事例を紹介したいと思う。 ①ろくろ荘の立ち上げ リニューアルした工房の裏手に1Fがコワーキングスペース、2Fがゲストハウスという昔から構想にあった、職人が寝泊まりしながら作れる施設を作った。毎年職人インターンがやってくるし、なにかと宿は必要だったのと、福島に戻る度にデスクワークできる場所に困っていたので、自分で作った格好だ。コロナも落ち着いてきたし、海外のアーティストや作家がアーティストインレジデンスで使ってくれると嬉しいなと思う。 ②福祉事業との組み合わせ 工房がある西郷村には、障害を持つ方の就職を支援する「就労支援施設」がいくつかあり、工房の作業をいくつかお願いしたりしている。私の周りの経営者には「就労支援施設」を経営している方が何人かおり、たまたま10年以上の付き合いである仙台の経営者とお会いしたときに、伝統工芸との掛け合わせが相性が良いのではないかという話になり、立ち上げることにした。実はハンディを持った方がコツコツとした作業が向いていたり、一方でコツコツとした作業が向いていなくてもものすごい芸術的な作品を作る人が生まれる可能性もあるのだ。 この事業はかなり可能性があると信じている ③プロデュース事業としてのM&amp;A支援 震災後、大堀相馬焼の復興はWEBを使った販売促進、商品開発があったお陰と思っている。コロナ禍を契機に、他の地域の工芸品や特産品。WEBを活用した販売促進の仕事が増え、いまや焼き物の販売をする事業を超えてくるようになった。実はこちらの方が向いているかもしれない。 日本は高齢化や地方の人口減少で、中小企業や個人事業主の後継ぎ不足が深刻だ。「大廃業時代」を迎えている。 そんな中で私の家業「松永窯」も事業承継を真っ只中である。新しく知る税制や仕組みを知り手探りながらなんとか進めている。 私の場合はまだ幸運なパターンであるが、後継者がおらず長年続いてきた、信用や技術が途絶えてしまうのが非常にもったいない。他の工芸産地でも後継者がおらず廃業してしまったばかりに売れ筋の商品が廃盤になってしまったことをよく聞く。これまで震災後に得た知見を他の人に役立てられるように事業化をしていったことを、これからは事業承継という形式で役立てられないか考えている。特に伝統産業は歴史もあることから、いま流行りのM&amp;Aのサイトなどには絶対に出てこない。自分が矢面にたつことで、円滑な承継支援ができればと思っている。 これまで「モノ」としての挑戦であったが、「コト」を作品として挑戦していく、それが今後の自分なりの挑戦かもしれない。 プロフィール 松永武士 大堀相馬焼松永窯4代目でありながら、伝統産業を世界に広める商社・メーカーであるガッチ株式会社の代表取締役を努めている。東日本大震災で帰宅困難に指定▷県内に移転し、マイナスからの過程で培った商品開発や販売促進を中小企業へプロデュースしている。

12 years after the Tohoku earthquake (11 March 2011)

12 ans après le séisme de Tohoku (11 mars 2011)

A concept that goes against wabi-sabi --When I saw your works, I was shocked. I found your works very flamboyant. The colours are bright, with gold and silver, and the shapes are prominent. I felt that they were the opposite of the usual ceramic artworks. Koga: That's true. When ceramics are mentioned, we immediately think of the tea ceremony. Wabi-sabi is always associated with Sen no Rikyu, the ceramic school that advocates sobriety. -As you say, ceramics has a rather austere image. Koga: I am interested in the world of the tea ceremony, and I have great respect for traditional wabi-sabi works. If you trace its history, you always come to Sen no Rikyu. At that time, karamono (tea bowls from China reserved for tea ceremonies, translator's note), colourful and luxurious, were very appreciated and these true works of art were associated with power. In this context, Rikyu dared to use black tea bowls made in Japan, declaring, "This is the beauty of Japan." It was like a pied-de-nez to the established order.

Un concept allant à l'encontre du wabi-sabi --Quand j'ai vu vos œuvres, j'ai été choqué. J'ai trouvé vos œuvres&nbsp;très flamboyantes. Les couleurs sont vives, avec de l'or et de l'argent, et les formes saillantes. J'ai eu le sentiment qu'elles étaient à l'opposé de ce qu'on a l'habitude de voir dans la céramique d'art. Koga : C'est vrai. Lorsque la céramique est évoquée, nous pensons d'emblée à la cérémonie du thé. Le wabi-sabi est toujours assimilé à Sen no Rikyu qui prône la sobriété. --Comme vous dites, la céramique a plutôt une image austère. Koga : Je m'intéresse à l'univers de la cérémonie du thé, et je respecte beaucoup les œuvres traditionnelles wabi-sabi. Si vous retracez son histoire, vous arrivez toujours à Sen no Rikyu. À l'époque, les karamono (bols à thé en provenance de Chine réservés aux cérémonies du thé, note du traducteur), colorés et luxueux, étaient très appréciés et ces véritables œuvres d'art étaient associées au pouvoir. Dans ce contexte, Rikyu a osé utiliser des bols à thé noirs fabriqués au Japon en déclarant: "C'est cela, la beauté du Japon." C'était comme un pied-de-nez à l'ordre établi.

-That's for sure. But why did Rikyu choose the colour black? Koga: The idea of the black bowl was to put the ritual of the ceremony back in the foreground. Rikyu wanted the container to disappear in favour of the precision of the gesture. The uncluttered room with its subdued light helped to create a favourable environment. The colour black was therefore the logical consequence of a master's initiative. This aesthetic has been passed down for over 400 years, and I feel that wabi-sabi is engraved in the DNA of the Japanese people. I think that such values cannot be created anymore. This is why I had the idea of going against the grain of wabi-sabi, which I also deeply respect. -What is this "anti-wabi-sabi", in more concrete terms? Koga: It's the disorder that emerges from the object. Just as Rikyu did, I would like to give my works an appearance, a feeling and a taste experience that transforms the senses through it. Nevertheless, my aesthetic philosophy is contrary to that of wabi-sabi. I wish to create from the traditions and techniques that have been passed down through the ages, while incorporating my own sensibility from contemporary life.

-C'est sûr. Mais pourquoi Rikyu a choisi la couleur noire ? Koga : L'idée du bol noir était de remettre au premier plan le rituel de la cérémonie. Rikyu voulait que le contenant s'efface au profit de la précision du geste. La pièce épurée à la lumière tamisée participait à la création d'un environnement propice. La couleur noire était donc la conséquence logique d'une initiative de maître. Cette esthétique est transmise depuis plus de quatre cents ans, et j'ai le sentiment que le wabi-sabi est gravé dans l'ADN du peuple japonais. Je pense que de telles valeurs ne peuvent plus être créées. C'est pourquoi j'ai eu l'idée d'aller à contrecourant du wabi-sabi que, par ailleurs, je respecte profondément. -Qu'est-ce que cet "anti-wabi-sabi", en termes plus concrets ? Koga : C'est le désordre qui se dégage de l'objet. Tout comme Rikyu l'a réalisé, j'aimerais attribuer à mes œuvres&nbsp;une apparence, une sensation et une expérience gustative qui transforment les sens à travers elles. Néanmoins, ma philosophie esthétique va à l'encontre de celle du wabi-sabi. Je souhaite créer à partir des traditions et des techniques qui ont été transmises à travers les âges, tout en incorporant ma propre sensibilité issue du monde actuel.

-How did you come to use nails? Koga: When I saw a vase considered a masterpiece in a museum abroad, I strongly felt the power inherent in objects. I began to wonder if I could express this power. While experimenting with various forms and techniques, I discovered nails. I found them to be an interesting form of the smallest scale of forces. In my opinion, they have the power to act on sight, touch and taste. Therefore I consider nails as a material that affects the body and mind rather than just a decorative accessory. -- Historically, nails are also a symbol of a rebellious spirit, as in British punk. Koga: The theme of this exhibition was "people who stand out". I thought that nails could represent going beyond and I developed this idea by embodying in my work personalities who push their limits and break out of the norms of the world by throwing away the conventions of the past. In this respect, there are certain similarities with the idea of "Gekokujo", according to which the balance of power between the dominant and the dominated can be reversed. This thought was widespread during the ongoing military conflicts of the Sengoku period (1450-1600, translator's note). --I see. What kind of works are presented in this exhibition? Koga: I wanted to honour personalities that inspire me so I created objects and sake cups that I thought embodied them well. For example, I made a piece that symbolises the great determination of footballer Keisuke Honda. In Japanese, there is an expression that illustrates a strong heart with a hairy heart. The nails, so to speak, represent the hairs that grow on the heart.

--Comment en êtes-vous arrivé à utiliser des clous ? Koga : Lorsque j'ai vu un vase considéré comme un chef-d'œuvre dans un musée à l'étranger, j'ai fortement ressenti le pouvoir inhérent aux objets. J'ai commencé à me demander si je pouvais exprimer cette puissance. En expérimentant diverses formes et techniques, j'ai découvert les clous. J'ai trouvé que c'était une forme intéressante de la plus petite échelle des forces. Selon moi, ils ont le pouvoir d'agir sur la vue, le toucher et le goût. C'est pourquoi je considère les clous comme un matériel qui affecte le corps et l'esprit plutôt que comme un simple accessoire décoratif. -- Historiquement, les clous sont aussi le symbole d'un esprit rebelle, comme dans la culture punk anglaise. Koga : Le thème de cette exposition était "les gens qui sortent du lot". J'ai pensé que les clous pouvaient représenter le dépassement et j'ai développé cette idée en incarnant à travers mes œuvres&nbsp; des personnalités qui repoussent leurs limites et qui sortent des normes du monde en se débarrassant des conventions du passé. À cet égard, il existe certaines similitudes avec l'idée du "Gekokujo" selon laquelle le rapport de force entre les dominants et les dominés peuvent s'inverser. Cette pensée s'est beaucoup répandue durant les conflits militaires permanents de la période Sengoku (1450-1600, note du traducteur). --Je vois. Quels types d'œuvres sont présentés dans cette exposition ? Koga : J'ai voulu faire honneur à des personnalités qui m'inspirent alors j'ai créé des objets et des coupes à saké qui, à mon sens, les incarnaient bien. Par exemple, j'ai réalisé une pièce qui symbolise la grande détermination du footballeur Keisuke Honda. En japonais, il existe une expression qui illustre un cœur solide par un cœur poilu. Les clous, pour ainsi dire, représentent les poils qui poussent sur le cœur.

-So your nails are a metaphor. Koga: It was a new challenge for me to include an unusual form in such an ancient craft. Signifying the overcoming of oneself through a representation of a nail also brought a new wind to the world of pottery. It should not be forgotten that ceramics are the result of a meeting between man and earth. Depending on the texture and natural properties of the clay, the potter decides on the shape and colour of the final piece. With coarse clay, he will tend to make rough cups and depending on its resistance to temperature, he will choose an appropriate glaze and, therefore, a specific colour. However, the basic material of porcelain, unlike ceramics, goes through a human process from the outset as it is a mixture of various broken stones. In my opinion, this is the main difference between ceramic and porcelain.&nbsp; -How does this difference manifest itself in your work? Koga: The artificiality of the basic material of porcelain allows me to be as creative as I like. Since man has already intervened in a previous process, I feel allowed to take my liberties. If I worked with clay, I might have a more respectful attitude towards the raw material. --I see. Do you have any goals when you make porcelain? Koga: Japanese porcelain is four hundred years old, with Arita being the most prestigious. It has gradually developed outside its native land until it is industrialised today. The techniques and traditions have been passed on from generation to generation by successive masters. Training in the discipline is certainly essential, but what to do next? As the discovery of pottery dating from the Jomon period attests, the works can survive us for centuries. So the question of imprinting arose for me. If I create objects that can survive in the distant future, I would like to leave a trace that describes our present. I would like to use the techniques of our ancestors and crystallize our time through the white jewel that is porcelain. I wish to arouse an emotion in the people of the future.

--Alors vos clous sont une métaphore. &nbsp; Koga : C'était pour moi un nouveau défi d'inclure une forme inhabituelle dans un artisanat si ancien. Signifier le dépassement de soi par une représentation d'un clou a également apporté un vent nouveau au monde de la poterie. Il ne faut pas oublier que la céramique est issue d’une rencontre entre l’homme et la terre. En fonction de la texture et des propriétés naturelles de l’argile, le potier décide la forme et la couleur de la pièce finale. Avec de l'argile grossière, il aura tendance à faire des tasses rugueuses et en fonction de sa résistance à la température, il choisira un émail approprié et, par conséquent, une couleur spécifique. Cependant, le matériau de base de la porcelaine, contrairement à la céramique, passe d'emblée par un processus humain puisqu'il s'agit d'un mélange de diverses pierres brisées. Selon moi, c’est là que réside la principale différence entre la céramique et la porcelaine. &nbsp; --Comment cette différence se manifeste-t-elle dans votre travail&nbsp;? &nbsp; Koga : Le caractère artificiel du matériau de base de la porcelaine me permet une créativité sans borne. Puisque l’homme est déjà intervenu dans un processus antérieur, je me sens autorisé à prendre mes libertés. Si je travaillais l’argile, j’aurais peut-être une posture plus respectueuse de la matière première. --Je vois. Vous donnez-vous des objectifs lorsque vous fabriquez de la porcelaine ? Koga : La porcelaine japonaise est vieille de quatre cents ans, celle d'Arita étant la plus prestigieuse. Elle s'est peu à peu développée en dehors de sa terre natale jusqu'à s'industrialisée aujourd'hui. Les techniques et les traditions ont été transmises de génération en génération grâce aux maîtres successifs. Se former dans la discipline est certes indispensable mais que faire après? Comme la découverte de la poterie datant de l'époque Jomon l'atteste, les&nbsp;œuvres peuvent nous survivre pendant des siècles. Alors la question d'empreinte s'est posée à moi. Si je crée des objets qui peuvent perdurer dans un lointain avenir, j'aimerais laisser une trace qui décrit notre présent. M'appuyer sur les techniques de nos ancêtres et cristalliser notre époque grâce à ce joyau blanc qu'est la porcelaine. Je souhaite susciter une émotion auprès des hommes du futur.

--I see a certain romanticism in your artistic approach. Koga: I mentioned the distant future, but to tell the truth, I mainly want my work to be seen today, of course. In our time, everything is moving very fast. Great personalities, technological progress and new objects appear in just a few years. This is why I believe that art finds its meaning in the precise moment and place of its creation. Otherwise, its interpretation would be affected. From this point of view, my works are part of a raw actuality.&nbsp;&nbsp; --Previously, you mentioned wabi sabi and gekokujo. Seeing your pieces, I feel an influence from the Sengoku period to that of Azuchi Momoyama (1573-1603, a period of unification of Japan, notably marked by a profusion of popular arts, translator's note). What do you think about it?&nbsp; Koga: You are right. I like very much this period contemporary to Rikyu where a culture going to its opposite developed, especially with the Kabuki-mono (group of ronin, fallen samurai, who wore exuberant outfits with provocative manners and language, translator's note). This period saw two contradictory trends, with the concepts of the silence of Rikyu and the dynamism of the "Kabuku" culture that I just mentioned. I like this duality very much.&nbsp;

Trouver une utilité à l'esthétique --Je constate un certain romantisme dans votre démarche artistique. Koga : J'ai évoqué un avenir lointain mais à vrai dire, je souhaite surtout que mes œuvres&nbsp;soient vues aujourd'hui, évidemment. A notre époque, tout va très vite. De grandes personnalités, les progrès technologiques et de nouveaux objets apparaissent en quelques années seulement. C'est pourquoi, d'autant plus, je considère que l'art trouve son sens dans le moment et le lieu précis de sa création. Autrement, son interprétation serait affectée. Dans cette optique, mes œuvres&nbsp;s'inscrivent dans une actualité brute. --Précédemment, vous avez évoqué le wabi sabi et le gekokujo. En voyant vos pièces, je ressens une influence allant de l'époque Sengoku à celle d'Azuchi Momoyama (1573-1603, période d'unification du Japon, notamment marquée par un foisonnement des arts populaires, note du traducteur). Qu'en pensez-vous? Koga : Vous avez raison. J'aime beaucoup cette époque contemporaine à Rikyu où une culture allant à son opposé s'est développée, notamment avec les Kabuki-mono (groupe de ronin, des samourai déchus, qui portaient des tenues exubérantes avec des manières et un langage provocants, note du traducteur). Cette période a vu deux tendances contradictoires, avec les concepts du silence de Rikyu et du dynamisme de la culture "Kabuku" que je viens de mentionner. Cette dualité contemporaine me plaît beaucoup.

-What does kabuku mean to you? Koga: Do you know that there are many very original samurai helmets? They are called kawari kabuto, and their motifs are octopuses, scolopendres, crescent moons or Chinese characters such as the one for love. Heavy and cumbersome, one might question their practicality on the head of a knight going into battle. However, I think that the samurai were expressing their fervour here, and somehow the madness in which they found themselves. There is a real aesthetic of battle through which Japanese warriors allowed themselves a personal elegance. These objects stimulated my creativity a lot, so I created "Sake cup in half mask".&nbsp;&nbsp;

-Que vous évoque le kabuku? Koga : Savez-vous qu'il existe de nombreux casques de samouraï très originaux? On les appelle les kawari kabuto, et ils ont comme motifs des poulpes, des scolopendres, des croissants de lune ou des caractères chinois comme celui de l'amour. Lourds et encombrants, on pourrait douter de leur praticité sur la tête d'un chevalier qui part au combat. Cependant, je pense que les samouraï exprimaient ici leur ferveur, et quelque part la folie dans laquelle ils se trouvaient. Il y a une véritable esthétique de la bataille à travers laquelle les guerriers japonais se permettaient une élégance personnelle. Ces objets ont beaucoup stimulé ma créativité alors j'ai créé "coupe à saké en demi-masque".

--What do you remember about the ideological and cultural aspects of kabuku? Koga: The containers have evolved. We went from the tea bowl to the kaiseki dishes, and then the sake cup complemented the carafe. This transition took place in the Sengoku period. The socio-cultural context was very important to me, and I think you can see it in my creations. --What do you want to use your sake cups for? Koga: Since ancient times, banquets have been an integral part of ceremonies and political events. At bureiko, the unofficial banquets, guests met in a masquerade where status and social hierarchy were put aside, where only personality was tested. The atmosphere was more relaxed, more festive, in short, an opportunity for everyone to get to know each other without the prestige of rank. I would like my sake cups to participate in moments of conviviality, and for their originality to make people react by offering pleasant moments of exchange.

--Que retenez-vous des aspects idéologiques et culturels du kabuku ? Koga : Les contenants ont évolué. On est passé du bol à thé à la vaisselle des kaiseki, puis la coupe à saké a complété la carafe. Ce passage s'est opéré dans la période Sengoku. Le contexte socioculturel m' a beaucoup interpelé et je crois qu'on peut le voir dans mes créations. --Quel usage souhaitez-vous concernant vos coupes à saké ? Koga : Depuis l'Antiquité, les banquets font partie intégrante des cérémonies et des événements politiques. Lors des bureiko, les banquets officieux, les convives se rencontraient dans une mascarade où statut et hiérarchie sociale étaient mis de côté, où seule la personnalité était sondée. La décontraction était de mise, l'ambiance plus festive, bref, l'occasion pour tous de se connaître sans le prestige qu'offrait le rang. J'aimerais que mes coupes à saké participent à des instant de convivialité, que leur originalité fasse réagir en offrant des moments d'échange plaisants.

--Your works are inspired by the masks of the Japanese warlords and you spoke of the Gekokujo thought. To what extent does this ideology accompany your creations? Koga: At that time, the warlords fought for hegemony. Today, there is no war in Japan, but with the development of social networks, every individual has a voice and I feel that everyone is able to influence the course of the world. In other words, we live in an era where power is at hand, as in the Gekokujo ideology. In this sense, there are similarities with the Sengoku period. Despite this reality, I sometimes have the impression that society obeys standards. That is why I want to create works that are both unique and powerful. By creating "Cheeked Armour Cup", which is inspired by the helmet, not only in its appearance but also in its message, I wanted to give shape to the concept of ambition. I would be honoured if people who are determined to excel and have a voice appreciate my work.

--Vos œuvres sont inspirés des masques des seigneurs de guerre japonais et vous avez parlé de la pensée Gekokujo. Dans quelle mesure cette idéologie accompagne vos créations? Koga : A l'époque, les seigneurs de guerre se sont battus pour s'emparer d'une hégémonie. Aujourd'hui, il n'y a pas la guerre au Japon mais, avec le développement des réseaux sociaux, chaque individu porte une parole et j'ai le sentiment que tout un chacun est en mesure d'influencer le cours du monde. En d'autres termes, nous vivons une époque où le pouvoir est à porté de main, comme dans l'idéologie Gekokujo. En ce sens, il existe des points communs avec la période Sengoku. Malgré cette réalité, j'ai parfois l'impression que la société obéit à des standards. C'est pourquoi je désire créer des œuvres à la fois uniques et percutantes. En créant "Cheeked Armour Cup" qui s'inspire du casque, non seulement par son apparence mais aussi par le message qu'il véhicule, j'ai voulu donner forme au concept d'ambition. Je serai donc honoré si des personnalités déterminées à se dépasser et à porter une voix apprécient mon travail.

&lt;B-OWND&gt; Photo by Yo Ishigami Profile : Takahiro Koga Born in 1987 in Fukuoka Prefecture, Koga graduated from the Fine Arts and Crafts Course at the Faculty of Culture and Education at Saga University in 2010, and has been making ceramics in Nagashima-cho, Kagoshima Prefecture, since 2011.

&lt;B-OWND&gt; Photo by Yo Ishigami Profile : Takahiro Koga Né en 1987 dans la préfecture de Fukuoka, Koga est diplômé du cours de beaux-arts et d'artisanat de la faculté de culture et d'éducation de l'université de Saga en 2010, et fabrique des céramiques à Nagashima-cho, dans la préfecture de Kagoshima, depuis 2011.

<h2 style="text-align:center" id="he433c95b29">下剋上時代の陶芸－現代社会へのカウンター</h2> ――古賀さんの作品を見たときに衝撃が走りました。なんてド派手な作品なんだろうって（笑）。トゲトゲしているし、色彩は金や銀など豪華絢爛。一般的な陶芸作品の対極にあるような作品だと感じました。 古賀　ははは、そうですよね。陶芸というと、お茶道具のイメージがあると思いますし、そうなってくると千利休のあの渋い、わびさびのイメージが一般的なんじゃないかと思います。 ――おっしゃるように、陶芸って渋いイメージがあるかもしれません。 古賀　僕はお茶の世界にも興味があって、伝統的なわびさびを感じさせる作品もとてもリスペクトしています。その歴史をたどってゆくと必ず行きつくのは、千利休。当時、色彩豊かで豪華な唐物が評価され、それらの美術品が権力とも結びついていたのに、利休はあえて国内で制作した黒の茶碗を使ったんです。「これが日本の美だ」って。すごいカウンターですよね（笑）。 ――確かにそうですね。ところで、利休はどうして黒という色を選択したのですか？ 古賀　抹茶椀を黒くすることには、存在を消すという意図がありました。薄暗い、簡素な室内で、お抹茶を手ですくって飲むような感覚まで洗練させたのが利休です。すべてを突き詰めた結果、黒という色になったのだと思います。この美学って、400年以上もの間受け継がれ、「わびさび」は私たち日本人の美的感覚のひとつとして、すでにDNAに刻み込まれていると感じます。僕は、こんな偉大な価値や発想ってもう中々創造できなんじゃないかと思っていて。だからこそ、対抗するにはリスペクトを込めて「反わびさび」だろう、という考えに至ったのです。 ――反わびさびとは、もう少し具体的に言うと、どんなイメージなのでしょうか。 古賀　モノからめちゃくちゃに存在感が出ている感じ。僕がやりたいことのひとつは、利休が行ったみたいに、見た目も触感も味覚も違ってくるような仕掛けを、わびさびの思想と逆の方向で行うことです。そしてそこに、これまで受け継がれてきた伝統や技術を踏まえながら、現代を生きる自分の感覚も取り入れて作品を作りたいと考えています。 ――スタッズという表現に行きついたのはどういった経緯があったのでしょうか。 古賀　以前、海外の美術館で名品とされている壺を見たとき、「モノに内在する力」を強く感じたことがありました。この「力」を作品になんとか表現できないか、どうしたら可視化できるかと考えるようになり、さまざまな形や技法を試行錯誤していく中で、スタッズというものに行き着きました。「力の最小限の単位」として、おもしろい形だなと感じたのです。スタッズは、視覚、触覚、味覚など、人間の感覚に何らか働きかける力がある。だから僕は、スタッズを装飾というよりも、心身に影響を与えるものとして捉えています。 ――歴史的にみると、スタッズってブリティッシュ・パンクのように、反骨精神の象徴でもあると思いますが、そのあたりの意味も込められていらっしゃいますか？ 古賀　僕はこの展示のテーマを考える段階で、スタッズを、広義の意味で「突出」とみなすこともできるんじゃないかと考えました。それを発展させて、今回の展示でテーマとしたのは「突出した人」。たとえば、「自分の限界を突き破る人」、「世界の常識を打ち破る人」、「過去の因習を振り払う人」というような存在。この点を見れば、戦国時代の下剋上の考えと共通する部分もありますね。 ――なるほど。今回の展示にはどのような作品が並んでいるのですか？ 古賀　僕自身が今生きていて、勇気をもらったり、励まされたりという人をピックアップして、その方々へのリスペクトを込めて制作したオブジェや酒器などです。たとえば、今回は本田圭佑選手をイメージした作品がありますが、これは彼の強靭なメンタルを象徴しています。強心臓って、心臓に毛が生えているという表現もありますよね。いわば、その「心臓に生える毛」をスタッズで表現しているのです。 ――スタッズを比喩的に捉えていらっしゃるのですね。 古賀　スタッズという、これまでの取り組みに新しい意味を見出して、「突出した人」というテーマにまでもっていき、作品として昇華したことが、自分にとっても、陶芸界にとっても、新しい挑戦だったのかなと。そもそも焼物って、本来土と向き合って形や色を決めるものなんですよ。たとえば、粗めの土だから、荒々しい茶碗にしようとか、耐火度の高い土だから、こういう釉薬を使ってこんな色にしようとか。けれど磁器って、陶器と違って、原料は石なんです。細かく砕いて、人工的に粘土のようにする技術でできた素材。つまり、最初から人工物ということです。ここが陶器と決定的に違う点と考えています。 ――その違いは、作品にどのように表れているのでしょうか？ 古賀　はじめから人の手が入っているものなら、自由に作っていいんじゃないかなと考えていて。だから僕が作っているような人為的な形の作品ができるんです。けれど陶器は、やっぱり土が天然ものですから、それは素材の声を聴くというか、尊重した表現の方がいいと考えています。 ――なるほど。磁器をつくるということに対して他に意識されていることはありますか？ 古賀　磁器って、有田焼が聖地の焼物で、400年くらいの歴史があります。様々な地域に広く伝搬していますし、産業化もされている。この長い歴史の中で、先人達の伝統や技術が育まれ、伝承されてきました。けれど、修行してそれを身につけて、じゃあ現代人の僕はどうする？っていう問題がありました。焼物って、100年、1000年、10000年と残るものなのです。例えば縄文土器だって現存している。だからこそ、遠い未来、後世にも残す自分の作品を作るならば、今自分が生きているこの時代を反映したものにしたい。先人達が築いてきた技術、伝統を用い、「白い宝石」ともいえる磁器で、この時代を結晶化できたらなと考えています。そして、後世の人に、何らか感じてもらえることがあったらうれしいですね。 ――それはすごくロマンがありますね。 古賀　といいつつ、一番作品を見てほしいのは、「今」なんですけどね。数年経っただけで、またすごい人、新しい技術、面白いモノってどんどん出てくるじゃないですか。時代ってめまぐるしく変わるし、だからこそ「今」この場所、この時に見てもらわなければ全く別のものとなってしまう。そういう意味で、僕の作品は「ナマモノ」でもあるんです。 ――先ほど、作品コンセプトを伺った際に、「わびさび」や「下剋上」といったキーワードが出てきましたが、古賀さんの作品からは、どことなく戦国から桃山美術の雰囲気を感じます。 古賀　その時代をモチーフにしている作品も多いですからね。やはりあの時代にすごく惹かれるものがあるんです。利休もそうですけれど、同時代に、「かぶく」という文化も出現しました。利休が「静」ならば、傾奇者たちは「動」という感じで、全く真逆の表現を突き詰めている。本当に面白いなと思います。 ――「かぶく」というと、例えばどのようなものをイメージされていますか？ 古賀　当時の武将の兜に、ユニークなものがたくさんあるのはご存知ですか？「変わり兜」と言って、タコやムカデ、でっかい三日月や愛という漢字がのっていたり。あれを纏って馬に乗って走ったら、風圧や重さで転げ落ちるんじゃないかって思うくらい、戦闘向きじゃないものがたくさんあって。そこには用の美やわびさびが皆無なんです。つまりあれって、いかにぶっとんでいるかという美の戦いだと思ったんです。自らの心意気を表現していたり、シャレを効かせてみたりと、それぞれの固有の美を表現していて面白いですね。こういうものを見ていると、作家としてすごく刺激されるものがあり、僕の作品《頬鎧盃》というシリーズは、この「変わり兜」をモチーフにしています。 ――思想的、文化的な部分からの影響はいかがでしょうか。 古賀　もちろんあります。器は、お抹茶から懐石、そして徳利やぐい吞みへと発展していきますが、その発端はやはり戦国時代頃。そのあたりの背景への意識が先にありました。 ――《頬鎧盃》などの酒器について、実用面ではどのようなことを考えていらっしゃるのでしょうか。 そもそも祝宴の席って、古来より儀礼や政事の場に不可欠なもので、さらには無礼講といった立場を超えた祝祭の場として、人の度量や心意気を見る場でもあったんです。だから、ユニークな酒器を使って、その場が盛り上がったり、より楽しい時間につながるよう、コミュニケーションツールとなればうれしいですね。 ――戦国武将のカブトをモチーフにした作品ということで、先ほど下剋上というお話も出ましたが、コンセプトの部分にもそういった思想は関係していますか？ 古賀　戦国武将たちは、覇権を争って国内で戦っていたじゃないですか。現代は戦争をしているわけじゃないけれど、SNSも発達していて、誰にでも発言力があり、覇権を狙える時代だと感じています。つまり、下克上が可能な世の中ともいえる。そういう意味で、戦国時代と重なる部分があるように感じています。僕は今、社会が画一化しているように感じることがあります。だから、僕はそれに対して、あえて個性的で存在感のある作品を制作したい。《 頬鎧盃 》って、見た目もですけれど、こういう思想的な部分にも変わり兜に着想を得ています。いわば、志と誇り、強い意志を形にした作品なんです。だから、高みを目指し、声を上げる勇気を持った人たちに共感してもらって、僕の作品を使ってもらえたらこれ以上に嬉しいことはないですね。 &lt;B-OWND&gt;

Ceramic art in the Gekokujo period - a counterpoint to contemporary society

La céramique d'art à la période Gekokujo - un contre-pied à la société contemporaine

Every household starts the year in its own way. In mine, we went to the temple and then stayed together as a family for the rest of the time, enjoying New Year's dishes, from ozoni, a clear soup with a lot of flavour, to osetchi, a variety of sweet dishes. These first three days together were very important for us. Like Christmas for the French. It is important to rest, to enjoy the peace and quiet.&nbsp; New year's resolutions must be made on the first of January. You have to set goals and put them down on paper with a brush on the second of January. This was my ritual. In high school, I used to enjoy making copies of sutras that my teacher would correct.&nbsp;&nbsp;

Chaque foyer commence l’année à sa façon. Dans le mien, nous allions au temple, puis nous restions en famille tout le reste du temps en dégustant les plats de nouvel an, entre ozoni, une soupe claire agrémentée et osetchi, des mets variés et sucrés. Ces trois premiers jours passés ensemble étaient très importants pour nous. Comme Noël pour les Français. Il est primordial de se reposer, d’apprécier la tranquillité.&nbsp; Les résolutions de l’année doivent être prononcées le premier janvier. Le lendemain, il faut se donner des objectifs et les coucher sur papier avec un pinceau. Tel était mon rituel. Au lycée, je m’adonnais avec plaisir à des copies de sutra que mon professeur corrigeait. &nbsp;

Since I learned about the Feng-Shui of the nine flying stars, I have been interested in the Chinese calendar. The fact that the year starts at the spring equinox seems to me to be in line with nature. The ominous transition from winter to spring provides the opportunity for a deep detox and the calligraphy of spring greetings brings me the energy and awareness of a new beginning. It is at this time that I make my wish list for the year, that I review my resolutions made in January.&nbsp; Spring wishes are a hope that man and society live in peace, even in this hostile life. That is why I wanted to send my wishes to my family and friends who live far away.&nbsp;&nbsp; I wish you a year full of joy and good health. Times are hard and winter is still here, but take care of yourself first. Daffodils are already blooming on the street corners of Bordeaux. With all my love&nbsp;&nbsp;

Depuis que j’ai pris connaissance du Feng-Shui des neuf étoiles volantes, je me suis intéressé au calendrier chinois. Que l’année commence à l’équinoxe de printemps me semble en accord avec la nature. Le passage sinistre entre l’hiver et le printemps donne l’occasion d’une detox profonde et la calligraphie des vœux de printemps m’apporte l’énergie et la prise de conscience d’un nouveau commencement. C’est à ce moment que je fais ma liste de souhaits pour l’année et que je revois mes résolutions prises en janvier.&nbsp;Les vœux de printemps sont une espérance que l’homme et la société vivent en paix, quand bien même dans cette vie hostile. C’est pourquoi j’ai eu envie d’adresser mes vœux à ma famille et mes amis qui vivent loin. &nbsp; Je vous souhaite une année pleine de joie et une santé à toute épreuve. Les temps sont durs et l’hiver encore présent mais prenez soin de vous avant tout.Des narcisses fleurissent déjà au coin des rues de Bordeaux.Avec tout mon amour &nbsp;

「立春大吉」 お正月の過ごし方は日本でも、各家庭のスタイルそれぞれ。小さな頃、若杉家では三ヶ日はお参り以外、基本的には外に出かけるのは控えて、家族団欒の時間を大切にしておりました。フランスでいうクリスマスの過ごし方と同じようですね。お雑煮は毎日、おせち料理と前もって作り置きしたものをいただき、ゆっくり休むように教えられたものです。 新年の計は元旦にあり。今年1年の年間計画や目標を定め、1月2日に書き初めをするのも恒例。高校生の頃はお正月に写経を書いたものを先生に見せて、添削いただくのも楽しみのひとつでした。 大人になってから九星氣学風水に出会い、暦カレンダーを意識するようになってから、立春が1年のはじまりだと益々感じるようになってきました。ちょうど冬から春になる真っ暗闇のデトックスこと土用も経て、心がとっても軽くなりますし、この立春直前に書く「立春大吉」はいよいよ春を寿ぐ時期が来た、と胸が熱くなります。だいたいこの時期になると叶えたいリスト百選。ウィッシュリストも書くようにしています。決意を新たに「1年の計は元旦にあり」の復習ですね。 「立春大吉」の意味は、古来、新年の始まりであった立春に人々や社会の幸せを祈る言葉。この厳しい世界に生かされている私たち。春を祝う言葉を添えて、今日は遠く離れた家族や友人たちにもお便りを書きたくなりました。 余寒お見舞い申し上げます。厳しき時節ではございますが、何卒ご自愛専一に、皆様のご健康とご多幸をお祈り申し上げます。道端には黄色い水仙の花が満開です。ボルドーより愛を込めて。

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